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Avec ces faux-airs de Catherine du duo Catherine et Liliane, ne nous y trompons pas : Julien de Bomérani est un artiste à ne pas prendre à la légère.
Fort d’une solide réputation de DJ dans le sud de la France (il peut se vanter d’avoir sa propre soirée, "Folle de rage"), l’artiste sort son nouveau titre, Proud & Loud. Parfait pour ces soirées estivales et chaudes.
Pour ce single, Julien de Bonérami s’est offert la collaboration de Maggie (saison 11 de The Voice), impeccable et envoûtante grâce à sa voix veloutée et puissante. Ils interprètent, avec Proud & Loud, un vrai hymne à la célébration et à l'acceptation de soi. À découvrir absolument.
Et si l’œuvre de Ridley Scott se voyait enrichie, avec Le dernier duel, sorti l’an dernier, l’un de ses meilleurs films ? Un accueil poli avait accueilli la sortie de ce drame historique tourné en grande partie en France. Le dernier duel mérite cependant bien plus, à la fois dans sa construction narrative de dans le message résolument moderne que le vieux réalisateur veut faire passer. Basé sur un roman d’Eric Jager, Ridley Scott raconte le duel entre le chevalier Jean de Carrouges (Matt Damon) et l’écuyer Jacques le Gris (Adam Driver). Nous sommes en 1386 en France, en pleine guerre de Cent ans.
Jean de Carrouges combat avec ardeur pour les troupes de Charles VI. Il devient frère d’armes avec Jacques le Gris qui peut se targuer d’être dans les petits papiers de ses suzerains, et notamment du comte Pierre II d'Alençon (Ben Affleck). Contre toute attente, Jean de Carrouges trouve un bon parti en la personne de Marguerite (Jodie Comer), une jeune noble normande. Mais le chevalier se voit déposséder d’une partie des terres qu’il a reçu avec sa dot, en raison d’une dette importante. Jean de Carrouges ravale sa rancœur contre Jacques le Gris et le comte Pierre d’Alençon pour repartir en guerre. À son retour d’une campagne malheureuse, il apprend que sa femme a été violée. Il en appelle au roi et obtient de lui un duel contre le présumé coupable, Jacques le Gris.
Ordalie
Le premier intérêt du film est avant tout historique : raconter la toute dernière ordalie, ces duels judiciaires venus d’âges immémoriaux au cours desquels la justice était sensée être donnée par Dieu grâce à la victoire du combattant. Dans la dernière et longue séquence d’action pure, Ridley Scott use de son expérience et de son talent au service d’un dénouement que nous ne dévoileront pas ici. Disons simplement que la conclusion de ce duel charrie sa part de cruauté mais aussi de non-dit. .
Mais le film de Ridley Scott est aussi un puissant récit sur un fait divers oublié, et pourtant actuel. Que s’est-il passé et qu’on vu les protagonistes ? Le film propose trois parties qui proposent les trois points de vue : celui du mari Jean de Carrouges, de l’accusé Jacques le Gris et de la victime Marguerite de Carrouges. Dans le rôle de la femme bafouée, Jodie Comer, que l’on a connu dans le rôle de la tueuse de Killing Eve, endosse un rôle incroyable de sincérité, avec une étonnante modernité. Traitement fait aux femmes, agressions sexuelles, soupçons, rumeurs jetées sur la place publique pour faire bouger les lignes : voilà qui parle au spectateur de 2022. Et qui fait de ce Dernier duel un film important et moderne.
Coffees & Cigarettes est de retour avec son troisième album Roller Coaster, un opus autant urbain, pop-rock qu’électro, à l’image du premier morceau en forme d’introduction, "Intropode". Pour ce titre, MC Jesse - Renaud Druel, dans le civil – lorgne du côté de Kraftwerk pour un court voyage dans les années 70. La suite de l’album – pas moins de 16 titres – est à l’avenant, aventureux tout en se voulant plus urbain.
Le rap domine en effet Roller Coaster, à commencer par le morceau "Coffees alchimie, un flow qui est en forme d’autoréférence : "Pour créer la potion magique et vénère que tu vénérerais / Si je composais mes chansons en tubes à essais".
Dans une facture plus courante au rap contemporain, "J’flippe", avec ce son hip-hop se mêlant à l’électro, a des accents sombres, sinon désespérés sur le thème de la perdition sociale : "Je flippe / Je prends chaque choix comme un deuil / Je flippe / Que la musique ne soit qu'un tombeau qu'un linceul / J'flippe / Que je finisse un jour par dépit, ras-le-bol / Par lâcher prise et par fermer ma gueule".
