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Andreea Gherghinesco sera de retour du 13 au 27 octobre 2024 à la Galerie Partage de Gien pour une exposition libre.
L’artiste loiretaine, installée à Ouzouer-sur-Trézée, avait marqué les esprits avec ses singuliers chats qu’elle a su rendre plus humains qu’humains. Elle tourne aujourd’hui cette page féline pour d’autres séries, moins oniriques et surréalistes mais tout aussi touchantes.
Pour sa nouvelle exposition, que la peintre a nommée "Where", ce sont vers d’autres univers qu’Andreea Gherghinesco propose d’emmener les spectateurs.
Place à une facture plus réaliste donc, mais avec toujours ce soin donné aux couleurs fauves. Les personnages – humains cette fois – se perdent dans des paysages qui peuvent être aussi inquiétants qu’apaisants. Les scènes de baignades sont un classique dans l’histoire de la peinture. Andreea Gherghinesco a la bonne idée de reprendre le thème de la baignade, avec une singulière mélancolie.
À la Galerie Partage, le spectateur pourra également y trouver des portraits où le réalisme des poses ne dispense pas l’artiste de jouer avec les lumières, les clair-obscurs, les textures ou des ondulations de cheveux. Cela donne des visages – souvent jeunes – saisis avec un mélange de naturel et de naïveté.
L’exposition "Where" d’Andreea Gherghinesco est à voir du 13 au 27 octobre 2024 à la Galerie Partage de Gien. Horaires : le mardi de 14H à 19H, les mercredi, jeudi de 10H à 19H, le vendredi et le week-end de 14H à 19H. Entrée libre et gratuite.
Depuis quelques années, la musique classique revoit de fond en comble son catalogue avec un objectif remarquable : découvrir, redécouvrir et mettre en lumière des compositrices que l’histoire a oubliées. Parmi celles-ci, il y a Rita Strohl (1865-1941). La Boîte à Pépites s’est penchée sur cette musicienne française en proposant de nouveaux enregistrements via une série de coffrets.
Sa musique de chambre fait l’objet d’un deuxième volume (il en comportera trois), avec des interprètes passionnés qui se sont penchés sur une œuvre rare mais d’un très grand intérêt. Il convient de citer les - jeunes - musiciennes et musiciens (car quelques hommes sont aussi de la partie) qui se sont attelés à la tâche de ressusciter une compositrice oubliée. Citons ces interprètes qui se sont lancés dans cette belle aventure : les violonistes Raphaëlle Moreau, Shuichi Okada, Alexandre Pascal, les altistes Léa Hennino, Claudine Legras, les violoncellistes Héloïse Luzzati, Edgar Moreau, Aurélien Pascal, la contrebassiste Lorraine Campet, le clarinettiste Nicolas Baldeyrou, les pianistes Célia Oneto Bensaïd (dont nous avons déjà parlé sur Bla Bla Blog) et Tanguy de Williancourt, avec également le Quatuor Dutilleux pour être complet.
À la lisière du XIXe et du XXe siècle, la carrière de Rita Strohl épouse à la fois le classicisme français, le romantisme finissant (La Grande Fantaisie sur le premier CD) et le modernisme révolutionnaire qui est certes peu présent dans ce deuxième coffret. Une vraie belle découverte que celle de Rita Strahl qui nous fait dire que décidément parler de "sexe d’une œuvre" n’a pas grand sens. Le Moderato de La Grande Fantaisie nous entraîne, sous forme d'une valse, dans les salons français, encore tout imprégnés de classicisme mais aussi d’influences folkloriques qui en font une singulière composition. Rita Strohl n’oublie pas Bach, comme pour remettre l’église au milieu du village.
L’intimité le dispute à la légèreté dans le Septuor en ut mineur de 1890, avant une Romance surfant sur le mystère, l’onirique et la langueur. Cela fait de ce mouvement un joyau à ne surtout pas manquer et digne de figurer comme un des futurs grands tubes de la musique classique – on se plaît à rêver de l’utilisation qu’en ferait un réalisateur pour une BO.
Rita Strohl n’oublie pas Bach, comme pour remettre l’église au milieu du village
Il y a de la légèreté, de la grâce et de l’enfance dans cet autre opus nommé Arlequin et Colombine. Les instruments se répondent avec une harmonie au service d’un discours amoureux (Allegretto quasi andantino) teinté de mélancolie (Andante).
