En poursuivant votre navigation sur ce site, vous acceptez l'utilisation de cookies. Ces derniers assurent le bon fonctionnement de nos services. En savoir plus.
Sur un très beau clip réalisé par Sébastien Vion, le groupe Akyal propose son dernier titre, "Les étoiles". Un morceau en "spoken world" comme ils le disent. Bon, usons d’un vocable plus clair : il s’agit de chanson française, tout simplement.
Après "Clap de fin", Akyal a choisi la simplicité – voix, clavier et guitare – pour parler d’une rupture consommée, charriant sa part de souvenirs, de regrets mais aussi de tendresse : "Résumons notre vie à l’essentiel / On s’est aimés dans l’éclat du soleil".
Akyal a choisi de parler de la fin d’une relation amoureuse sans pathos ni douleur : "Loin de moi l’idée / De faire semblant / Loin de moi l’idée / Je t’aime tant".
"Les étoiles" est disponible sur Spotify, Deezer ainsi que l'ensemble des plateformes musicales.
Le plus beau coup que pouvait faire Christopher Nolan au spectateur de Tenet est de le contraindre à rembobiner et revoir les aventures du protagoniste. Car visionner plusieurs fois ce long-métrage mémorable s’avère plus que nécessaire pour comprendre – un peu – les secrets de ce film mêlant espionnage et science-fiction et jouant essentiellement sur des retours-arrières temporels.
L’histoire peut se résumer de manière la plus classique qui soit : le personnage principal (qui se nommera plus tard lui-même "le protagoniste"), joué par un impeccable John David Washington, est un agent secret. Lorsque le film commence, il est engagé dans une mission dangereuse lors d’une prise d’otage dans un opéra qui se termine dans la confusion et avec la mort de l’agent, torturé sans en avoir révélé des informations sur sa présence et sur son but. Une mort qui n’en est pas vraiment une puisque le protagoniste se réveille sain et sauf sur un bateau. Il apprend qu’il est recruté pour une nouvelle opération dont le code, qui est aussi le nom d’une organisation secrète, est "Tenet".
Ce palindrome, au cœur de milliers de commentaires autour de ce film, cache un danger universel : une guerre mondiale infiniment dangereuse, provoquée ni par des armes nucléaires ni par des États terroristes mais par une technologie venue du futur capable d’inverser l’entropie. Pour faire simple, l’entropie est la qualité physique d’un objet d’aller dans un sens ou dans un autre. Le protagoniste a d’ailleurs pu voir une balle "inversée" manquer de le tuer lors de sa précédente opération. Pour dire les choses autrement, il semble que l’avenir ait déclaré la guerre à notre présent en raison d’une arme physique capable d’annihiler son passé et donc notre présent.
Le spectateur aura besoin de quelques clés pour naviguer dans un film qui promet de rester dans les annales du cinéma
Vous me suivez toujours ?
Le protagoniste se lance sur la trace d’objets "inversés" que le futur a envoyé à notre époque grâce à des sortes de tourniquets – et que le spectateur pourra voir à l’œuvre. Un homme a la clé de cette mission : Sator. Véritable génie du mal, c’est lui qui manipule cette arme d’un genre nouveau grâce à sa maîtrise du temps. Son seul point faible est sa femme Kat (Elizabeth Debicki), approchée par le protagoniste, allié avec le mystérieux Neil – un Robert Pattinson vraiment au sommet. Elle et son jeune fils Max sont entre les griffes du mafieux russe qui tient entre ses mains pas moins que l’existence de l’humanité.
Lors de la sortie de Tenet, Christopher Nolan – qui est aussi l’auteur du scénario travaillé pendant des années – a prévenu les futurs spectateurs qu’il fallait "ressentir" plutôt que de "comprendre" une histoire mettant en scène des agents secrets sans peur et sans reproche, un méchant absolu joué avec un plaisir manifeste par Kenneth Branagh, une arme fatale, des innocents empêtrés dans des intrigues insolvables et, the last but not the least, des personnages allant dans un sens ou dans l’autre, lorsqu’ils ne passent pas d’un présent à un autre.
