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Dans l’histoire de la bande dessinée, Tintin est la saga de tous les superlatifs et de tous les records. La vente d’une planche du Lotus bleu par Artcurial le jeudi 14 janvier 2020 ne déroge pas à la règle.
Ce jour-là, sous le marteau d’Arnaud Oliveux, la maison parisienne proposait aux enchères un projet d’illustration par Hergé pour la couverture de l’édition originale de l’album du Lotus bleu de 1936. L’œuvre a été adjugée 3,2 M€, devenant également le nouveau record du monde pour le dessinateur belge. C’est également un nouveau record mondial pour une œuvre originale de bande dessinée vendue aux enchères.
"Grâce à son caractère unique ce chef d’œuvre du 9ème art mérite ce record du monde et confirme l’excellente santé du marché de la Bande Dessinée", commente l’expert Eric Leroy.
Dans l’histoire des aventures de Tintin, cette 5e histoire se déroulant en Chine marque une étape capitale dans cette saga par sa dimension artistique autant qu’humaine. Le reporter découvre un pays fascinant, ainsi que son ami Tchang Tchong-Jen, le seul personnage réel de ses aventures, si l’on exclue Al Capone dans Tintin en Amérique.
Qui n’a pas vu Irréversible de Gaspar Noé (également typographié IЯЯƎVƎЯSIBLƎ) ne peut pas comprendre le choc visuel de ce long-métrage de 2002.
De cette histoire d’une soirée qui finit mal, avec Monica Bellucci et Vincent Cassel dans les rôles principaux, le cinéaste français a construit un film violent et virtuose.
Virtuose car le choix a été de monter les scènes dans un ordre non-chronologique : la conclusion de l’histoire démarre le film.
S’il y a une actualité d’Irréversible 18 ans plus tard c’est que le film ressort en DVD dans deux versions : l’une de 2002, et l’autre telle qu’elle a été présentée en 2019 à Venise, en "inversion intégrale", pour reprendre l’expression du réalisateur.
Dans ce nouveau montage inédit, le temps révèle tout. "Beaucoup de spectateurs n’avaient pas compris certains aspects du récit" dit Gaspard Noé. Avec les scènes dans le bon ordre, le film présente ici un nouveau visage, et dépeint avec plus de clarté la virtuosité des plans-séquence et l’ironie d’un scénario noir et fulgurant. L’impact n’en est que plus fort.
Irréversible, drame de Gaspard Noé, avec Monica Bellucci, Vincent Cassel et Albert Dupontel, 2002, 2020, 97 mn, Inversion intégrale + version originelle, en DVD et Blu-Ray, avec des bonus https://www.letempsdetruittout.net
La sortie en ce mois de janvier de la bande dessinée de Patrice Ordas et Alain Mounier, L’École buissonnière (éd. Grand Angle) est un événement au goût amer. Le co-auteur Patrice Ordas (Les Griffes de l’Hermine, L’Ambulance 13, La nuit de l'Empereur) est en effet décédé il y a un peu plus d’un an, en décembre 2019. Il s’agit donc pour lui d’une œuvre posthume.
L’école buissonnière est celle que font quatre amis lycéens, en pleine Occupation nazie, suite à une altercation avec un soldat allemand. Pour éviter d’être arrêtés, Jacques, juif, orphelin de père et pupille, François, le fils à papa et Jean, en conflit avec son père, un ancien poilu et pétainiste, prennent la poudre d’escampette avec Coco (Colette), la seule fille du groupe.
En plein hiver 1943, les voilà partis pour la Corrèze, à Ussel. Ils finissent par rejoindre un groupe de résistants : "Un vrai maquis ? Un camp de Terroriste !… De communiste ?! De patriote !" comme s’exclame un des protagonistes.
Une BD à la fois éloquente et édifiante
Jacques, François, Jean et Coco deviennent dorénavant Le Marquis, Victor, Hugo et Monique et prennent les armes malgré leur jeune âge. Pour le meilleur et pour le pire.
Sans être révolutionnaire dans la forme et dans le fond, on doit à Patrice Ordas et Alain Mounier une BD à la fois éloquente et édifiante sur cette histoire de (jeunes) Français ordinaires plongeant dans la guerre et l’héroïsme à la faveur de concours de circonstances. Évoquer cette période noire de l’historie contemporaine avec les yeux d’adolescents et n’est pas la moindre des qualités ici, et on se prend à s’attacher à ces quatre jeunes gens pris dans le tourbillon de la guerre.
