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Une valse en 2020. Voilà un projet qui vaut bien que l’on s’y arrête quelques minutes.
James Z, en featuring avec Rovski, sort son nouveau clip, un dessin animé (par Mylide), Valse urbaine. Sur un rythme à trois temps mais un phrasé rap, James Z déroule un titre attachant, romanesque et amoureux : "Je veux juste tout te donner / Donner me fait sentir mieux que recevoir / Je veux tout et donner / Mais tellement."
Ce titre est le premier extrait de son EP Reunion, qui sortira en janvier 2021. Une vraie valse urbaine, d’aujourd’hui : "[Un] ballet et [une] romance terrienne / amour à la petite semaine."
"Aimer c’est rendre la réalité plus belle", proclame Jamez Z : validé !
Comparer les films Les Misérables, sorti il y a un an, et La Haine, dont nous fêtons cette année le 25e anniversaire a tout son intérêt, et mérite que l’on s’arrête sur ses deux films aux multiples points communs, mais aussi aux choix narratifs et visuels parfois différents, sinon opposés.
Deux long-métrages salués par la critique, multi-primés (Prix du Jury au Festival de Cannes, César du meilleur film et représentant de la France aux Oscars pour Les Misérables et Prix de la mise en scène au Festival de Cannes, César du meilleur film et Prix Lumières pour La Haine), sans compter un large succès public et l’impression qu’ils marquent leur époque – même si, pour le film de Ladj Ly, il faudra attendre quelques années avant de l’affirmer de manière catégorique.
La première ressemblance de taille de ces longs-métrages français réside évidemment dans la thématique et le décor : la banlieue parisienne et ses délaissés sociaux, qui se trouvent être des jeunes gens. Nous serions tentés de préciser qu’à chaque fois il s’agit de garçons et de jeunes hommes, les filles étant réduites le plus souvent à des seconds rôles, voire de la figuration, si l’on excepte toutefois la scène d’interpellation des jeunes filles à l’arrêt de bus dans Les Misérables ou à la scène de drague dans une galerie d’art dans La Haine.
Ajoutons aussi que le mimétisme entre les deux films concerne aussi bien le minutage (5 mn seulement de différence) que le traitement des personnages puisqu’à chaque fois c’est un trio que nous suivons – masculin, répétons-le : Damien/Bento-Chris-Gwada (Damien Bonnard, Alexis Manenti et Djebril Zonga) pour Les Misérables et Vinz-Saïd-Hubert pour La Haine (au passage, les scénaristes ont choisi les prénoms des acteurs : Vincent Cassel, Hubert Koundé et Saïd Taghmaoui).
Le mimétisme entre les deux films concerne aussi bien le minutage que le traitement des personnages
Pour ces deux films que 25 ans séparent, la ligne narrative est simple : une journée a priori ordinaire au cours de laquelle trois personnages principaux traînent leur mal-être dans une cité populaire ravagée par la pauvreté, la saleté, les petites magouilles et le désœuvrement de ses habitants. Ici, nous avons trois ados allant d’un barbecue au sommet d’un immeuble à une excursion dans les beaux quartiers parisiens (La Haine) ; là, trois policiers font leur travail de ronde dans une ambiance lourde et vite explosive (Les Misérables). Le mimétisme entre ces deux films – n’en déplaise à Ladji Li – va jusqu’à la présence impromptue, voire surréaliste, de deux animaux : dans le film de 2019, un lionceau volé est le déclencheur d’une intrigue prête à exploser, alors que Mathieu Kassovitz fait de l’apparition d’une vache au milieu des tours un rare moment poétique, mais qui n’aura qu’une importance relative dans le scénario.
"Une journée dans la vie de trois banlieusards", semblent nous dire les réalisateurs, sans toutefois que Ladji Li ne choisisse d’élargir son sujet sur une société fracturée, en évoquant la communion de tout un peuple lors de la coupe du monde de football de 2018 et la victoire de l’équipe de France. Ironique, car la parenthèse se referme bien vite pour plonger dans le drame de banlieues oubliées.