Moins neurasthénique, "Colline de jeux" surprend par sa composition mêlant la world music et électro, dans un instrumental presque onirique. Ce titre annonce le suivant, "Le syndrome de Peter Pan", résolument urbain, avec cette touche poétique et lumineuse placée sous les auspices de la fin de l’enfance et du temps qui passe. À partir de souvenirs de gosses, il y est question de cette envie de de pas devenir adulte et de garder son âme innocente : "Je veux pas vieillir, je veux garder mon âme d'enfant / Je me suis perdu dans le Labyrinthe de Pan / Nostalgie qui fait mal et du bien en même temps". Et si la solution venait du dernier morceau de l’album, "Coffees Resistance" ?
Hop'n'roll
Après l’extrait "Y’a quelqu’un", un court morceau électro et "hop'n'roll", il est de nouveau question d’enfance dans l’étonnant "Croquemitaine" dans lequel Coffee & Cigarettes parle des peurs de l’enfance et des cauchemars : "C'est moi le Père Fouettard sorti tout droit de tes cauchemars / Moi c'est MC Jesse et je rappe comme le croquemitaine / L'ambiance est cauchemardesque".
Roller Coaster devient à partir de là un concept album mêlant peurs, tourments de l’artiste, monstres et affres de la création – ou "affreux de la création", aurait dit Serge Gainsbourg. Le titre "C’Koa", mêle charleston et rap dans une fantaisie assez incroyable sur le mystère de la création : "Comment qu'il compose ? / Comment qu'il écrit ? / C'est quoi ces vidéos ? / C'est qui MC Jesse ? Mais Coffees, c'est quoi ? / Coffees c'est quoi ? / C'est qui Douce, c'est qui Jesse Juice ?"
Suit "Coselofo", ce monstre invisible porteur de nos cauchemars des obsessions mais aussi des inspirations de l’artiste – qui pourrait être les drogues sous toutes leurs formes : "Le monstre suprême, le boss, l'ultime cauchemar / Viens gangrener mes mots et toutes les notes de ma guitare". Cette présence aliénante et dangereuse peut mener l’artiste à sa perte : "[Il] Dévore l'imagination envoie l'art à l'échafaud". Le vaincre devient vital.
"Arthropode" continue cette plongée cauchemardesque et aliénante : "L'Arthropode est là, il scanne ton esprit, entre en toi / Il te prive de tes cinq sens". Mais qui est cette bête digne de l’ennemi de Sigourney Weaver ? La dépression ? Les drogues ? Et "comment venir à bout de cette putain de bestiole / Le diagnostic est sévère, l'espoir de vaincre est minime / Et je sens bien que rien ne s'arrange, que tout s'envenime / Dans la lutte, on garde toujours la hargne et le sourire aux lèvres / On se souvient de nous et nos souvenirs sont des trêves".
"Journal de bord" vient conclure ce titre qui semble, sinon autobiographique, du moins personnel : "Tôt ou tard la Coffees tribu le savait sans l’accepter / L’arthroprode finirait par gagner / Ce n’était qu’une question de temps / il fallait en profiter de ce temps qui nous était confié / Et un matin il gagna il nous l’enleva il l’emporta / Alors Jesse Juice disparut à jamais avec elle aussi / Laissant désormais place sombre à MC Jesse".
Roller Coaster s’avère bien plus intime qu’il n’y paraît, comme le montre encore "Emmène-moi", un morceau de slam à la première personne en forme de confidence, osant l’optimisme dans ces dernières paroles. Il y a encore de l’autobiographie avec "Full HD", une histoire d’amour qui transportera aisément l’auditeur.
Plus joyeux, le titre "Roller Coaster", qui donne son titre à l’album, se pique d’inspirations balkaniques pour un morceau coloré se déroulant dans un parc d’attraction, celui de la vie à en croire MC Jesse, et avec toujours l’enfance en filigrane : "Embarqués tous les deux dans le train fantôme / Face à ton sourire je redeviens un môme".
Voilà un opus aventureux à coup sûr, à l’instar du "Journal de bord", puisant son inspiration dans la SF et les souvenirs de space-operas, ou encore l’étonnant "02/01/19", mixant musique de chambre et hip-hop, audace une audace rarement entendue. Audace : le mot est lâché, définitivement.