Le scénariste Patrice Ordas n’aura pas vu concrétiser cette ouvrage qu’en préface il présente comme un livre de "souvenirs… épars". Il en a fait "une fiction qui respecterait la vérité". Il termine ainsi : "Je veux tirer du néant ceux qui n’ont eu de nom que sur les stèles des fusillés."
Qui a dit que l’électro ne pouvait pas être charmeuse ? La preuve avec AVBE (il faut prononcer "Aube") et son premier EP, Dawn., qui nous propose un son électro-pop ("Ever, Ever More") refusant la facilité et la virtuosité agressive.
AVBE a travaillé deux ans, entre la France et les Etats-Unis, avant de proposer cet album aux multiples inspirations et où le plaisir musical est la seule règle : "Écoutez la musique. Ressentez la. Rigolez et pleurez - mais continuez à danser. Nous sommes tous des fous emplis d’émotions", annonce le musicien.
Il y a de l’urbain dans "Day 0", un premier titre aux rythmes enveloppées de réverbérations étranges, alors que le titre plus pop, "Who I Am", est traversé d’éclairs lumineux et mélancoliques, avec des pointes jazzy.
Pour "Dawn", le morceau qui donne son titre à l’EP, c’est une balade mélancolique que propose AVBE, avec ce son acoustique et folk, mêlé à des teintes électro-jazz. Plus jazzy encore, "Where I Go", en featuring avec Sam H., se veut plus plus lumineux encore et même planant.
Dawn adopte une facture franchement électro avec "Moon", grâce à ses pulsations organiques mais où la pop ne baisse pas les armes, grâce à une vraie recherche musicale. Des sons primitifs s’allient aux machines au service d’un morceau éthéré, s’envolant ailleurs, vers des jours cléments.
La mini-série à succès de Netflix, Le Jeu de la dame, avec Anya Taylor-Joy dans le rôle titre, est d’abord l’histoire d’un destin exceptionnel – et inventé, bien que la carrière d’Elisabeth Harmon se soit inspirée de celle de la hongroise Judit Polgár, Grand maître international aux échecs l’âge de à 15 ans, et largement snobée par ses homologues hommes du fait de son sexe.
Le Jeu de la dame commence dans l’Amérique des années 50. La toute jeune Elisabeth Harmon se retrouve placé en orphelinat suite à une double tragédie : l’abandon de son père et le suicide de sa mère. Dans le milieu austère de cet établissement, la jeune fille rencontre un vieux gardien bourru et découvre avec lui les échecs. Elle prend pour habitude de jouer avec lui des parties en cachette et se dévoile très rapidement comme une joueuse exceptionnelle.
Devenue adolescente et adoptée, elle découvre un nouveau foyer et une mère de substitution. Contre toute attente, elle renoue avec les échecs et commence à faire parler d’elle. Les tournois s’enchaînent, avec en ligne de mire le numéro 1 mondial soviétique Vasily Borgov.
Un destin exceptionnel – et inventé
Le grand intérêt de cette série, hormis l’interprétation de l’excellente Anya Taylor-Joy, est de faire une grande et passionnante série sur les échecs : gambit, défense sicilienne, roques, attaques. Les créateurs ont fait appel à une sérieuse documentation, ainsi qu’au concours du Grand Maître Gary Kasparov qui a élaboré d’authentiques parties pour rendre la série crédible.
Le féminisme est bien entendu l’une des clés de lecture du Jeu de la dame, adaptation du roman de Walter Tevis, The Queen's Gambit. Les showrunners ont situé l’intrigue dans les années 50 et 60, dans une Amérique prospère mais aussi puritaine. En se révélant comme une génie des échecs, la personnage principale découvre à la fois l’indépendance et l’ivresse d’une liberté qu’il faudra qu’elle dompte, d’échecs en échecs, dans un milieu exclusivement masculin. Et paradoxalement, ce sont "les hommes de sa vie" - Monsieur Shaibel, Harry Beltik, Townes ou Benny Watts – qui vont l’aider à s’émanciper.
Une grande, époustouflante et passionnante réussite.