Il faut objecter au réalisateur que le spectateur aura besoin de quelques clés pour naviguer dans un film qui promet de rester dans les annales du cinéma. Rembobiner le film – et pas qu’une fois ! – peut s’avérer nécessaire pour savourer des indices parsemées ici ou là : les deux voix de chemin de fer entre lesquelles le protagoniste est torturé, la boucle rouge du sac à dos, un signe des mains, les références au carré Sator ou bien la présence de Neil, en complice obstiné.
Pour ce long-métrage malin, intelligent et de très haute volée (Ludwig Göransson signe en plus une bande originale qui semble elle aussi se jouer du sens de la lecture), Christopher Nolan met le cerveau du spectateur à contribution, à telle enseigne que des théories, parfois très bien vues, se multiplient sur Internet. Je vous en ai trouvé ici et là ou encore là.
Alors, je vous donne un ultime conseil : regardez, concentrez-vous, savourez, puis rembobinez.
Ne vous fiez pas à la facture pop d’Immersion, le premier EP de J. Frey. La voix, la puissance et la sensibilité du chanteur peut facilement le caractériser comme un bluesman à suivre absolument. Immersion est un mini-album mixant des sons urbains et une rythmique navigant entre pop-rock, urbain, reggae et blues, donc ("Tender Love"). Voilà qui dénote une belle audace et une forte personnalité de la part d’un artiste généreux.
Le musicien français va sur des terres mystérieuses, avec un mélange d’aplomb et de fraîcheur. Sans renier ses influences, il utilise l’électro à bon escient, à l’instar de "Sunrise", avec ces vagues lumineuses, apaisantes et mystiques. Oui, J. Frey sait être mystique dans cette manière de concevoir l’amour, omniprésent dans son séduisant opus.
Immersion se révèle tour à tour pop-folk ("She’s Gone", avec ses percussions reproduisant les battements de cœur), eighties ("We Don’t Have The Time") ou carrément rock à l’instar de "Get Up", un titre brut presque animal en forme d’appel au combat à la Bob Marley.
"Immersion", le titre éponyme, vient clore cet EP joliment produit. Ce premier opus se veut une promesse, tant le travail de J. Frey s’impose à chaque mesure. Rendez-vous est donc pris pour l’avenir.
S’il est un art qui a été bouleversé ces dernières années, c’est bien celui de la photographie : révolution numérique, outils de CAO et PAO, appareils-photo supplantés par les téléphones, sans compter l’omniprésence de l’Internet comme diffuseur. Une photographe, Audrey Borgel, a choisi de prendre cet art à contre-pied grâce au choix du Polaroid.
À la fin des années 70, la société américaine éponyme révolutionne le monde de la photo grâce à son procédé de développement instantané. Audrey Borgel a choisi le Polaroid et ces clichés de 7,9 x 7,9 cm, en noir et blanc ou en couleur, des petits formats et en analogiques, qu'elle encadre parfois ("Amalgam") : voilà qui donne à ces séries d'œuvres un caractère intimiste, pour ne pas dire unique.
Unique car avec le développement instantané, la photographe abandonne les réflexes de la retouche d’image, de l’utilisation du bon filtre ou du rognage numérique au profit du juste réglage à l’instant T, du cadrage précis et du clic au bon moment. Le polaroid ne triche pas, semble vouloir nous dire Audrey Borgel dans sa série estivale "Sweetness". L’artiste y propose des natures mortes qui sont des captations de scènes intérieures autant que des jeux d’ombres et de lumières.
Small is beautiful
Le format réduit de ces petits carrés en papier glacé peuvent-ils s’adapter aux scènes extérieures ? Oui, répond la photographe avec ses séries naturalistes "Story(s) of a moment" et surtout "Il était une fois des arbres". Pour cette dernière série, à chaque cliché correspond un arbre, en couleur ou en noir et blanc. Audrey Borgel montre la solitude ou la fragilité de ces êtres vivants grâce aux grains de ses clichés et aux effets de lumière : "Chaque espèce ou famille a une forme et une structure de branche particulières, l'arbre pousse vers la lumière et s'il ne le peut pas, il contournera toujours dans le seul but de s'épanouir".
