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Au moment de chroniquer la série à succès coréenne Squid Game, devenue un véritable phénomène de société, débarrassons-nous tout de suite de ce qui a créé la polémique, spécialement en France. Les autorités, et pour commencer le ministre de l’Éducation nationale, ont pointé du doigt la violence de la série, qui s’est immiscée sur les cours de récréation. Squid Game est devenu un jeu malsain parfois pratiqué par des enfants – à qui la série est d’ailleurs vivement déconseillée, à commencer par Netflix qui la propose sur sa plateforme. Les mises en garde ne sont bien entendu pas pour rien dans le succès planétaire de cette création venue de Corée du Sud qui met au cœur d’un jeu sanglant d’anodins jeux pour enfants. Disons-le enfin : Squid Game est à interdire formellement aux moins de 16 ans et est, une fois cette mise en garde faire, une excellente série.
Fermons la parenthèse et parlons maintenant de la série. Seong Gi-hun vit désœuvré chez sa vieille mère après un divorce compliqué. Son seul bonheur est sa fille, dont il s’occupe avec plus ou moins d’attention, mais qui devrait bientôt s’envoler avec sa mère et son nouveau compagnon à des milliers de kilomètres de chez lui. Professionnellement, cela ne va pas mieux pour le quadra désœuvré. Petits boulots, jeux d’argent, dettes, menaces de petits malfrats : Seong Gi-hun voit son avenir bouché. Le salut finit pourtant par venir au détour d’une station de métro : un inconnu lui propose de gagner beaucoup d’argent grâce à un jeu. Seong Gi-hun appelle un mystérieux numéro de téléphone et se voit embarquer avec 500 autres personnes dans une compétition de survie. Il dévient un simple numéro – 456 – et croise d’autres compagnons de jeu, dont un ami d’enfance, un vieil homme, une mystérieuse femme nord-coréenne et un immigré. Bientôt le petit groupe fait équipe pour survivre.
Les mêmes ficelles que Dix petits Nègres, puissance 10
Malins, les créateurs de Squid Game ont imaginé un jeu de massacre impitoyable et sadique laissant le spectateur pantois et à cran, car la série nous propose qu’au bout du compte, tel Koh Lanta, "il n’en restera qu’un" (ou qu’une) !
La critique anticapitaliste a ressurgi dans les critiques sur cette création télé pas comme les autres. Bien qu’elle peut être discutée, il n’en reste pas moins vrai que ce qui ressort de Squid Game est l’esthétique pop : couleurs acidulées, cadrages méticuleux qui ont leur importance scénaristique, omniprésence de formes géométriques – symboles, portes, agencements des salles – ou costumes des prisonniers et de leurs gardiens. À ce sujet, une intrigue secondaire s’enclenche, à la faveur de l’irruption d’un policier à la recherche de son frère.
L’esthétique pop est d’autant plus troublante qu’elle s’appuie sur un univers concentrationnaire et dictatorial, maquillé par des règles de jeu simples (le "un, deux, trois, soleil", un jeu de billes ou un tir à la corde cruel), des directives énoncées par une voix suave et des accessoires sadiques (des cercueils enveloppés de cadeaux d’emballage).
Il reste le scénario utilisant les mêmes ficelles que Dix petits Nègres (Ils étaient Dix), puissance 10 : qui survivra dans ce jeu de massacre ? Il faut aller jusqu’au bout de la série pour découvrir toute l’essence du récit. Un récit, encore une fois à interdire formellement aux enfants !
Squid Game, série coréenne de Hwang Dong-hyeok, avec Lee Jung-jae, Park Hae-soo, Wi Ha-joon et Jung Ho-yeon, 2021, saison 1, 2021, Netflix https://www.netflix.com/fr/title/81040344
Amoureux de la culture nippone, le Festival Japan Touch est fait pour vous. Il se déroulera à Lyon les 27 et 28 novembre prochain.
Au total, le festival propose plus de 30 000 m² dédiés à la culture asiatique, avec cette année un espace géant dédié aux arts martiaux : tatamis géants, musée des arts martiaux, aire de sumos, reconstitution d'un dojo et de deux campements féodaux japonais et coréen avec tir à l’arc, tambours, calligraphie et sabre.
Le Salon de l'Asie est, lui, dédié à la culture birmane et au continent asiatique, avec des expositions, des rencontres et des animations.