Rita Strohl soigne un univers musical bien à elle passant, dans le Quatuor pour violon, alto, violoncelle et piano (2e CD du coffret), du pathétique au romantique, avec des envolées jeunes et joyeuses (Scherzo), de la virtuosité enthousiasmante et où la patte de Bach ressurgit (Thème et variations – Andante).
L’auditeur sera capté par la texture soyeuse du Deuxième Trio en ré mineur admirablement servi par Raphaëlle Moreau, Edgar Moreau et Tanguy de Williencourt (Andante sostenuto – Allegro). L’auditeur découvrira tout autant le prenant Andante, "très mystérieux" comme l’indique ce deuxième mouvement. Plus romantique que cela, il n’y a pas. C’est un final coloré qui vient conclure ce formidable Trio, une vraie belle et géniale découverte de Rita Strohl.
La violoniste Héloïse Luzzati et la pianiste Célia Oneto Bensaïd apportent un supplément d’âme supplémentaire à ce deuxième CD avec Solitude, une Rêverie pour piano et violoncelle datant de 1897. L’ombre de Gabriel Fauré plane sur cette courte pièce à la puissante mélancolie. On est là au cœur de la musique française de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. La belle prise de son saisit au mieux la rondeur du violoncelle et le jeu tout en contrastes et en densité de Célia Oneto Bensaïd.
C’est singulièrement sur le CD 3 que l’on retrouve le Premier Trio pour piano, violon et violoncelle date de 1894. La compositrice a choisi de nommer les deux premiers mouvements, en plus des indications habituelles. Le premier mouvement, "Les adieux et le départ", est joué allegro. Voilà une scène d’adieu inhabituellement joyeuse. Invitation à se revoir ou bien plaisir de se retrouver seul ? On laissera l’auditeur choisira ce que Rita Strohl souhaitait mettre en musique. Le deuxième mouvement, Adagio cantabile, est intitulé "Prière". Il est vrai que le contraste avec la partie précédente est saisissant. Les notes glissent et montent avec grâce, servies par une mélodie au majestueux classicisme.
Le Quatuor Dutilleux est à la manœuvre pour nous faire découvrir le délicat Quatuor à cordes daté de 1885. Après le très court et grave Allegro ma non troppo, nous voilà partis dans un thème et des variations (Moderato) qui nous séduisent par le choix d’un mouvement passant de la séduisante mélopée aux accents baroques à la joyeuse danse devant des esprits capricieux. Voilà qui fait de ce passage un écart de la compositrice française vers la modernité.
Celia Oneto Bensaïd vient conclure ce très beau coffret consacré à la musique de chambre de Rita Strohl avec la Musiques sur l’eau datant de 1903. L’ombre de Debussy plane sur cet opus en trois mouvements (Jeux de naïades, Barcarolle et Orage). Le jeu de la pianiste française séduit par sa simplicité, sa grâce et ses ondulations pleines de finesses, de naturel… et de naturalisme. Voilà qui permet de clore en beauté une rétrospective passionnante sur une compositrice trop vite oubliée et qui renaît aux oreilles de l'auditeur de 2024, 80 ans après sa mort.
La naissance d’un magazine est toujours un événement et une vraie belle aventure. C’est encore plus vrai pour une revue qui a décidé de s’intéresser à l’imaginaire et à la fantasy, l’un des genres artistiques les plus novateurs de ces cinquante dernières années. Saluons donc l’arrivée de Chimères, un petit nouveau dans le domaine de la presse que les fans de fantasy auront plaisir à découvrir. Le premier numéro de ce trimestriel sort ce mois d’octobre.
Il faut d'abord souligner le soin apporté à ce numéro, à sa mise en page classique mais élégante. Chimères impose déjà sa marque de fabrique : proposer aux fans de l’imaginaire sous toutes ses formes – littérature, BD, jeux-vidéos, séries, cinéma – de quoi se régaler. Sans nul doute, Victor Battaggion et Anne Besson, aux commandes de la revue, entendent bien ne laisser personne de côté.
Parlons, pour commencer, du vaste dossier consacré à The Witcher que le grand public a découvert grâce à la série Netflix. Pour l’occasion, Chimères propose une interview inédite de son créateur, le Polonais Andrzej Sapkowski. La revue décortique plusieurs aspects de la saga : l’histoire de son succès littéraire, le point de vue de la traductrice française Lydia Waleryszak, les déclinaisons des livres en jeu-vidéo, l’examen de l’univers du Sorceleur ou l’importance des héroïnes. De quoi donner envie de se plonger dans cet univers particulièrement riche et envoûtant.
