Les amateurs de peintures seront sans doute frustrés par cette encyclopédie de 240 pages proposée par les éditions Larousse. Dans La vie secrète des chefs-d’œuvre, Vincent Brocvielle propose un choix de seulement 28 artistes ou courants picturaux (pour les œuvres les plus anciennes). Le but est de répondre à cette question : pourquoi cette peinture a une importance capitale dans l’histoire de l’humanité et peut être considérée comme un chef d’œuvre.  

Vaste question et plus complexe qu’on veuille bien le dire. Disons aussi que, par sa démarche, l’auteur entend bien affirmer que, contrairement à l’adage populaire, les goûts et les couleurs ça se discute. Il le dit autrement dans son avant-propos : "Je suis convaincu que les œuvres d’art mènent leur propre vie".

Outre les peintures pariétales, les créations égyptiennes, gréco-romaines et médiévales, Vincent Brocvielle a jeté son dévolu sur quelques peintures marquantes de Piero della Francesca, Léonard de Vinci, Michel-Ange, Vélasquez, Goya, Courbet, Picasso ou Marcel Duchamp. On regrettera l’absence d’autres figures incontournables telles que Botticelli, Watteau, Ingres ou Matisse. Mais ainsi va la dure loi de ce genre de livres. 

L’incroyable peinture d’Artemiscia Gentileschi, Judith décapitant Holopherne, est la plus symptomatique des déboires de son auteure

C’est donc un choix extrêmement restreint, mais à travers des œuvres incontournables, que ce soit Le Jardin des Délices de Bosch, La Ronde de Nuit de Rembrandt ou Guernica de Picasso. Seules quatre femmes sont représentées : Artemisia Gentileschi, Rosa Bonheur, Berthe Morisot et Frida Kahlo. L’auteur de ce beau livre propose de revenir sur la genèse de chaque œuvre, en les plaçant dans l’histoire de son auteur ou auteure. À cet égard, l’incroyable peinture d’Artemisia Gentileschi, Judith décapitant Holopherne, est la plus symptomatique des déboires de son auteure, victime de viol autant que de la justice.

L’aspect technique fait l’objet de développements, notamment pour les pages consacrées aux fresques romaines ou à l’art médiéval. Le lecteur français s’arrêtera avec grand intérêt sur le peu connu Hokusai, dans un livre largement consacré à l’art occidental.

D’autres passages sont consacrés à l’accueil du public, aux techniques de restauration et à de multiples anecdotes. Autant d’informations qui entendent montrer et démontrer le caractère unique de ces œuvres. 

Vincent Brocvielle, La vie secrète des chefs-d’œuvre, éd. Larousse, 2021, 240 p.
https://www.editions-larousse.fr/livre/la-vie-secrete-des-chefs-doeuvre-9782036008168

Voir aussi : "Qu’est-ce qu’un chef-d’œuvre ?"

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Voilà un joli "courant d’air", pour reprendre le premier titre de l’album des Marmottes, Dans l’amour jusqu’au cou. Après plus de dix ans d’existence et trois albums sous le bras, le groupe de "rock festif" insuffle leur énergie communicative, avec pogo, orchestration acoustique et des influences nineties à chercher du côté de La Rue Ketanou, Zebda, Tryo ou Matmatah, sans nul doute des camarades de promos et de festivals. Il est question dans leur opus de liberté, de lâcher prise, de luttes , d’engagements mais aussi de love story, même lorsqu’il s’agit d’un amour pour le moins contrarié – sinon passé aux oubliettes : "J’ai oublié d’amener mes problèmes. / Ça tombe bien, j’en ai pas besoin ici. / Compte pas sur moi pour te redire que je t’aime. / Toi, tu t’en fous, toi, t’as fini, et moi, c'est parti" ("Courant d’air"). Comme ça, c’est dit.

Il est aussi question de vie à deux avec "Célibataire", une suite de saynètes aux situations dites "compliquées" mais grâce auxquelles on a toujours "un truc de dingue à raconter" : des rencontres foireuses "les meufs zarbis j’en ai connu plus plus qu’il n’en faut" : des portraits haut en couleur de femmes coincées, délurées ou nymphos.