Il faut aussi absolument citer, pour la tête comme pour les estomacs, le salon Asian Kitchen, inauguré en 2019, autour des cuisines d'Asie. Avec une vingtaine de restaurants, des ateliers, des démonstrations et plus de 1 600 places assises. Les organisateurs le présentent comme "le plus grand food court asiatique de France".
Pour cet événement qui ravira les passionnés du Japon et de l’Asie, les animations et activité jouent la carte de la variété, de la découverte des traditions mais aussi de la culture pop. Il y a ce défilé de kimonos aux couleurs de Lilibetz. Plus étonnant, le premier Kpop Dance Battle est organisé : 8 groupes - ou solo - s’affronteront en face à face. Ambiance et musiques k-pop garanties !
Le public pourra découvrir l’art du spectacle de kamishibaï, le Kamishibaï étant un théâtre dessiné, ancêtre du manga. Cet événement est animé par Philippe Robert, passeur passionné qui souhaite renouveler cet art ancestral.
Des conférences, tables rondes et ateliers viendront compléter cette découverte du japon, y compris par des chemins détournés, voire osés
Autre tradition, le yosakoi, la danse traditionnelle japonaise créée dans les années 1950, fait l’objet d’un spectacle, avec notamment la troupe Komainu pour des démonstrations et des initiations durant tout le week-end.
Le salon sur deux jours proposera bien évidemment deux autres exhibitions : l’une consacrée au cosplay ("Show Cosplay") et l’autre au sumo.
Outre du catch féminin et un espace de 500 m² consacré aux jeux vidéos, des expositions seront au cœur de ces deux jours : "L’arbre à Tanzaku", une exposition "Samouraïs et Kimonos" de l’artiste peintre Mary Hedonis, une présentation de bonsaïs grâce au spécialiste français Bruno Heller, maître dans l’art du bonsaï. Il faut aussi cité une exposition "Japonais de France", sans oublier les sculptures de Jérôme Gantelet ("Samouraï et méduse").
Des conférences, tables rondes et ateliers viendront compléter cette découverte du japon, y compris par des chemins détournés, voire osés. Parmi ces ateliers, citons pour commencer celui du shibari, l'art du bondage japonais : du sexe, du raffinement et de l’esthétisme pour un voyage émotionnel – interdit aux moins de 18 ans. Parmi les autres ateliers, il y a le shiatsu, une thérapie manuelle, énergétique et holistique, le kokedama, un art floral créé dans les années 90 au Japon, les créations de maquettes et de papercraft mais aussi l’espace Just Dance, proposé par l’association AA Prod.
Ces deux jours à Lyon promettent d’être deux jours d’immersion au japon et en Asie. Voilà qui confirme, s’il en était besoin, que la France noue avec le japon une relation forte où se mêlent l’admiration, la passion et la fascination.
Festival Japan Touch & Salon de l’Asie, Lyon, Eurexpo Boulevard de l’Europe, 69680 Lyon Chassieu Le samedi 27 novembre de 10H à 19H et le dimanche 28 novembre de 10H à 18H www.japan-touch.com www.salondelasie.com
La chanteuse est de retour, cette fois en featuring avec Marius, pour son nouveau single, "Anonymes". Da sa voix cristalline, Caryn Trinca et Marius se font les porte-paroles de prisonniers oubliés, en Chine : le thème est suffisamment rare pour ne pas parler de ce single, porté avec conviction et talent.
"Anonymes" a été écrite par Caryn Trinca, composée et arrangée par Sébastien Debard. Elle illustre un duo particulièrement émouvant entre une mère et son fils et rendant hommage aux Ouïghours, un peuple opprimé en Chine. Sur ce fond d’actualité, Le titre raconte l’histoire fictive de deux anonymes dont les destins vont être liés malgré eux.
"Je Veux Naître" et "Anonymes", les deux singles déjà disponibles de Caryn Trinca, annoncent un album prévu en 2022, et réalisé par Sébastien Debard. Tout au long de l'album, les orchestrations extrêmement lyriques sont mises au service de la mélodie et de la voix aérienne de la chanteuse.
Cette année marque le retour de la 5e édition (la crise sanitaire est passée par là) d’un événement qui met à l’honneur, et de manière sexy, la littérature.
Ce salon a été pensé comme un lieu de rencontres avec des auteurs tout autant qu’un univers qui incite le participant à s’impliquer et à devenir lui-même acteur de l’événement par des défis d’écriture érotique (chaque auteur possède sa propre contrainte), des happenings, des animations, des conférences-débats et des cadeaux à gagner.