Une rencontre inédite par la papesse de la fantasy, Robin Hood
Dans l’histoire de la fantasy, le jeu de rôle Donjons & Dragons, né au milieu des années 70, a pris une importance considérable, non sans des controverses finalement vite oubliées. Le magazine propose de revenir sur l’histoire de cette aventure.
Chimères s’intéresse ensuite à un phénomène culturel dans le monde littéraire, celui du "dark" – que ce soit la dark romance mais surtout la dark fantasy. Que recouvre-t-elle ? Quel public vise-t-il ? Quelles sont les auteurs – et surtout autrices – remarquables ? Vient enfin la question de son influence sur le (jeune) public et de sa dangerosité. C.S. Pacat, "la nouvelle reine" de la littérature queer, donne son point de vue. Passionnant.
Le lecteur pourra trouver d’intéressants contre-champs. Un sur les Hugo Awards qui ont droit à quelques sérieux coups de canif. Un autre sur Céline. Peu sans doute savent que l’auteur du Voyage au bout de la nuit a également été un auteur… de fantasy. Une vraie découverte.
Outre de nombreuses chroniques, critiques et focus, sans oublier une nouvelle inédite de Léo Henry – dans laquelle on plongera ou non –, on trouvera un dossier consacré à Dragon Ball, d’autant plus essentiel pour cette saga japonaise culte qu'elle fête ses 40 ans et que son créateur, Akira Toriyama, a disparu il y a quelques mois. Toujours en bande dessinée, le magazine de l’imaginaire revient sur les 30 ans, les 27 tomes et les 3 cycles de la saga française Lanfeust. Cette "formidable odyssée" est racontée par les auteurs eux-mêmes, à savoir Christophe Arleston et Didier Tarquin.
Terminons par ces autres interviews inédites proposées par ce premier numéro de Chimères, à savoir Enki Bilal qui a bouleversé comme jamais l’imaginaire dans la BD française, Benjamin Billaud, le youtubeur devenu célèbre grâce à sa chaîne d’Histoire Nota Bene, déclarant son amour pour l’imaginaire et, the last but not the least, une rencontre inédite avec la papesse de la fantasy, Robin Hood.
Dès le premier numéro, Chimères impose son univers et promet déjà de devenir incontournable. Longue vie à ce nouveau magazine donc.
Les samedi 12 et dimanche 13 octobre 2024, l’association montargoise des Cramés de la Bobine proposera un Week-end du cinéma italien à l’Alticiné de Montargis. Un week-end entier autour de nos amis transalpins. Au menu, des conférences, des débats et surtout beaucoup de films, italiens, bien entendu. Jean-Claude Mirabella, universitaire spécialiste du cinéma italien, accompagnera et éclairera le public.
Le samedi, ce festival débutera à 14H avec Rouge comme le ciel, un drame italien de de Cristiano Bortone autour de la passion du cinéma à travers le regard d’un jeune garçon aveugle. Suivra, à 17H, Primadonna, un drame social autour d’une jeune femme sicilienne dans les années 60, devant se battre contre des coutumes patriarcales. Dans la soirée de samedi, sera diffusé Parthénope de Paolo Sorrentino, avec Celeste Dalla dans le rôle titre. La vie de Parthénope de sa naissance dans les années 1950 à nos jours. Une épopée féminine dépourvue d’héroïsme mais éprise de liberté, de Naples, et d’amour.
Le dimanche 13 octobre commencera justement avec une conférence sur Paolo Sorrentino, suivie à 14H30 du long-métrage Gloria ! de Margherita Vicario, avec Galatea Bellugi, Carlotta Gamba et Veronica Lucchesi. Ce film d’époque nous plonge dans le Venise du XVIIIe siècle. Teresa, Teresa, jeune domestique silencieuse et solitaire, fait alors une découverte exceptionnelle : un pianoforte. La Bella Estate, à 17H30, est un drame se situant en 1938, avec une jeune femme, Gina, quittant son village pour trouver un travail en ville. Elle rencontre une fascinante modèle pour artiste. Le Week-end italien se terminera à 20H30 avec Une femme pour Gianni de de Kartik Singh. Le pitch est des plus rafraîchissant : à la fin de sa vie, Rita, une retraitée italienne, s’inquiète pour son fils célibataire Gianni et recrute Daniela pour l’aider à trouver l’amour, un défi qui mobilisera toute leur petite ville.