Un Agatha Christie est toujours un plaisir à la limite de la perversité : un crime parfait, un coupable insoupçonnable, une intrigue alambiquée : voilà qui est parfait pour ce triturer les méninges. Hugh Laurie, que le grand public a connu sous les traits de l’inimitable Docteur House, est à la réalisation pour l’adaptation d’une des énigmes les plus retorses de la "Reine du crime".
Pour une fois, la traduction française du titre, Pourquoi pas Evans ?, s’avère à la fois plus écliptique et plus mystérieuse que l’original, Why Didn't They Ask Evans?
On se doute que le ou la Evans en question n’apparaît qu’au terme d’une longue enquête, qui est bien entendu le point fort du roman et de la série disponible en ce moment sur Canal+.
Tout commence par un crime dans une de ces bourgades typiques de la campagne anglaise. Nous sommes au milieu du siècle. Bobby Jones (Will Poulter, que l’on avait découvert dans Midsommar), découvre au cours d’une partie de golfe au bord d’une falaise le corps d’un homme agonisant. Le fils du vicaire vient porter assistance au moribond. Les secours sont appelés. Le jeune homme entend le malheureux prononcer une phrase : "Pourquoi pas Evans ?" Il découvre aussi la photo d’une jeune femme. Un individu débarque pour s’occuper, dit-il, de la victime. Il dit s’appeler Roger Bassington-Ffrench (avec deux "f") et être médecin. Quelques temps plus tard, le mystère de l’identité du mort est dévoilé mais Bobby Jones, secondé par la pétillante Lady Frances – Franky – (Lucy Boynton) ont des doutes et mènent leur propre enquête.
Les fans d’Agatha Christie goutteront leur plaisir
Évidemment, impossible d’en dire plus sur cette énigme policière, particulièrement retorse, et qui sera résolu par le couple irrésistible que forment Bobby et Franky. Hugh Laurie – qui apparaît brièvement dans le rôle d’un médecin inquiétant – utilise avec talent les qualités de la mini-série (4 épisodes) pour déployer patiemment une enquête, où les détails ont leur importance, tout autant que les relations subtiles et pleines de séductions entre deux jeunes gens aux positions sociales différentes – mais qui se ressemblent sur pas mal de points.
C’est simple : Will Poulter est impeccable dans le rôle de fils de vicaire devant assumer une position sociale peu simple et Lucy Boynton est juste irrésistible dans celui d’une jeune lady avide de liberté. Le message féministe n’est pas absent de cette série, ce qui lui apporte une réelle touche de modernité.
Les fans d’Agatha Christie goutteront leur plaisir l’enquête, en dépit de quelques longueurs. Ajoutez à cela les paysages anglais, les costumes, les voitures : voilà qui nous plonge dans une atmosphère so british.
Derrière MPL, se cachent cinq bonhommes : Julien Abitbol, Cédric Bouteiller, Arthur Dagallier, Andreas Radwan et Manuel Rouzier.
Dans un clip bourré d’humour de Jacques Pinault, le groupe propose un de ces petits trésors mêlant l’impertinence, l’innocence et beaucoup d’esprit. Sur une musique enlevée, MPL propose son dernier single, "Bonhommes", parlant aussi bien d’enfance, des rêves de gamins mais aussi d’éducation stéréotypée : "On serait des bonhommes / On serait des durs / On en ferait des tonnes / Pour être bien sûrs".
Mais où est la tendresse, bordel, se demandent en substance les cinq garçons ? "Nos idoles de jeunesse ne nous font plus rêver", constatent-ils. Avec ce titre, nul doute que les musiciens ont un peu retrouvé de leur naïveté et leur fragilité de gamin. Non, vraiment, leur clip est à regarder autant qu’à écouter.
La facture du chef d’œuvre de Ryūsuke Hamaguchi, Drive My Car, peut surprendre : le générique n’arrive qu’au bout de 39 minutes. Entre temps, le cinéaste aura patiemment campé le personnage principal, Yūsuke Kafuku, metteur en scène et acteur marié à Oto, une scénariste bien installée comme lui. C’est donc une histoire d’amour a priori idyllique entre deux artistes parfaitement assortis. Lui connaît une réelle reconnaissance avec sa mise en scène d’En attendant Godot de Beckett ; elle semble s’épanouir à la télévision. Pourtant, Yūsuke expérimente une fin du monde à la fois invisible et indicible : après qu’on lui a détecté un glaucome, le metteur en scène découvre l’infidélité d’Otto. Peu de temps plus tard, le jour où elle s'apprête à lui révéler quelque chose, elle décède accidentellement.