Même s’il a nuancé ses propos, Mathieu Kassovitz a présenté lors de sa sortie en 1995 La Haine comme un film coup de poing "anti-flic." Ladji Li se montre singulièrement plus nuancé, alors qu’à l’époque de la sortie du film les violences policières étaient au cœur de l’actualité. En suivant non pas des jeunes de banlieue mais des policiers, le réalisateur prend le parti de la nuance, ce qui n’exclue pas la sévérité. La violence est omniprésente et n’est surtout pas dans le seul camp des policiers – Bento faisant même preuve d’une civilité frôlant la naïveté. Mathieu Kassovitz n’a pas non plus fait le choix du manichéisme, en dépit de sa charge contre les abus policiers (lors par exemple de la scène de la garde à vue) : les dernières minutes du film font de La Haine cet impitoyable brûlot renvoyant dos à dos policiers violents et adolescents desociabilisés et devenus haineux.
Esthétiquement, c’est là que les deux films divergent le plus, ce qui n’a pas empêché les réalisateurs d’obtenir chacun un prix de la mise en scène à Cannes. Pour Les Misérables, Ladji Li adopte un parti-pris naturaliste et hyperréaliste. L’utilisation de scènes filmées par drones a toute sa pertinence, puisque c’est un de ces appareils qui va être l’un des moteurs du drame. Mathieu Kassovitz choisit par contre une réalisation des plus classiques dans La Haine, tranchant radicalement avec une thématique très actuelle et le décor hyper contemporain : noir et blanc somptueux, cadrages travaillés, travellings lents, scènes larges et mouvements de caméra choisis avec soin.
Deux films, deux époques, deux esthétiques mais un seul discours alarmiste sur la réalité des banlieues. Alors, oui, il n’y a pas dans La Haine ces éléments plus contemporains qui sont apparus depuis dans les banlieues (téléphones mobiles, réseaux sociaux omniprésents ou barbus islamistes), mais le discours de ces deux grands films disent finalement la même chose de ces zones abandonnées.
Aubusson et Miyazaki : voir ces deux termes accolés peut laisser dubitatif. Une petite ville de Province et un génie du dessin animé et du cinéma. C’est pourtant bien dans cette sous-préfecture de de la Creuse, capitale de la tapisserie et dont le savoir-faire a été classé au Patrimoine Culturel Immatériel de l’humanité par l’UNESCO en 2009, qu’aura lieu une des rencontres artistiques les plus passionnantes.
La Cité internationale de la tapisserie a en effet signé une convention avec le Studio Ghibli Inc. pour la réalisation d’une série de tapisseries d’Aubusson monumentales extraites de grands films signés du maître de l’animation japonaise, Hayao Miyazaki. Cette nouvelle tenture-événement réalisée entre 2020 et 2023 est destinée à rejoindre les collections de la Cité.
Rappelons au passage qu’un ensemble de tapisseries sur le même sujet est appelé une tenture. Ces tissages, souvent de 6 à 8 pièces, peuvent compter jusqu’à plus de 12 ou 14 tapisseries assorties. Ce n’est pas une première pour le musée de la tapisserie qui s’était lancé en 2017 dans un projet incroyable : une première tenture-événement, "Aubusson tisse Tolkien", composée de 13 tapisseries et un tapis d’après des illustrations originales de J.R.R. Tolkien. Les premières pièces avaient été présentées à la BNF à l’occasion de sa grande exposition consacrée à Tolkien en 2019-2020.
Voir une partie de l’œuvre de Miyazaki tissée à Aubusson peut surprendre et apparaître incongru. Mais c’est oublier que, depuis ses origines au XVe siècle, la tapisserie d’Aubusson s’est intéressée aux grandes tentures narratives, à l’exemple des récits d’Homère d’après Isaac Moillon (XVIIe siècle), de L’Histoire d’Alexandre d’après Charles Le Brun (XVIIIe siècle) ou de l’histoire de Renaud et Armide tiré de La Jérusalem délivrée par Torquato Tasso. Cette tradition s’est perdue au XIXe siècle, avant de revenir en force avec les romans de fantasy de Tolkien puis, à partir de cette année donc, avec les mangas de Miyazaki.