Cette année, le salon peut se targuer d’avoir pour invitée vedette Maïa Mazaurette. La chroniqueuse chez Quotidien (TMC), France Inter et au Monde a fait de la sexualité son sujet de prédilection dans tous ses écrits. Elle est considérée aujourd’hui comme la journaliste sexo n°1 en France.
Le salon peut se targuer d’avoir pour invitée vedette Maïa Mazaurette
Parmi les autres invitées de marque, mentionnons aussi Dora Moutot, créatrice du compte @tasjoui (500k abonnés), et pionnière des comptes sexo sur Instagram. Son livre Mâle-baisées s’est très vite hissé en tête des ventes françaises. Bebe Melkor-Kadior est une performeuse et afro-féministe qui a signé avec Balance ton corps un manifeste pro-sexe qui est très vite devenu une référence pour toutes celles qui tiennent à user de leur corps comme elles l’entendent.
Vous l’aurez deviné, ce sont les femmes qui sont les voix puissantes de l’érotisme aujourd’hui, ce que Flore Cherry confirme en interview. Parmi les autres artistes, mentionnons aussi Ivo Da Silva, Valérie Hervo, Rita Perse, Julie-Anne de Sée, Soisic Belin, Chloé Saffy, Zoé Vintimille, Eva Delambre, La rockeuse Julia Palombe, Sonia Saint-Germain, Vera Mar ou Manon (@lecul_nu).
Le public pourra assister à des conférences et des débats autour des conseils pour écrire des livres érotiques (Emmanuel Jay de l’Atelier Eros, Eva Delambre ou Anne Hautecoeur et Sophie Rongiéras, éditrices à La Musardine), réfléchir sur l’aspect politique et social de l’érotisme (Bebe Melkor Kadior, Dora Moutot, Lucile Bellan, Julia Palombe) ou encore faire le plein de sextoys avec Quentin Bentz du spécialiste Lelo.
Rendez-vous est pris donc pour aller faire un tour au salon littéraire le plus sexy du monde.
Une question se pose d’emblée à la découverte de cette intégrale "Jean Vigo" proposée par Gaumont : mais comment a-t-on pu oublier ce réalisateur français dont le long-métrage L’Atalante est considéré comme l’un des meilleurs films français de tous les temps, voire l’un des vingt meilleurs films tout court. Que Gaumont propose un coffret complet sur ce cinéaste n’est donc que justice.
Mort à l’âge de 29 ans, Jean Vigo, fils d’un anarchiste espagnol immigré en France, laissa certes une œuvre peu abondante : outre L'Atalante, deux documentaires, À propos de Nice (1930, 22 mn) et La natation par Jean Tauris, champion de France (1931, 10 mn), le moyen-métrage Zéro de Conduite (1933) que la censure française interdira de sortie jusqu’en 1946. Le spectateur ou la spectatrice de 2021 restera dubitative en apprenant la réception de cette histoire d’enfants en révolte contre des adultes aussi autoritaires que ridicules. Film faussement insouciant et naïf, Zéro de Conduite est en réalité un brûlot contre le pouvoir et un hymne à la liberté qui se terminera sur les toits de la pension après une une fête officielle de l’école se terminant dans un joyeux bordel.
On restera ahuri par l’audace visuelle, à l’exemple de cette Niçoise, habillée, rhabillée et déshabillée
L’Atalante, l’année suivante, concrétise le talent de Jean Vigo, mais il est aussi son chant du cygne. En effet, de santé fragile, le réalisateur est atteint de tuberculose et termine de tourner son unique long-métrage alors qu’il est gravement malade. L’Atalante est une péniche où embarque Juliette après son mariage avec Jean, le capitaine du bateau. Parmi l’équipage, il y a Jules, le second, un Parisien gouailleur et haut en couleur, un poète au grand cœur aussi, sorte d’ange-gardien qui va bouleverser la vie de la jeune femme. Il faut voir L'Atalante comme une suite de scènes alliant expressionnisme et réalisme populaire, avec toujours un sens du cadrage incroyable, des mouvements de caméra subtils, des trouvailles visuelles et les interprétations inoubliables de Michel Simon et de Dita Parlo. L’unique long-métrage de Jean Vigo est aussi le témoignage d’un Paris disparu, celui des quais de Seine, des bals populaires et des bistrots bon marché où pullulaient des titis parisiens interlopes.