Nous parlions d’engagement. Il faut bien sûr citer "Mai 68". Les Marmottes en font un hommage, vantant cette colère saine d’une France mue par des idéaux que le groupe savoyard identifie au courant hippie – ce qui est une manière de voir les choses... Mais passons sur cette interprétation et parlons de ce joyeux foutraque musical : ça ambiance, ça s’époumone et ça fait claquer les sarouels pour ce qui est un vibrant chant de nostalgie autant qu’une invite à faire une révolution mondiale et un retour au Peace and love et à l’anarchie. Est-ce possible ? "Il nous reste aujourd’hui / Bien plus qu’un souvenir, / Une décennie de folie / Qui n’a pas eu envie ?"

Voilà qui est une réponse à ce constat formulé dans "C’est la merde. Il s’agit du tonitruant constat d’une planète à la dérive. Musicalement, dans ce morceau, il semble que nous soyons catapultés dans les années 80, lorsque le pogo n’était pas optionnel lorsqu'il était question de rock.

La cueillette des abricots prend des couleurs chaudes, sensuelles, pour ne pas dire sexuelles

L’auditeur sera sans doute plus sensible au joli morceau qu’est "Chaque jour", une déclaration délicate et sincère : "Chaque jour que Dieu fait, / Qu’il fasse beau, qu’il fasse mauvais / C’est pas facile tous les jours de vivre loin, / De ton amour".

Soyons honnêtes : Les Marmottes ne sont jamais aussi bons que lorsqu’ils se font portraitistes, à l’instar de cette bande d’amies ("Virée entre copines"), ce "Punk à chien" ou ce pilier de comptoir et collègue de travail qui ne "respecte rien et (…) veut toujours faire la fête", ("Robert").  

Dans « Les abricots", le groupe choisit de rendre hommage au travail saisonnier dans les vergers du sud : la cueillette des abricots prend des couleurs chaudes, sensuelles, pour ne pas dire sexuelles ("Tout en haut de l’arbre, / Se cachait le le plus bel abricot… / Mais aurais-je l’audace de saisir ce joyau ?").

On regrette que l’album ne se soit pas terminé avec ce qui en est sans doute le plus beau morceau : une chanson d’amour en duo avec Charlotte Keller, "États d’âme". Il y est question de lassitude dans le couple "quand on était perdus", de deux êtres paumés mais aussi de la "force de courir" qui peut nous rester, et le désir d’avancer à deux. La chasse au "bonheur capricieux" ("Tu peux compter sur moi").

L’opus se termine sur un message central que Les Marmottes dressent avec une joie communicative et un certain optimisme. "Ta Planète", c’est une invitation à prendre soin de l’environnement et à réveiller les consciences. À se réveiller, quoi. Ce sont des Marmottes qui vous le chantent, avec le sourire, s'il vous plaît. 

Les Marmottes, Dans l’amour jusqu’au cou, Single Bel / Socadisc, 2022
https://www.facebook.com/Lesmarmottesofficiel
https://www.instagram.com/les_marmottes_officiel

Voir aussi : "Marc Hévéa, incorrigible optimiste"

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On n’est jamais aussi bien servi que par soi-même, n’est-ce pas ? Christian Carion s’est lui-même attelé au remake anglais de son propre film français, Mon garçon, qui était sorti en 2017. 

James McAvoy (Split) et Claire Foy (The Crown) endossent dans My Son les rôles que tenaient Guillaume Canet et Mélanie Laurent.

Edmond et Joan sont divorcés et parents d’un petit garçon Ethan dont la mère s’occupe souvent seule, alors que son ex-mari est souvent en déplacement. Il la rejoint en Écosse à sa demande : leur fils a disparu au cours d’une sortie. La police a été avertie et les recherches commencent. Le pire est possible et même probable. Les soupçons d’Edmond se portent sur Franck, le nouveau compagnon de Joan. 

Le drame familial, se transforme en thriller

My Son commence comme un drame familial sur fond de séparation, de non-dits et de rancœur. Pourtant, Edmond et Joan ont visiblement une relation apaisée afin de préserver leur fils. Un fils qui disparaît du jour au lendemain, sans explication. Le père se mû en détective et même en justicier pour retrouver son garçon.