La tradition des tentures narratives s’est perdue au XIXe siècle avant de revenir en force avec les romans de fantasy de Tolkien
La Cité internationale de la tapisserie a choisi avec le Studio Ghibli de reproduire sur tapisserie des images extraites de Princesse Mononoké (1987, "Ashitaka and Yakul in the forest", projet de tapisserie de 5 x 4,60 m), Le Voyage de Chihiro (2001, "Chihiro presented to No Face", projet de tapisserie de 3 x 7,50 m), Le Château ambulant (2004, "The Moving Castle at sunset", projet de tapisserie de 5 x 5 m et "Old Sophie at Howl’s bedside", projet de tapisserie de 3 x 5,60 m) et Nausicaä de la vallée du vent (1994, "(Panoramic view of the Omus", projet de tapisserie de 2 x 10 m).
Les visiteurs peuvent découvrir depuis le 17 octobre un espace de présentation du projet au sein de la plateforme de création contemporaine de la Cité, puisque la réalisation de ces tapisseries monumentales va s’étaler de 2020 à 2023. La Cité d’Aubusson parle de défi à plus d’un titre, car passer d’’une sélection d’images de dessins animés à des tentures de grande taille pouvant illustrer un univers en mouvement nécessite un important savoir-faire. Bruno Ythier, conservateur de la Cité internationale de la tapisserie, a formulé ainsi ce travail de transposition : "Ce n’est pas un simple agrandissement, les lissiers racontent souvent cette anecdote : « Vous partez d’une rose qui est minuscule sur le dessin, si vous l’agrandissez bêtement sans réfléchir, vous vous retrouvez avec un chou. Il faut retravailler l’agrandissement à mesure pour retrouver l’esprit du dessin original. Un ensemble de paramètres techniques doivent être pris en compte. »"
Début 2021, le premier tissage, celui tiré du film Princesse Mononoké, devrait être lancé, avant d’être terminé l’année suivante.
Les œuvres de la tenture seront exposées au fur et à mesure de leur réalisation. Elles seront visibles dans le parcours d’exposition de la Cité. À terme, un espace spécifique leur sera consacré. Les fans de Miyazaki seront sans doute les premiers à venir admirer les résultats finaux.
Cité internationale de la tapisserie – Aubusson (23) Ouverture de septembre à juin, de 9h30-12h et 14h-18h fermé le mardi. Et de juillet et août, de 10h-18h. Tous les jours sauf le mardi: 14h-18h. Fermeture annuelle : mois de janvier. www.cite-tapisserie.fr
J’avais eu l’occasion de vous présenter le premier recueil de nouvelles d’Yves Bernas, Vitax®. Le voici l’de retour pour une nouvelle salve d’histoires aussi hallucinées et hallucinantes, Le Motel Rose et autres nouvelles (éd. Librinova).
On retrouve dans ce nouveau livre ce qui fait le caractère d’un auteur qui mêle absurde et science-fiction, dans des nouvelles où les héros se débattent dans des réalités prêtes à s’effondrer.
Nous parlions de Vitax® : ce produit imaginaire aux capacités biogénétiques dignes d’un savant fou, apparaît brièvement dans "Le motel rose", la nouvelle qui donne le titre au recueil. Roger file le parfait amour avec Miss Barret, une comtesse et veuve d’un puissant fondateur d’une firme biomédicale suisse. Le jour où celle-ci lui demande de l’accompagner à cette clinique pour recevoir un nouveau cœur, son mari plus âgé se trouve entraîné dans une histoire rocambolesque mêlant trafic d’organes, clonage et course à la jeunesse éternelle.
Dès cette première histoire, nous sommes dans l’univers kafkaïen d’Yves Bernas, jamais aussi à l’aise que lorsqu’il s’agit de suivre des personnages sur le fil, entre monde réel et folie. L’auteur se joue du lecteur en entrant dans la tête d’hommes et de femmes sur le point de sombrer, à l’image de "Voilà voilà", du "Visiteur" ou de "La rate", une nouvelle en hommage à Stephen King dans laquelle un employé municipal est chargé de s’occuper d’un canal obstrué.
Univers kafkaïen
Nous sommes avec ce recueil dans des univers dignes de La Quatrième Dimension. Ils permettent à l’écrivain de jouer avec certains codes littéraires, à l’instar du "Double de l’agent", récit d’espionnage et de thriller autant que de science-fiction qui s’interroge aussi sur la paternité et sur le déterminisme familial : "Et Royd cherchait pour la millième fois à percer le secret de la difformité de son esprit. Pauvre Royd, qui essayait de comprendre son destin ! Qu’avait fait son père ?"