Les deux autres films de Jean Vigo sont des documentaires. À propos de Nice (1930, 22 mn), sur une musique de Stephen Horne Franck Bockius et Marc Perrone, est moins didactique qu’artistique. Jean Vigo nous fait revivre la ville méditerranéenne et surtout ses habitants et anonymes : estivants, pêcheurs, joueurs de tennis, enfants. Il surprend par son découpage rythmé et ses plans travaillés : contre-plongées, très gros plans et clins d’œil. On restera ahuri par l’audace visuelle, à l’exemple de cette Niçoise, habillée, rhabillée et déshabillée. L’autre court-métrage, La natation par Jean Tauris (1931, 10 mn) est une leçon de natation par le plus grand nageur français de sa génération. Le film est illustré par une voix-off didactique et froide. En contrepoint, Jean Vigo choisit des images hallucinantes de féeries, avec un nageur évoluant tel un poisson dans l’eau.
Le coffret Gaumont propose enfin un grand nombre de bonus : des actualités Gaumont de 1934-1936, des versions restaurées ou originales, le témoignage de Martin Scorcese lui-même qui insiste sur l’importance historique du cinéaste français et des documentaires en hommage à l’auteur de Zéro de Conduite et de L'Atalante. Une découverte bienvenue donc.
Coffret Jean Vigo, Intégrale, Zéro de Conduite, L’Atalante, À propos de Nice, La natation par Jean Tauris, inédits, bonus et suppléments, restauration en 4K, Gaumont, 2018 https://www.gaumont.fr/fr/auteur/Jean-Vigo.html
Après avoir parlé du singulier conte Ève et l’Ange de Thomas Pourchayre, nous avons voulu en savoir plus sur l’auteur. Il a accepté de répondre à nos questions.
Bla Bla Blog – Bonjour, Thomas Pourchayre. Vous sortez aux éditions Abstractions un nouveau livre, Ève et l’Ange. Peut-on dire qu’il s’agit d’un ouvrage hybride ?
Thomas Pourchayre – Ah... ! "Récit / nouvelle" ou "poème" ? Je crois qu'il a une unité, ce texte. Il est très homogène dans sa forme, même si elle est effectivement spéciale. Mon roman en cours, par différence, est fait de fragments de différentes natures : on peut dire qu'il est hybride. Mais Ève et l’Ange, à mes yeux, devrait être vu comme relevant d'un genre à part, rare mais pas inédit. Il est peut-être plus proche du conte, même si son style est singulier pour un conte. Bref, renonçons aux classifications !
BBB – Pourquoi ne pas avoir choisi la voix du roman et vous être mis en danger dans ce conte moderne ?
TP – Parce que chaque œuvre prend sa forme, et celle-ci a vraiment pris joyeusement celle-là. Cela faisait quelques temps que je faisais des haïkus d'humour noir avec un ange pour personnage. Cette histoire est un haïku qui a eu envie de respirer un peu plus longtemps que les autres (rires)... sans aller tout de même jusqu'au roman. Eve et l'Ange est un peu une nouvelle ; ce qui caractérise la nouvelle, c'est la chute, et la chute de l'Ange, cela fait sens. Tout cela est si cohérent (rires).
BBB – Ève et l’Ange commence de manière prosaïque avec le départ d’une jeune femme – Eve – du domicile de son père – que l’on ne nomme pas mais que l’on identifie bien. C’est une lecture finalement très patriarcale de la Genèse. Est-ce ainsi que vous l’avez toujours considérée – patriarcale ?
TP – J'ai une distance certaine avec la religion et j'espère aussi avec le patriarcat... par contre je suis plutôt joueur. Je prends des éléments, je les "échappe" de leur cadre comme je les éloigne des références du lecteur. La dose d'ironie n'en est que plus grande. Tout cela est à prendre hors du champ religieux, vraiment, et en même temps je reconnais avec jubilation le caractère ambivalent de mes choix : cela renforce le pied de nez ! La scène initiale installe les choses. Tout cela est très actualisable hors des tableaux classiques de la religion ou du patriarcat, il me semble : un parent veut le meilleur pour sa progéniture, espère un petit ange qui volette au-dessus de son chemin, espère lui apprendre tout le nécessaire en espérant ainsi influencer positivement sa vie, ou au moins son début... Mais en réalité on ne maîtrise pas grand-chose de ce qui arrive et toute tentative de contrôle amène tôt ou tard à une échappée. Là, la jeune femme s'échappe dès le démarrage, et finalement très en douceur.