Le Jeu de la dame, mini-série américaine de Scott Frank et Allan Scott, avec Anya Taylor-Joy, Marielle Heller, Thomas Brodie-Sangster, Harry Melling et Bill Camp, saison 1, 7 épisodes, 2020 https://www.netflix.com/fr/title/80234304
En ce mois de janvier, il y a plusieurs raisons de se précipiter sur le numéro de Lire daté de décembre 2020 – janvier 2021.
La première tient au sujet en couverture : une sélection des 100 meilleurs livres parus l’an dernier. Une bonne manière de se faire une piqûre de rappel sur les romans, essais ou BD de 2020, grâce à un choix pléthorique et bien évidemment subjectif.
Citons pêle-mêle les romans Héritage de Miguel Bonnefoy (éd. Rivages), La Vie de Gérard Fulmard de Jean Echenoz (éd. Minuit), le désormais célèbre et réputé L’anomalie d’Hervé Le Tellier (éd. Gallimard, Prix Goncourt 2020). L’occasion est belle pour le magazine littéraire de proposer une interview de Salman Rushdie, qui a sorti son nouvel opus, Quichotte (éd. Actes Sud). Toujours en littérature étrangère, il faut souligner le dernier tome de la saga en 6 volumes de Kark Ove Knausgaard, Fin de Combat (éd. Denoël) et aussi les deux recueils de nouvelles d’Ottesa Moshfegh (Nostalgies d’un autre Monde, éd. Fayard) et Olga Tokarczuk (Histoires bizarroïdes, éd. Noir sur Blanc). Il faut enfin évoquer l’impressionnant essai sur Winston Churchill d’Andrew Roberts (éd. Perrin), sur lequel nous reviendrons dans quelques semaines.
Cependant, ce n’est pas que cette sélection qui mérite d’être relevée, mais un autre dossier, passionnant, consacré à une auteure à la fois mal-aimée et lue dans le monde entier.
Cette femme de lettres, c’est Enid Blyton (1897-1968), dont les chiffres de vente sont impressionnants : 600 millions de livres vendus, des sagas populaires (Le Club des Cinq, Le Clan des Sept ou Oui-Oui).
Version un brin scabreuse de Oui-Oui
C’est une œuvre "protéiforme, chatoyante, puisant à mille sources, de la mythologie aux contes de fée, des histories animalières aux récits d’aventure". Pour les détracteurs, il s’agit aussi d’un "travail simpliste (…) raciste, misogyne, dégoulinant de bons sentiments, sans valeur littéraire." N’en jetez plus.
La vérité, comme souvent, se trouve certainement entre ces deux extrêmes. Alexis Brocas, dans la présentation du dossier, rappelle qu’Enid Blyton est "une femme conformiste née dans une époque qui ne l’était pas moins… Mais aussi femme mystérieuse, agitée par un inconscient prodigieusement fécond." Le pédopsychiatre Patrick Ben Soussan ose, lui, une image ; "Enid Blyton a un petit côté Dr Jekyll et Mr Hyde. On a retrouvé des manuscrits, décalques en version un brin scabreuse de Oui-Oui…"
Pour mieux connaître l’auteure anglaise, le journaliste Fabrice Cotin retrace sa vie, entre une enfance heureuse bercée par des lectures de classiques pour enfant (Alice au Pays des Merveilles, Les Quatre Filles du Docteur March) et des périodes noires (un père qui part vivre avec une autre femme, une mère castratrice qu’elle reniera et la dépression d’un premier mari). La dure et obstinée Enid Blyton trouve rapidement sa voie dans la littérature jeunesse, qu’elle gère en femme d’affaire.
Ce dossier spécial s’intéresse bien entendu aux sagas célébrissimes que sont Le Club des 5 et Le Clan des 7, deux grandes séries d’aventures destinées aux enfants et marqués par leur période, mais aussi Oui-Oui. "L’œuvre de Blyton témoigne (…) d’un intérêt renouvelé pour l’enfant", mais il s’agit aussi d’une enfance rêvée dans les lieux archaïques et facilement identifiables (manoirs, criques, îles désertes, etc.), non sans personnages stéréotypés, pour ne pas dire sexistes, à l’exemple des protagonistes du Club des Cinq. Voilà aussi pourquoi aujourd’hui la femme de lettres suscite tant de levers de boucliers.