Rendez-vous donc à Montargis pour ce passionnant Week-end du cinéma italien. Week-end du cinéma italien, Montargis Les Cramés de la Bobine Samedi 12 et dimanche 13 octobre 2024 https://www.cramesdelabobine.org/spip.php?rubrique1467
Les Cramés de la Bobine présentent à l'Alticiné de Montargis le film Dreaming Walls. Il sera visible du 9 au 14 octobre 2024. Soirée débat à l’Alticiné le lundi 14 octobre 2024 à 20h30.
Le Chelsea Hotel, temple de l’art et repère de la contre-culture à New York depuis plus d’un siècle, se transforme en hôtel de luxe. Coincés entre un passé mythique et un futur incertain, ses derniers résidents tentent de se réinventer, malgré le chaos du chantier.
Les Cramés de la Bobine présentent à l'Alticiné de Montargis le film Le Léopard des neiges. Il sera visible du 9 au 15 octobre 2024. Soirée débat à l’Alticiné le mardi 15 octobre 2024 à 20h30.
Dans une province déserte du Tibet, un léopard des neiges s’introduit de nuit dans un enclos et tue neufs moutons. Ivre de sang, il s’y endort et se retrouve prisonnier au matin. Une équipe de télévision arrive sur les lieux alors que le berger, fou de colère, promet de tuer l’animal si l’État refuse de lui accorder une compensation financière. Son frère, un jeune lama qui semble communiquer de manière subliminale avec l’animal, veut le sauver à tout prix, tout comme deux policiers qui tentent de raisonner le berger.
Il y a près de 15 ans, sortait l’incroyable, dense et terrible roman de Jonathan Littell, Les Bienveillantes. Multirécompensé, Prix Goncourt quasi indiscuté, ce récit implacable à la première personne d’un SS racontant ses années de guerre, et en particulier sa participation au génocide juif, à la Shoah par balles et aux chambres à gaz, sur fond de drame antique et de rappels mythologiques (les fameuses Bienveillantes, ces déesses de la justice et de la vengeance, mis en scène il y a plusieurs siècles par Eschyle dans Les Euménides), ce récit terrible donc fait aujourd’hui l’objet d’un opéra composé par Hèctor Parra, sur un livret en allemand de Händl Klaus.
Avec cette commande de l’Opéra Ballet Vlaanderen suggérée par le metteur en scène Calixto Bieito, nous voilà plongés dans une création ambitieuse, baroque et puissante, ne serait-ce que parce qu’elle nous rappelle le pouvoir hypnotique et expressif – pour ne pas dire expressionniste – de la musique contemporaine. La maison de disques b•records propose ici une captation datant de mai 2019 à l’Opéra de Gand. Pourquoi une œuvre lyrique sur Les Bienveillantes et pas une adaptation cinéma ou télé ? Le livret dévoile "le désir impérieux [de Jonathan Littell] de réserver la représentation visuelle des Bienveillantes aux seuls spectacles vivants".
Dès les premières mesures, l’auditeur se trouve entraîné dans les mots du narrateur et personnage principal, Maximilian Aue. La musique volontairement dissonante, les attaques des cordes et le récitatif musclé de Peter Trantsits lancent un opéra à la fois très actuel mais puisant dans des sources musicales classiques ou plus modernes – Bach (les mouvements Toccata, Courante, Sarabande, Gigue), Chostakovitch (la Symphonie "Babi Yar") ou Berg. La dernière partie de la Sarabande ("Ich tat es") est à cet égard éloquente. Dans le livret complet et passionnant, on pourra y trouver de la main du compositeur un plan musical de l’opéra montrant le substrat musical utilisé, de Bach à Zimmermann, en passant par Berg, Bruckner ou Chostakovitch, justement.
C’est du reste Alban Berg qui vient le premier en tête dès l’écoute des premières notes. Rugueux et saisissant comme le roman, l’opéra d’Hèctor Parra prend aux tripes par sa dimension universelle : "Frères humains, laissez-moi vous raconter comment c’était", débute ainsi l’œuvre en allemand (le roman a été écrit en français, la langue qu’utilise couramment le personnage après la guerre). Des ombres terrifiantes planent au-dessus de cette histoire, à l’exemple du chœur de l’Allemande I & II, "Ein Leichengebirge", puissante et quasi insoutenable évocation des exécutions par balles lors de la première phase de la Shoah dans l’Est de l’Europe.
Opéra exigeant, impitoyable mais aussi aux multiples influences intellectuelles et artistiques
Mais Les Bienveillantes c’est aussi le récit personnel de Maximilian Aue où l’inceste et le crime prennent une place importante (Courante). Nous entrons là au cœur des Bienveillantes, avec ces références à la tragédie grecque, à Oreste, à Électre, aux Érinyes et aux Bienveillantes (Euménides).