BBB – Il y a cette Eve, une figure féminine incroyable d’aplomb, très libre aussi. Bien différente finalement de l’Eve de la Genèse. Comment l’avez-vous imaginée ?
TP – Les deux personnages se sont façonnés ensemble dans le dialogue. Par jeu, envie, tentation, mais par rejet aussi, car chacun a une certaine idée préconçue de ce qu'il lui faut... C'est effectivement très différent de l'Eve de la Genèse, née de la côte d'Adam ! Ici ils sont l'un pour l'autre comme la poule et l’œuf !
BBB – Vous prenez au mot l’expression "sexe des anges". D’où vous est venue l’idée de faire intervenir un ange dans votre récit ? Que représente-t-il ?
TP – Il y a un double point de départ. D'une part le sujet de la gravité, on y reviendra plus loin... Mais on conçoit assez simplement que l'ange est un personnage idéal pour la défier, cette gravité, quoiqu'elle représente ! L'autre point de départ ce sont mes jeux d'écriture, mes haïkus d'humour noir qui me venaient depuis un certain temps.
"Cette histoire est un haïku qui a eu envie de respirer un peu plus longtemps que les autres"
BBB – Vous pratiquez l’art du télescopage dans votre manière de conter votre historie : textes sacrés, scènes réalistes, surréalisme également. On vous imagine nourri à beaucoup d’influences. Lesquelles ?
TP – Je digère beaucoup de choses, et j'en oublie beaucoup... Mais je suis persuadé qu'il en reste toujours une trace au fond de moi, sans que je puisse la décrire ! Je suis très loin des textes sacrés à titre personnel, je n'ai qu'un lien avec la religion. Il n'est pas anodin, même s'il est très distancié. C'est l'architecture. J'ai toujours été fasciné par les constructions religieuses, notamment de la période romane. Dans une église romane je me sens spirituellement libre (c'est beaucoup moins vrai dans les périodes ultérieures). Et puis si vous commencez à regarder les détails architecturaux, les motifs... vous découvrez surtout de l'humain. Telle ou telle figure, chimère ici ou là, mettent en scène un réel très prosaïque à côté de représentations qui relèvent parfois du surréalisme avant l'heure. Au-delà, je vais dire que je me nourris beaucoup, avec autant de tendresse que d'énervement, du quotidien. Et évidemment, je révère Boris Vian et Beckett. Je ne sais pas ce qui rejaillit le plus ici.
BBB – Le sous titre de votre livre est "La gravité négociable". Quelle est cette négociation dont vous parlez ?
TP – Ah ! Je suis très heureux que vous me questionniez là-dessus. Je resterai un peu elliptique pour pas être rasoir et moraliste. Montesquieu disait que "la gravité est le bonheur des imbéciles". La gravité est une des composantes les plus agaçantes du grand théâtre de l'époque, et de toutes les époques. Sans oublier notre petit théâtre intérieur. On est si grave avec soi-même, parfois... La gravité est quelque chose de factice, c'est une posture pour mimer l'émotion, le respect, la hauteur, l'importance, le pouvoir. Une façon de négocier avec les mirages... pardon pour le jeu de mots, mais je ne le crois pas illégitime ici. Là, je suis passé de sujet de la gravité tout court au sujet de la gravité terrestre, puis de la gravité terrestre à l'attraction des corps... On paraît s'éloigner du sujet initial mais la métaphore en garde quelque chose, il me semble. L'ange est la figure idéale pour démontrer à quel point la gravité est un artifice, voyez : même un ange prend plaisir à tomber, mais aussi à remonter. C'est sa façon de négocier. Sans mirage. Cherchons l'élévation autant que la chute. Ce sujet de la gravité, je m'en aperçois, est assez présent, chez moi. Mon premier recueil*, sur un tout autre sujet, partait d'une posture assez grave en regard du monde saturé dans lequel nous vivons... pour tout désosser.
BBB – Pouvez-vous nous dire comment vous travaillez avec votre éditeur mais aussi avec l’illustrateur, Jean-Christophe Stauder, qui a conçu la couverture de l’ouvrage ?