C’est sur cette ruine personnelle que commence la lente et délicate reconstruction d’un homme, à la faveur d’une pièce de théâtre qu’une compagnie lui demande de créer dans la région d’Hiroshima – là encore le lieu choisi est loin d’être anodin, d’autant plus que l’on peut y voir une référence à Marguerite Duras et son Hiroshima mon amour. Pour ce travail de commande, une adaptation d’Oncle Vania de Tchekhov, on lui adjoint une chauffeuse chargée de conduire sa vieille Saab. Yūsuke accepte de se laisser conduire, ce qui lui permet d’écouter la pièce sur son autoradio. Entre l’artiste et la conductrice, les relations sont d’abord distantes, pour ne pas dire polies et glaciales.
Une référence à Marguerite Duras et son Hiroshima mon amour
On se laisse conduire par le drame intime de Ryūsuke Hamaguchi et par ses près de trois heures. La magie opère. Pour preuve, le film a été multi récompensé : prix du scénario à Cannes, Golden Globes du meilleur film étranger et des nominations aux Césars et aux Oscars.
Pour justifier toute la valeur de ce drame intime traitant du deuil, de la reconstruction et de l’amour, sur fond de littérature et d’art, précisons que Drive My Car est une adaptation d’une nouvelle de Haruki Murakami (1Q84).
Sur cette histoire de deuil – ou plutôt de deuils multiples – Ryūsuke Hamaguchi choisit la retenue, la sensibilité mais aussi les non-dits. Évidemment, l’environnement théâtral n’est pas un hasard : alors que le début du film montre Yūsuke en plein travail sur le chef d’œuvre de l’absurde qu’est En attendant Godot, c’est Tchekhov qui est au cœur de la partie centrale du film. Le choix de la mise en scène de Yūsuke est révélatrice : le mélange des langues (y compris le langage des signes) parle – si j’ose dire – d’universalité mais aussi d’incommunicabilité.
Le spectateur est témoin tout au long du film de la distance, d’abord physique, entre la chauffeuse et son client. Le réalisateur utilise les allusions, les ellipses (par exemple la dernière séquence du long-métrage) et les regards pour évoquer la douleur d’un auteur reconnu et d’une femme issue d’un milieu populaire, que tout semble séparer. Lorsque les mots et les confidences surgissent, les révélations frappent, voire tétanisent.
Voilà qui fait de Drive My Car un long-métrage bouleversant, choisissant l’intelligence, l’émotion mais aussi les références au théâtre, au cinéma et à la littérature. Bref, un très, très grand film.
Selon un nouveau décompte, 152 sites culturels en Ukraine ont été détruits partiellement ou totalement depuis le début de la guerre. L’UNESCO réitère son appel au respect du droit international et poursuit ses actions de soutien aux professionnels de la culture sur le terrain.
L’UNESCO publie jeudi un bilan actualisé des dommages causés aux sites culturels en Ukraine depuis le 24 février 2022, date du début de l’offensive russe. Selon les vérifications effectuées par ses experts, 152 sites culturels ont été détruits partiellement ou totalement en raison des combats, dont 70 édifices religieux, 30 bâtiments historiques, 18 centres culturels, 15 monuments, 12 musées et 7 bibliothèques.
"Ces atteintes répétées aux sites culturels ukrainiens doivent cesser. Le patrimoine culturel, sous toutes ses formes, ne saurait en aucun cas être pris pour cible. Je réitère mon appel au respect du droit international humanitaire, notamment de la Convention de La Haye pour la protection des biens culturels en cas de conflit armé", déclare Audrey Azoulay, Directrice générale de l’UNESCO.
Trois régions concentrent trois-quarts des sites endommagés : la région de Donetsk, où les combats sont toujours particulièrement intenses – avec 45 sites culturels endommagés – celle de Kharkiv – 40 sites endommagés – et celle de Kyiv – 26 sites endommagés.