Les influences musicales et littéraires d’Hèctor Parra sont nombreuses, comme le souligne le riche livret. Il fallait un certain sang-froid pour mettre en musique et sur scène un récit aussi sombre s’étalant sur environ mille pages. Pour ce faire, le compositeur s’est nourri de sources parfois anciennes : la Passion selon s. Jean de Bach dans la structure – l’auditeur pourra penser au début de la Courante, avec le viol d’une femme pendue. On avait parlé de Berg (Wozzeck, Lulu). Le compositeur s’est aussi inspiré de chansons populaires allemandes, voire des comptines pour enfants. Le Crépuscule des Dieux de Wagner apparaît également au début de la Gigue.
L’opéra exigeant, impitoyable mais aussi aux multiples influences intellectuelles et artistiques est exactement à l’image du personnage principal, un nazi cultivé et féru de Rameau ou Bach. Voilà qui en fait un homme complexe, "polyvalent" pour reprendre un terme du livret. Il faut toute la souplesse en même temps que la puissance du ténor Peter Tantsits pour incarner ce "frère humain" aux tourments intérieurs bien présents en raison et surtout en dépit des atrocités indicibles qu’il commet au nom d’une idéologie absurde. Une interprétation incroyable et d’une exigence absolue.
En parcourant l’Europe en guerre, des fosses de Baby Yar à Berlin, en passant par Stalingrad et Auschwitz, Benjamin Littell, puis Hèctor Parra avec son adaptation lyrique, font des Bienveillantes une cruelle et tragique fable sur l’humanité et l’inhumanité. Les souvenirs d’enfance, les traumatismes, les frustrations et finalement la mort – celle de la mère et du beau-père de Maximilian – apparaissent comme de singuliers contrepoints tragiques mais qui viennent d’autant faire des Bienveillantes une authentique tragédie à la fois personnelle et universelle.
Arrivé dans le dernier quart de l’opus, le Menuet entraîne l’auditeur dans le lieu le plus emblématique et le plus terrible de la Shoah, à savoir Auschwitz. C’est singulièrement sous le titre Menuet que s’ouvre cette partie, avec des violons lugubres accompagnant les plaintes d’Una (l’impeccable Rachel Harnisch) et des percussions menaçantes.
La force de cette évocation des chambres à gaz est contrebalancée par sa brièveté, l’opéra suivant ensuite la fuite de Maximilian Aue au fur et à mesure que les troupes alliées s’avancent jusqu’en Allemagne. Hèctor Parra fait des derniers tableaux, audacieux et dans le texte et dans la musique, un voyage au bout de l’enfer où la cruauté de la guerre n’a d’égale que la perversité sexuelle de Maximilian Aue. L’opéra monstrueux ne se prive pas de bouffonnerie lorsque l’officier nazi réfugié à Berlin conte sous forme d’un long récitatif son attaque grotesque contre Hitler – il lui mord le nez !
Tout cela fait de l’opéra Les Bienveillantes une œuvre incroyable de puissance et d’audace, au point de heurter pas mal de sensibilités, mais toujours au service de l’humanité, de l’indicible mais aussi de la justice – s’il y en a une.
Le quatrième couverture de cet essai d'Umberto Eco est trompeur et risque fort de conduire nombre de lecteurs dans l'erreur. Sans doute parce que c'est plus vendeur, l'éditeur présente Confessions d'un jeune Romancier comme d'une sorte de vade-mecum pour écrivain en herbe. C'est faire insulte à Umberto Eco, tant cet essai est moins un manuel pratique pour jeune écrivain en quête de succès, qu'une brillante présentation de la carrière de "jeune" romancier d'Umberto Eco (seulement cinq romans à son actif).
Il y livre sa vision du roman dans l'histoire de la littérature tout en répondant à quelques questions essentielles : comment lui vient son inspiration ? Quelles sont les contraintes de ses romans ? Quels sont les liens entre les intentions de l'auteur et les interprétations du(des) lecteur(s) ? Quelle est la réalité et la vérité des personnages romanesques (une question moins anodine qu'il n'y paraît) ? En quoi la sémiotique peut-elle s'intéresser aux personnages fictionnels ?
Eco termine cet essai par une partie étonnante et passionnante sur la place des listes dans son œuvre comme dans la littérature en générale. Au final, voilà un essai passionnant qui confirme qu'Umberto Eco reste l'un des plus passionnants intellectuel et artiste de notre époque.