Dans son travail sur les petites tailles, la photographe va même jusqu’à proposer une série de clichés regroupant 12 vignettes de paysages ("Resumption"), comme si le format réduit – et répété – était ce qui se mariait le mieux avec des vues de la nature. Nous pourrions dire que l'artiste met en application la fameuse expression "small is beautiful".
Dans les formats carrés de ses Polas, Audrey Borgel s'intéresse aux effets d’ombres et de lumières ("Story(s) of a moment"), au grain qui vieillit les clichés et au petit format. Il y a de l’onirisme dans ces photographies comme venus d’une autre époque mais que l’artiste parvient à rendre actuels et même "fun" grâce à des ajouts de couleurs ("Color Frames").
Même si l'artiste a exploré d'autres techniques (cartes anciennes, mini-albums, portraits chinés dans des brocantes), le Polaroid est bien au cœur de son travail, un travail qu’elle a présenté en 2020 à l’Expolaroid de la Gallery Art.C à Paris ou à Barcelone à l’EXP.20 (International Festival on Experimental Photography Barcelona).
Alors que le numérique impose son paradigme dans le domaine de la photo, il n’est pas inutile de rappeler que quelques artistes font toujours de l’analogique – et ici du Polaroid – des terrains d’expérimentation infinis.
Un Éléphant dans une Chaussette de Roberto Garcia Saez (éd. Atramenta) est la première partie d’un roman aux multiples enjeux et se déroulant dans plusieurs parties du monde. Le second volume déjà paru se nomme Dee Dee Paradize.
Tout part d’un scandale autour du protagoniste principal, Patrick Roméro, un aventurier de l’humanitaire, à la fois globe-trotteur, homme d’affaire et véritable ponte international naviguant comme un poisson dans l’eau dans les hautes sphères du pouvoir.
Après un début de carrière dans plusieurs ONG, Patrick Roméro obtient un poste de directeur de programme médical de l’ONU en République Démocratique du Congo, pays exsangue et frappé par une guerre aux millions de morts. Nous sommes en 2000. Le fonctionnaire doit se charger de financer et faire venir pour une population désœuvrée des tonnes de traitements contre le sida, la tuberculose et le paludisme.
La mission du fantasque humanitaire est aussi délicate qu’ambitieuse : c’est comme faire entrer un éléphant dans une chaussette, comme il le fait remarquer à son amie Carlota. Dans un souci d’efficacité (plusieurs millions de dollars sont quand même en jeu), le fringant directeur décide de prendre quelques libertés avec les "process" adoptés par l’ONU.
Roberto Garcia Saez nous fait entrer dans les arcanes de l’humanitaire mondial et ce n’est pas joli, joli
Paul Harrisson, Un policier anglais chargé de lutter contre la corruption, vient à s’intéresser à ce programme du PNUD (Programme des Nations Unies pour le Développement) au Congo : le scandale éclate et menace de tout balayer sur son passage. Patrick Roméro est bien entendu le premier protagoniste dans la ligne de mire de l'enquêteur.
Avec ce roman mené tambour battant, Roberto Garcia Saez nous fait entrer dans les arcanes de l’humanitaire mondial et ce n’est pas joli, joli : omniprésence de l'argent, coups bas, fonctionnaires cyniques et ambitieux, politiciens et diplomates carriéristes. L’auteur sait de quoi il parle : il a alterné des postes de fonctionnaire à l’ONU et d'expert indépendant en Afrique, en Asie, à New York et à Genève avant de diriger aujourd'hui une société de conseils stratégiques. Voilà qui donne à ce livre un parfum de réalisme et de vérité. L'auteur excelle aussi dans le portrait de ses personnages, à commencer par celui, haut en couleur, de Patrick Roméro.
La suite de ce roman est à découvrir dans le second volume, Dee Dee Paradize, sorti également cette année. Je vous en parlerai bientôt.
Sophie Le Cam propose en ce moment une nouvelle versionréalisée par Antoine Sahler – qui est, donc, un garçon. Leclip est absolument à découvrir.