Dans "« Jean Waugal »" (les doubles guillemets sont volontaires), cette fois Yves Bernas revisite le pacte faustien, pour une nouvelle dans laquelle deux artistes – l’un talentueux mais las du succès, alors que l’autre, médiocre, recherche une gloire qui ne vient pas – s’accordent pour se partager la paternité d’une œuvre littéraire devenue un piège.
Yves Bernas puise visiblement chez Kafka la sève de ces histoires dans lesquelles folie, mal être et absurde se télescopent pour cerner des personnages paumés ou se cherchant une place dans le monde, à l’instar du récit "Quel temps magnifique !"
Écrivain et réalisateur, Yves Bernas prépare l’adaptation à l’écran du "Motel rose". Une autre adaptation, celle du "Visiteur" (Der Besucher), a été tournée et a même reçu plusieurs prix.
Hoze c’est Carine Erseng, qui a sorti cet été son premier EP éponyme. Pour son entrée en matière, la chanteuse se démarque avec sa pop souriante, joyeuse, pour ne pas dire insouciante, à l’instar du premier morceau de son mini-album, Je danse sur les toits : "Adolescente, / Je m’en foutais déjà / J’embrassais Hugh Grant / Je dansais sur les toits."
Cette déclaration d’amour pour la liberté est à mettre en parallèle avec Hello ola. Ce titre dansant déroule comme un mantra une invitation au Care, à prendre soin des uns des autres : "Il faut qu’on s’aime… Juste un sourire… un bonjour… J’ai toujours eu la solution à nos problèmes. La seule issue : il faut qu’on s’aime."
Hoze chante aussi, avec une fausse légèreté et une vraie sincérité, des préoccupations à la fois graves et quotidiennes. Ainsi, dans Regarde, une canette jetée par terre par un "mec" déclenche une réaction épidermique de la chanteuse : "C’est mal parti !" La chanteuse fait de ce geste tristement banal le point de départ d’un message universel : "Regarde / La preuve en images / De tous nos ravages / Regarde /Juste une seconde avant la fin du monde / Avant qu’on déménage."
Consolation et réconciliation
Bourrée de vie, Hoze ne pouvait pas ne pas aborder sans doute le seul sujet qui vaille : l’amour. L’artiste le revendique plutôt deux fois qu’une dans JTM JTM : "Il arrive sans crier gare / Celui qui me la fait belle ni trop tôt ni trop tard / Où tu es / Ne comptez plus ma pomme / Pour la déprime du samedi / J’ai enfin trouver un homme / Qui me dit / JTM JTM."
L’amour est toujours possible, chante en substance Hoze dans Parle-moi, un titre à la fois de consolation et de réconciliation : "Force est de constater / Que le temps nous est compté / Que toutes ces petites choses futiles / C’est du bonheur inutile… Parle moi moi parle moi / De tout ça de tout ça de tout ça / Tu sais l’amour c’est ça / Y’a des hauts y’a des bas."
Hoze, l’amoureuse, mais aussi la grande amie et la bonne copine, sait donner du sourire, sans renier pour autant son ultra moderne sensibilité, qu’elle chante avec sa french pop énergique dans Au feu les pompiers, l’extrait sans doute le plus réussi de son premier EP : "Au feu les pompiers / Y’a mon cœur qui brûle / Au feu les pompiers / Y a mon cœur brûlé."
Hoze : une passionnante et attachante chanteuse à suivre, et vous l'aimerez, sans aucun doute.
L’Œil du frigo propose de revenir sur un des grands films de 2013, American Bluff, au succès public autant que critique. Cette histoire d'infiltration dans le milieu politique des années 70 est l'occasion pour notre chroniqueur frigoristique de s'intéresser à la choucroute de l'artiste principale.
Un film bluffant de David O. Russell à qui on doit l'excellent Happiness Thérapy. On y croise Christian Bale qui a déjà fait la une de l'Œil du frigo et la magnétique Jennifer Laurence, ici avec une choucroute sur la tête qui évoque l'âge d'or de la fin des années 70. A noter qu'il n'y pas de choucroute dans le frigo : j'aurais trouvé cette mise en abîme plutôt marrante. Il va falloir qu'on invente un nouveau poste dans le cinéma : assistant réalisateur du Frigo. C'est pas un poste à temps complet, mais comme le démontre l'oeil du frigo depuis un certain temps, y a du boulot dans cette niche frigoristique.