Dès le début de la guerre, la Directrice générale de l’UNESCO a impulsé une série de mesures d’urgence pour prévenir au maximum les destructions. L’Organisation a prodigué des conseils techniques aux professionnels de la culture sur le terrain pour protéger les bâtiments et inventorier les œuvres, des refuges ont été identifiés pour mettre en sécurité les objets qui pouvaient être déplacés, les dispositifs anti-incendie ont aussi été renforcés.
L’UNESCO a par ailleurs accompagné les autorités ukrainiennes dans le marquage des sites culturels avec l’emblème distinctif du bouclier bleu. Ce symbole indique que le bien est protégé au titre de la Convention de La Haye de 1954. Dès lors, toute atteinte est considérée comme une violation du droit international et peut faire l’objet de poursuites contre ses auteurs. Il est par ailleurs à noter qu’aucun des 7 sites inscrits au Patrimoine mondial de l’UNESCO n’a été touché à ce jour.
En recensant et en documentant les dommages et les destructions des sites culturels, l’UNESCO non seulement alerte sur la gravité de la situation, mais prépare aussi la future reconstruction. S’il est encore trop tôt pour engager des chantiers, l’Organisation onusienne a d’ores et déjà créé un fonds dédié aux actions en soutien de l’Ukraine et a lancé un appel à contributions à ses États-membres pour une réponse rapide.
Dans le même objectif, l’UNESCO est en train de constituer une équipe dédiée à la protection des biens culturels, basée à Kyiv, et enverra prochainement une mission d’experts du patrimoine sur place.
La liste des sites culturels ukrainiens partiellement ou totalement détruits est accessible en ligne au lien suivant. Elle est mise à jour chaque semaine par l’UNESCO.
On avait déjà parlé du groupe Edgär à l’occasion de leur tout premier EP, Persona. C’était il y a cinq ans, déjà. Revoilà le duo amiénois dans leur album long, Secret. Nous avions parlé de Persona comme un EP proposant de "l’électro à visage humain". Son nouvel opus a un parfum eighties, comme le montre le premier titre "Nuit" qui fleure bon la new-wave : boîte à rythme, nappes de synthés et univers noctambule ("Nuit", "Réveille-moi"), sans pour autant renier l’électro qui leur va tout aussi bien.
Sortez les Perfectos et les maquillages gothiques : voilà un gros coup de voyage dans le temps avec un album, mêlant le français et l’anglais, qui ne goûte pas son plaisir !
Pour "Réveille-moi", le groupe se fait onirique et romantique – mais d’un romantisme noir. Plutôt que mentionner le groupe Cure, avançons-nous en considérant que le "paradis" mentionné dans ce morceau peut être vu comme un clin d’œil à Michel Berger.
Sortez les Perfectos et les maquillages gothiques
"Me voudras-tu ?", tout autant inspiré par le regretté chanteur de "Seras-tu là ?" a et esprit très pop à la Partenaire Particulier. Les courbes enflammés, la nuit à deux, les draps, la fièvre : il est question d’une histoire d’amour ("Moi aussi je te veux"), avec son lot de questions ("Me voudras-tu encore de moi ?") mais aussi de certitudes ("Les erreurs de la nuit n’existent pas"). Tout aussi mélancolique, "Secret" propose une pop plus traditionnelle, ballade mélancolique, "Laisse ton chagrin voguer / Vers les rivages brûlés / Avant de devenir fou" Une séparation.
Outre la délicate ballade folk "Dead end", il faut s’arrêter sur "Incendies", un extrait qui se veut romantique dans le joli portrait d’une femme aimée : "Elle se nourrit de mes peines / Quand je la serre contre moi / Elle délie toutes mes haines / Me délivre même de toi". L’amour est un incendie autant qu’une "harmonie", qui reste malgré tout fragile : "J’ai rompu le lien à jamais". On peut tout autant être séduit par "The lights", lumineux comme l’indique le titre qui est un formidable appel à la fête et à la vie.
Retour à la new-wave avec "Sable blanc". Ce morceau est digne de devenir un vrai hit pour cet été : "Viens explorer ce t autre monde et animons nos ondes de songes cachés", interprète le duo, dans une chanson qui est une invite à l’insouciance et à la joie de vivre.
Outre une reprise du classique de Simon & Garfunkel, "The Sound Of Silence", l’auditeur s’arrêtera sur le titre "Dictators", derrière lequel on pourra voir en écho les pitreries dégueulasses de Poutine en Ukraine. Aussi noir que de la new-wave et aux propos engagés et bienvenus : "I’m on another side of the moon / While dictators die".