"Les garçons les garçons les garçons" est un chant malicieux et amoureux pour les mecs "chelous", "cosmiques" mais aussi "tendres" et "drôles". En un mot : irrésistibles ("Et de jeunes à vieilles / Les filles veulent leur tête pareil / Posée sur l'épaule / Risquant que le khôl / Déteigne").
Les garçons de France, de Navarre et d’ailleurs remercieront Sophie Le Cam pour cet hommage que l’artiste commente sous forme d’un souvenir d’enfance : "J'avais un amoureux en CM2, il s'appelait Laurent Petit. Il avait dit à Isabelle Valus qu'il l'aimait à 46 % et moi à 100 %".
Revisite, hommage ou pastiche ? Le lecteur choisira lui-même le terme le mieux qualifié pour le roman de Martine Ruzé-Moëns, Sherlock Holmes contre Arsène Lupin : La Revanche (éditions du Net). Il faut dire que l’auteure connaît son sujet : elle est membre de la Société Sherlock Holmes de France depuis 1995. Avec Martine Ruzé-Moëns, il y a peu de risque de voir le célèbre détective anglais trahi. Au passage, elle a choisi de mettre en scène un autre personnage de la mythologie littéraire et policière : Arsène Lupin, redevenu à la mode depuis quelques mois grâce à une certaine série Netflix.
Raconter une enquête du flegmatique enquêteur londonien aux prises le gentleman cambrioleur français renvoie évidemment au recueil de Maurice Leblanc, Arsène Lupin contre Herlock Sholmès, sorti en 1908. A l'époque, des raisons juridiques avaient contraint l’auteur français à transformer le nom du héros de Conan Doyle. Martine Ruzé-Moëns n’a pas eu le même problème et elle a pu, elle, utiliser les deux personnages, tombés dans le domaine public.
L’affaire qu’elle conte se passe un peu plus de 12 ans après leur dernière confrontation. Sherlock Holmes reçoit à Lyon un télégramme venu de Normandie. Une affaire étrange lui est proposée : à Etretat, cité chère à Arsène Lupin, un énième cambriolage a lieu dans la propriété de Maurice Leblanc en personne. L’auteur pourrait bien être Arsène Lupin, la créature de l’écrivain. Intrigué, Sherlock Holmes accepte de sortir de sa retraite, le temps d’une enquête. Un tableau volé, et a priori sans valeur, attire très vite son attention.
Un voyage sur les terres du gentleman cambrioleur
En allant sur les pas de Sherlock Holmes, à l’intuition toujours intacte, Martine Ruzé-Moëns entreprend également un voyage sur les terres du gentleman cambrioleur. En réalité, Arsène Lupin, n’apparaît qu’épisodiquement, tel un fantôme insaisissable mais dont beaucoup d’indices renvoient à lui : Maurice Leblanc, l’Aiguille Creuse, la Normandie ou le souvenir de confrontations passées... avec Herlock Sholmès.
Roman début XXe siècle et documenté, cette nouvelle aventure de Sherlock Holmes se lit sans déplaisir, comme un vieux policier sorti d’une malle oubliée. Si pastiche il y a, le moins que l’on puisse dire c’est que l’auteure respecte l’ADN des romans de Conan Doyle : une intrigue retorse, un héros perspicace, un ennemi à sa hauteur et des personnages secondaires nous plongeant dans la Normandie des années 20. Mais l’auteure y ajoute autre chose : très vite l’enquête policière devient une vraie aventure tintinesque, nous plongeant dans une affaire bien plus compliquée qu’il n’y paraît, dont les origines pourraient se situer en Afrique du Sud.
Tout en revisitant les romans de Doyle et de Leblanc, Martine Ruzé-Moëns apporte un esprit très moderne lorsqu’elle joue à parsemer son récit de références et d’autoréférences volontairement absurdes, à l’instar de ce dialogue : "Mais, professeur, cela est matériellement impossible, Arsène Lupin n’existe pas. C’est un personnage fictif, créé de toutes pièces par Maurice Leblanc."
Alors, revisite, hommage ou pastiche ? C’est au lecteur de se faire une idée. En attendant, ce Sherlock Holmes écrit en 2021 reste un joli moment de lecture.