TP – J'ai connu Quentin (mon éditeur) dans le cadre d'un projet qui lui tient à cœur, de longue date maintenant : un recueil collectif pour commémorer les événements de Stonewall aux US, emblématiques des luttes de la communauté LGBT. J'y ai participé. Finalement il a décidé de se lancer aussi dans l'aventure de la création d'une maison d'édition, d'y publier cette anthologie, et en parallèle il a fait l'erreur de me demander des manuscrits (je l'entends rire d'ici en lisant ces lignes). Jean-Christophe c'est tout différent. Il m'a contacté dans le cadre d'un projet que je mène avec des amis... la création d'une maison d'éditions un peu particulière**. Il avait été séduit par le projet, se proposait comme illustrateur si toutefois nous avions l'intention d'y avoir recours. Quand Quentin m'a dit « banco » pour Eve et l'Ange, il m'a demandé de réfléchir à la couverture... et je n'ai pas réfléchi longtemps : j'avais vu le travail à l'encre de Jean-Christophe, et c'était une évidence absolue. Je l'ai contacté, lui ai fait lire mon texte... Il a dit « banco » aussi. Jean-Christophe m'a fait beaucoup de propositions très séduisantes mais celle qui a atterri finalement en couverture présentait un parfait équilibre et un écho très précis au moment de la rencontre d'Eve et de l'Ange, au début de l'histoire.
BBB – Quels sont prochains projets après ce livre ?
TP – Je suis très chanceux et occupé. Il y aura dans quelques semaines, toujours aux éditions Abstractions, un recueil de poésie assez consistant. Il s'appelle Du Chaos et de la bonne Digestion des Choses. Il traite, pour faire court, de l’ego et du passage à l'acte. Je finis un roman, aussi, en prenant mon temps... Et j'ai par ailleurs quelques pistes d'écriture, dont une avec l'artiste Juliette Choné. Sinon, comme je l'indiquais j'amorce une vie d'éditeur associatif et furtif. Les éditions du Facteur Galop publieront leurs trois premiers livres à semer en cette fin d'année, et l'intention est de relancer la machine assez vite ensuite pour publier une seconde série de publications. Pour finir, je me suis lancé avec une amie, Julie Renauld, dans un podcast littéraire*** ; j'ai été un peu le cobaye, on a enregistré les premiers épisodes autour de textes à moi. Ça a permis de se caler, de trouver le ton. On commence maintenant à s'ouvrir à d'autres auteurs (Florentine Rey et bientôt Estelle Dumortier). Mais ça va, j'ai encore un peu de temps pour dormir...
Illustration : Jean-Christophe Stauder, La Beauté sort du chaos, créée pour Ève et l’Ange ou la gravité négociable, encre du Japon et lavis. 15 cm x 20 cm. 2021
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A l'occasion de la Journée internationale des droits de l'enfant, Bla Bla Blog a choisi de faire de nouveau un focus sur Nathalie Cougny et sur le combat qu’elle mène contre les maltraitances, via l’association Les maltraitances, moi j'en parle !
En ce mois de novembre, trois vidéos animées ont été réalisées afin de sensibiliser les enfants et le grand public aux différentes formes de maltraitance infantile.
"La Violence éducative ordinaire est une violence physique et/ou verbale qualifiée d’ "éducative" parce qu’elle fait partie intégrante de l’éducation. Elle est dite "ordinaire" parce qu’elle est souvent quotidienne, considérée comme "normale", rappelle l'asociation.
28 972 agressions sexuelles ont été constatées en 2019 par les forces de l’ordre (80 % de filles et 20 % de garçons), dont 11 156 viols, soit 30 par jour. Toujours selon les chiffres de l’ONPE (Observatoire National de la Protection de l’Enfance), un enfant sur deux meurt chaque jour en France.
Les maltraitances, moi j’en parle !, association loi 1901, nationale et reconnue d'intérêt général, a pour principale action d’intervenir dans les établissements scolaires afin de sensibiliser les enfants aux différentes formes de maltraitances, leur fournir les moyens de se protéger et de pouvoir en parler plus librement.
Les vidéos animées s'adressent aux enfants afin de savoir ce que sont les violences pour pouvoir en parler et s'en protéger
Trois vidéos ont été mises en ligne.
La première est sur les violences sexuelles. D'après le dernier rapport de l'Observatoire National de la Protection de l'Enfance de septembre 2020, les violences sexuelles ont encore augmenté de plus de 14%.
La deuxième est sur les violences physiques. Il faut savoir que le nombre d’enregistrements de violences physiques a progressé plus rapidement dans le cadre intrafamilial en 2019 (chiffres de l’ONPE).