Enid Blyton, auteure complexe, méprisée par les institutions mais aussi adorée par les enfants, marqués pendant des années par les aventures de Mick, Claudine ou mademoiselle Chatounette.
Pour cet hommage aux attentats de novembre 2015, Fanelly s'est entourée de Greta Baldo à l'illustration et à l'animation ainsi que de Victor Scorrano pour un dessin animé captivant. On se laisse porter par les arabesques et les spirales où dominent le gris et le jaune, jusqu'à une dernière image sur la Tour Eiffel illuminée, symbole d'une ville endeuillée mais qui ne mourra jamais.
La chanteuse a publié ce clip à l’occasion de l’anniversaire des attentats deCharlie Hebdo.
Une canne, un chapeau melon trop petit, un pantalon trop large, une veste très cintrée, des chaussures de plusieurs tailles plus grandes et une petite moustache pour vieillir Chaplin jugée trop jeune à l’époque où il est engagé pour son premier rôle au cinéma – nous sommes en 1913 et il n’a pas 25 ans : le vagabond est né. Il n’a pas de nom mais en France il s’appellera Charlot. Un personnage né en quelques minutes, "mais il vient de loin en réalité", commente Mathieu Almaric dans l’excellent documentaire de près de 2H30 consacré à Charlie Chaplin.
France 3 proposait ce mercredi en prime-time Charlie Chaplin, le génie de la liberté, l'excellent film d’Yves Jeuland. Puisque France Télévision a la fâcheuse habitude de restreindre ses programmes en replay à 8 jours après leur diffusion en direct, il ne vous reste qu’une semaine pour le découvrir. Autre regret : que les extraits des films ne soient ni doublés ni sous-titrés.
2H30 : c’est à la fois long pour un documentaire et court pour retracer une carrière exceptionnelle commencée très tôt, à Londres, puisque le jeune Charles Spencer Chaplin, né en 1889, a brûlé les planches dès son plus jeune âge. Une vraie enfance à la Dickens : un père alcoolique les ayant abandonné, une mère courage enfermée épisodiquement dans un asile après une carrière de comédienne pantomime. Cette dernière, nous apprend le documentaire, élevait ses enfants de telle manière qu’ils agissent comme des aristocrates distingués, ce qui sera l'une des caractéristiques de Charlot. C’est à sa mère et à son enfance anglaise que Chaplin doit de nombreuses inspirations, et en premier lieu son fameux personnage, vagabond apatride, digne et humain, qui est aussi un hommage à un clochard londonien élégant qu’il imitait enfant pour faire rire sa mère.
Voilà qui rappelle aussi The Kid (1921), son premier long-métrage, qui est aussi le plus personnel. C’est d’ailleurs de ce film que traite en ouverture le documentaire d’Yves Jeuland : le Charlot gagman génial et parfois féroce se transforme grâce à ce film en chevalier désargenté et généreux, recueillant un gamin qui avait son âge lorsque sa mère fut internée et qu’il dut se débrouiller seul.
Pas tout à fait seul, cependant. Son frère Spencer lui permet, malgré son jeune âge, de rejoindre une troupe de spectacles, celle de Fred Karno. Il y fait se ses premières armes, se fait remarquer par son génie comique et conçoit des postures qui lui vont lui servir des années plus tard, à l’instar des virages à cloche-pied et à angle droit, une des habitudes de Charlot. Il rencontre aussi un certain Arthur Stanley Jeffersson, sa doublure et qui deviendra plus tard Stan Laurel.
Une tournée aux États-Unis lui permet d’être remarqué puis recruté en 1913 pour jouer dans un de ces innombrables films dans lequel apparaît le personnage de Charlot.
Au bout de deux ans, Chaplin devient "l’homme le plus célèbre au monde". Le documentaire parle de 12 millions de spectateurs par jour. "La folie Chaplin" se mesure en nombre de livres, de BD, de chansons, de dessins animés, de produits dérivés mais aussi de (mauvais) plagiats – y compris féminins ! – et de (pathétiques) imitations. Et pourtant, il n’a que 27 ans et n’a tourné aucun long-métrage.