S’il est un répertoire classique archi-interprété, il est possible que les Nocturnes de Frédéric Chopin (1810-1849) tiennent le haut du pavé. La pianiste Haley Miles en propose une version intimiste et passionnante. Avec son projet musical "Chopin Nocturne Project", la pianiste installée à Lyon a choisi d’enregistrer un nocturne différente chaque vendredi de février à juin 2021. L’album – son deuxième – a suivi presque naturellement, après un enregistrement record en trois jours.
Pour ce nouvel opus, la musicienne a pris chaque nocturne comme un univers à part entière sans se démonter. Cela donne un album intimiste comme si vous vous installiez au salon chez la pianiste – en compagnie bien entendu du compositeur polonais.
L’écriture de ces "musiques pour la nuit" (c’est le sens du mot "nocturne") s'est étalée tout au long de la vie du compositeur romantique : de 1830-1831 pour les opus 9 (Nocturnes 1 à 3), de 1831 à 1833 pour les opus 15 (Nocturnes 4 à 6), 1835 pour les opus 27 (Nocturnes 7 à 9), de 1835 à 1837 pour les deux opus 32 (Nocturnes 9 et 10), 1840 pour les opus 37 (Nocturnes 11 et 12), 1847 pour l’opus 48 (Nocturne 13 et 14), 1844 pour l’opus 55 (Nocturnes 15 et 16) et 1846 pour les Nocturnes opus 62 (Nocturnes 17 et 18). À cela s’ajoutent trois nocturnes posthumes : les opus 72 (en réalité le premier que Chopin ait composé en 1827) et les n°20 et 21. Voilà pour le tableau général de ces pièces qui constituent une œuvre cohérente tout au long de la vie de Chopin.
Donner à chaque note toute sa quintessence
Il n’est pas exagéré de dire que le répertoire romantique est à plus d’un égard piégeux. Haley Myles évite la mièvrerie en choisissant de prendre son temps afin de donner à chaque note toute sa quintessence, à l’instar des Nocturnes n°9 ou n°11. Il faut aussi voir comment la pianiste avance à pas feutrés dans le Nocturne n° 2. On prend le même plaisir à redécouvrir le Nocturne n°3, aux accents romantiques et à l’ornementation complexe, pour ne pas dire singulièrement moderne. N’oublions pas non plus ce monument qu’est le douzième Nocturne. Là où le n°6 était d’une sombre mélancolie, le septième Nocturne est carrément funèbre, comme une marche de deuil que la pianiste interprète avec justesse, avant une singulière danse prenant à contre-pied l’auditeur.
Grâce à son sens de la retenue, sans fioriture (Nocturne n°5 et 19), la pianiste joue avec une douceur proverbiale (Nocturne n° 15). Elle prend son temps dans le Nocturne n°8, délicate et à la construction tout en arabesque et en harmonie. Chaque note est détachée avec soin, ce qui permet de redécouvrir l’une de ses meilleures pièces.
Haley Myles fait le choix de la douceur et de la lenteur donc, à l’instar de ce Nocturne n° 14, serein, romantique et même romanesque, comme après une nuit paisible après l’amour. La pianiste sait aussi se faire voyageuse et exotique dans le dix-septième (Op. 62 n° 1) qu’elle propose dans une version interprétée comme une promenade paisible. Pour le Nocturne n°18, l’instrumentiste s’attarde plus encore, avec une dose de mélancolie supplémentaire. Ce fut le tout dernier nocturne que Chopin composa de son vivant, bien que trois autres furent publiés à titre posthume.
Outre cet autre tube qu’est le n° 20, Haley Myles propose le passionnant Nocturne n° 19, une œuvre de jeunesse écrite en 1827 qu’elle interprète avec délicatesse, mais non sans des vagues passionnées et puissantes.
On est bien sûr impatient de découvrir à quel compositeur Haley Myles s’attaquera pour ses prochains projets musicaux. Nul doute que Chopin ne sera pas oublié par cette pianiste qui a choisi l’ambition et l’audace pour cette intégrale mémorable des Nocturnes de Chopin.