La troisième est sur les violences éducatives ordinaires. Un enfant sur deux est frappé avant l’âge de 2 ans et les trois quarts avant l’âge de 5 ans et 85 % des enfants subissent quotidiennement cette violence éducative ordinaire.
Ces films ont été réalisés par Sébastien Llorach-Anton grâce à une campagne de dons. Les vidéos animées s'adressent aux enfants afin de savoir ce que sont les violences pour pouvoir en parler et s'en protéger, ainsi qu'aux adultes, parents, afin de changer les comportements.
Sur cette cause, c’est sans doute Nathalie Cougny elle-même qui en parle le mieux. Engagée depuis plus de 12 ans pour la lutte contre les violences, Nathalie Cougny, écrivain et artiste peintre, crée l'association le 7 septembre 2020 : "Sensibiliser les enfants aux maltraitances, les informer, leur donner les moyens de réagir et d’en parler, leur dire leurs droits, est fondamental dans cette société où la maltraitance infantile ne cesse d’augmenter. Plus nous serons avec eux, pour eux, plus nous lèverons le voile des maltraitances, que chacun ne pourra plus ignorer. Notre force, c’est notre engagement commun à faire en sorte que cette violence envers des êtres fragiles et en pleine construction diminue de façon conséquente".
Cette phrase cinglante est lancée par Jean Rohou, le co-auteur de Fils de Ploucs (éd. Ouest-France). Clara Vialletelle est au dessin pour l’adaptation en BD de ce témoignage sur une Bretagne aujourd’hui disparue.
Sans nostalgie ni misérabilisme, Jean Rohou raconte les premières années de sa vie. Né en 1934 à Plougourvest dans le Finistère, non loin de Landivisiau, l’enfant d’ouvriers agricoles est au coeur des traditions et des us et coutumes de son pays isolé. Comment vivait-on dans cette campagne bretonne ? Quel était le poids des traditions ? Quels étaient les lieux de vie ? Que mangeait-on ? Comment s’habillait-on ? Comment se passaient le travail, les loisirs et les grands événements comme les mariages ou les fêtes locales ?
Jean Rohou raconte ses souvenirs et ses réflexions en les mêlant à des portraits de personnes, proches ou non, croisés dans ses jeunes années. Parmi ces figures centrales, figure en bonne place la mère de Jean, Anastasie "Dynamique, agile, intelligente". Ce pilier de la cellule familiale va prendre une place considérable au début de la seconde guerre mondiale. Le destin de cet homme, devenu universitaire et écrivain, est riche de récits éloquents, telle que la mort d’un grand-père pendant la Grande Guerre.
Un pari osé pour cette jeune illustratrice de 26 ans. 60 années la séparent de Jean Rohou
Fils de Ploucs avait fait l’objet d’un récit en trois tomes, parus entre 2005 et 2016. Le roman graphique de Clara Vialletelle devrait être le premier volume d’une saga passionnante sur un Breton au cœur du XXe siècle. Évidemment, un tel projet littéraire n’est pas sans évoquer l’œuvre de Pierre-Jakez Hélias, Le Cheval d’Orgueil. Jean Rohou se montre singulièrement sévère à son sujet : "C’est un conteur : le travail des conteurs est de raconter des histoires ! Mais celui-là prétend décrire la réalité."
Pour illustrer Fils de Ploucs, c’est Clara Vialletelle qui s’est frottée au jeu. Un pari osé pour cette jeune illustratrice de 26 ans. 60 années la séparent de Jean Rohou. C’est dire que le projet littéraire et graphique est aussi une histoire de passage de mémoires : "L’histoire occupe une grande place. C’est même un personnage principal, puisque l’intérêt est de nous montrer comment on vivait à cette époque, comment on travaillait dans le milieu rural", dit-elle. Suite à ce constat, la dessinatrice, connue pour une première BD prometteuse parue en 2018 (C'est décidé, je pars en Inde), s'est appuyée sur les rares images d'archives et a fait appel à la mémoire de Jean Rohou. "Dans un souci de véracité", elle a finalement choisi de réduire sa palette, habituellement très colorée, pour ne conserver que quelques tons qui mettent en lumière l'aspect austère et pourtant bien réel de cette enfance en Bretagne dans les années 1930.
C’est passionnant, instructif, émouvant. À découvrir absolument, en attendant la suite du récit de Jean Rohou.