La perfection guide son travail de comédie, menée à l’excellence. Tout est chronométré dans les gags et ses histoires rappellent son passé fait de privations, de violences, de faim et d’humiliations. L’Émigrant, est-il dit, est son film préféré de l’époque.
"L’homme le plus célèbre au monde"
Après la création en 1919 de la compagnie United Artists avec Mary Pickford – "la petite fiancée de l’Amérique" –, Douglas Fairbanks (son véritable ami) et D. W. Griffith, Chaplin se lance sans ses grands longs-métrages : La ruée vers l’or (1925), Le cirque (1928), un de ses grands chefs d’œuvre et Les Lumières de la ville. Ce film de 1931 sort alors que le cinéma parlant commence à tout écraser. En plein crépuscule du muet, Chaplin créé un film toujours muet, avec une ouverture sonore mais sans parole (1931), avec la scène finale sans doute la plus bouleversante de l’histoire du cinéma. C’est un de ses grands triomphes, qui finit de lui apporter la gloire. En contrepoint à ce succès, le documentaire ne passe pas sous silence des histoires de mœurs dans l’Amérique puritaine : une liaison avec Lita Grey, mineure à l’époque, et qui se conclue par un mariage arrangé.
Après un voyage en Europe et en Asie digne d’un chef d’État, il s’attaque à un autre de ses grands films : Les Temps modernes, tourné et sorti en pleine Dépression (1936). Il a engagé, comme partenaire aux côtés de Charlot, Paulette Goddard avec qui il s’est marié en toute intimité. Pour la première fois, la voix de Charlot se fait entendre, mais en musique uniquement, et dans une langue inventée – un nouveau pied de nez à l’industrie du cinéma parlant, auquel le réalisateur n'adhèrera jamais complètement.
Suivra Le Dictateur (1940), une comédie engagée, enragée et irrésistible contre Adolf Hitler. Les deux hommes sont nés la même année, le même mois, la même semaine, rappelle le documentaire. Chaplin faisait remarquer que le dictateur allemand a adopté la même petite moustache de Charlot : "Charlie joue deux rôles : le requin et le petit poisson… Le dictateur et le coiffeur, mais surtout Hitler et Chaplin. Pastiche et postiche . Un duel au sommet entre les deux personnages les plus connus du monde. L’homme qui fait rire face à l’homme qui fait peur." Chaplin a écrit ceci à propos de ce nouveau chef-d’œuvre : "Le dictateur est mon premier film dans lequel l’historie est plus grande que mon petit vagabond". Le premier film antinazi de l’histoire du cinéma, un triomphe public et un événement majeur, est paradoxalement le chant du cygne d’un artiste au sujet duquel les critiques américaines ne sont pas tendres : antimilitariste, Chaplin est jugé comme "sentimentaliste", "déplacé" et même "marxiste" !
La dernière partie du documentaire traite de la partie la plus sombre de celui qui figure parmi les 5 plus grands cinéastes de l’histoire.
Le FBI le place sous écoute en raison de ses sympathies communistes. L’affaire Barry, du nom de Joan Barry une jeune actrice qui le fait chanter après une aventure malheureuse, jette en pâture un Charlie Chaplin écœuré. Son film suivant, la comédie meurtrière Monsieur Verdoux (1947) - cette fois sans Charlot – n’a plus l’éclat des films précédents.
Une tournée européenne en 1952 pour la promotion de son long-métrage Les Feux de la rampe l’éloigne pour le bon des États-Unis. Son visa américain ayant été révoqué, Chaplin décide de ne plus y revenir.
Il termine les 25 dernières années de sa vie en Suisse, continuant de travailler sans relâche sur sa musique, sur ses mémoires mais aussi sur ses derniers films, Un roi à New York (1954) et La Comtesse de Hong-Kong (1967).
Le film se termine sur le dernier hommage que lui a finalement rendu l’Amérique à la faveur d’une récompense aux Oscars en 1972, 5 ans seulement avant son décès. A 83 ans, on lui accorde un visa de 10 jours, le temps de son voyage aux États-Unis : "C’est bien. Ils ont encore peur de moi" commente, sarcastique, Charlie Chaplin. Le soir où l’oscar lui est remis, l’enthousiasme de la salle le bouleverse. Dans le public, il y a Jackie Coogan, l’acteur qui jouait le gamin du Kid, le petit vagabond auquel il s'est tellement identifié.