Pour une fois, on ne voit pas l'ouverture de la porte du frigo. La conversation bat son plein et on tombe nez à nez avec un frigo, bas, petit et sale. On y voit des pommes, des œufs à coquille blanche, notre fameux ketchup et des restes de salade qui valent à Jennifer une belle remarque sur la tenue du frigo qu'elle devrait nettoyer de temps en temps, au lieu de s'occuper de sa choucroute. C 'est un brin machiste, mais quand même : il faut dire qu'il en y en a vraiment partout. Personnellement, si j'avais été nommé assistant réalisateur du Frigo, j'aurais opté pour un salade frisée, juste pour faire contraste avec ladite choucroute.
Et pour votre information personnelle sachez que les œufs blancs sont pondus par des poules de race Leghorn. Cette poule est originaire d’Italie et comme nous sommes en plein délire mafieux avec l'arrivée prochaine dans le film de Robert de Niro, je dirais qu'un flash forward est utilisé brièvement avec ce frigo pour nous installer de façon inconsciente dans le futur merdier dans lequel va se retrouver Christian Bale, notre escroc en titre qui escroque la mafia sous les ordres du FBI - mais en escroquant aussi le FBI. Bref, un serpent de mer dont seul le frigo en sort indemne... Deux minutes, je reprends mon souffle.
Pour le reste je serais curieux de voir quels dégâts pourrait faire une fouine dans un frigo !
Bon film.
ODF
American Bluff, policier américain de David O. Russell avec Christian Bale, Amy Adams, Bradley Cooper et Jennifer Lawrence 2013, 138 mn
Ce dimanche, M6 diffusera un documentaire exceptionnel réalisé par le multi primé William Karel.
Avec son film Le Monde selon Trump, le cinéaste propose un éclairage intransigeant sur le 45e Président, que les électeurs américains vont réélire ou non, le 3 novembre prochain.
L’homme d’affaire et chef d’état républicain et populiste, candidat à sa propre succession, est lancée dans une course contre son concurrent Joe Biden pour l’emporter sur une élection que tous les observateurs considèrent comme capitale pour le pays… et aussi dangereuse pour la démocratie américaine.
Dans quel état Donald Trump laissera-t-il son pays après quatre années d'un mandat déjà marqué par un nombre incalculable de décisions ubuesques, de scandales et de tweet rageurs ? Le plus imprévisible des dirigeants de l'histoire des États-Unis pourra-t-il être réélu ?
Intransigeant
William Karel retrace quatre années d'une présidence hors-normes qui a laissé l'Amérique profondément divisée. Pour raconter Donald Trump au pouvoir, de l'intérieur, William Karel a interviewé plusieurs de ses anciens proches collaborateurs, comme John Bolton, ex-conseiller à la sécurité nationale, et Anthony Scaramucci, ex-directeur de la communication de la Maison-Blanche, mais aussi des journalistes vedettes qu'il a pris pour cible dans sa croisade contre la presse. Le réalisateur a également rencontré des psychologues et des psychiatres qui ont étudié la personnalité de Trump et aussi les responsables sanitaires, une militante de Black Lives Matter et un pasteur évangélique qui, lui, le soutient sans réserve.
William Karel (Le Monde selon Bush, Opération Lune ou Poison d'avril) propose au final un portrait engagé, implacable et sans concessions sur le plus controversé des présidents américains, à quelques jours d'une élection décisive pour l'avenir des États-Unis.
Coup de projecteur sur C’est Excellent !, l’émission hebdomadaire proposée par Judith Beller sur Sud Radio, chaque dimanche à 19 heures.
Pendant 52 minutes, la journaliste et animatrice donne la parole pendant 52 minutes à des artistes, des créateurs et des personnalités qui ont pris le risque merveilleux de l’excellence.
C’est Excellent ! propose une plongée dans l’intimité des métiers et de ceux qui les incarnent, à travers le regard d’une personnalité médiatique.
Après Olivier Marchal, Mazarine Pingeot, Richard Malka, Caroline Fourest, Bob Sinclar ou Claire Chazal, ce seront l’écrivain,essayiste et philosophe Pascal Bruckner ainsi que la vigneronne Valérie Guérin (Les Mille Vignes) qui seront les invité.e.s de Judth Beller.