"Mon père, ce héros" aurait pu s’intituler le film de Christian Carion, car le drame familial se transforme en thriller et en course pour trouver une issue heureuse à ce drame.

James McAvoy est parfait dans le rôle d’un père désespéré par la disparition de son enfant. Un père qui se transforme en homme prêt à tout. Même au pire. 

My Son, drame et thriller franco-germano-britannique de Christian Carion,
avec James McAvoy, Claire Foy, Gary Lewis, 2021, 95 mn, Canal+
https://www.wildbunch.biz/movie/my-son
https://www.canalplus.com/cinema/my-son/h/17333629_50001

Voir aussi : "Amour, musiques, matelas et autres contrariétés"
"Le trône de mère"

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Le titre "We Are Your Future" de MLD se regarde autant qu’il s’écoute. Sur une musique électro et hypnotique, le musicien masqué adresse un  message autant qu’un avertissement : "Nous sommes ton futur" semblent dire ces enfants rieurs issus de toutes origines. On peut regretter parfois les discours et commentaires appuyés d’artistes engagés qui peuvent desservir leurs engagements les plus louables. Ici, MLD, alias Stéphane Mourgues ("Hello Bye Bye", "Dj Moule"), fait le choix de la sobriété et de l’efficacité pour parler de notre monde, de la nécessité de vivre en harmonie et de faire le choix de l’humanisme. Avec, sous-jacent, le risque de la domination des machines, inéluctable selon MLD.

Et si We Are, son EP, était justement une "incantation", pour reprendre le titre chamanique d’un autre de ses morceaux ? Car derrière cette musique électro inventive et produite avec soin, l’auditeur pourra y déceler un musicien attentif aux soubresauts du monde. Autre exemple : "Slaves And Masters", avec cette rythmique rock et ce son robotique hypnotisant nous entraînant dans un monde à la Metropolis.

MLD endosse les habits du romantique cyber grâce à l’envoûtant "I Love My Robot"

En parlant du film de Fritz Lang et du plus mythique et sexy robot de l’histoire du cinéma, MLD endosse les habits du romantisme cyber grâce à l’envoûtant "I Love My Robot". Les nappes synthétiques et la voix numérique font de ce morceau un des meilleurs de l’EP.

Le mini-album se clôt sur un "Hidden Place" pouvant renvoyer aux folles années électro de la fin des années 70 et du début des années 80. Disons aussi que cet EP peut aisément s’apparenter à la BO d’un film de science-fiction et d’anticipation, avec les machines et les robots comme personnages principaux.

La créativité de MLD saute aux yeux et aux oreilles, sans nul doute, et la suite de son aventure musicale au pays des synthés, des machines et des robots sera à suivre, avec ou sans masque. 

MLD, We Are, Les Airs à Vif, 2022
https://www.facebook.com/mldsynth2
https://www.instagram.com/mldsynth2
https://snipfeed.co/mld

Voir aussi : "Sônge d’une nuit d’électro"

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Alors que les Rolling Stones sont en tournée anniversaire, la ville de Dinard accueille une exposition estivale originale et inattendue sur le rock'n roll, avec des photos de scène de ces icônes britanniques… entre autres. L'exposition Rock Star #PhotosEvelyneCoutas se poursuit jusqu'au 30 septembre à La Villa Les Roches Brunes. 

Plus de 100 photographies, des tirages argentiques en noir et blanc pour la plupart, des impressions numériques dont quelques-unes grandeur nature, font découvrir l’histoire de ce phénomène musical, des années 1976 à nos jours, à travers la démarche artistique d’une photographe, Evelyne Coutas.

Passionnée de musique et de danse rock, assistante de Michel Journiac, initiateur du Body art, Évelyne Coutas participe aux concerts de rock des groupes les plus fameux. En compagnie de Dominique Benoiste, elle arpente les scènes rock françaises. Elle est publiée dans le fanzine français Sneakers et dans des magazines de rock français et internationaux.

Elle a ainsi photographié les artistes qui appartiennent désormais à la grande Histoire du Rock : les Who, les Rolling Stones, Paul McCartney, Eric Burdon, Pink Floyd, Peter Gabriel ainsi que ceux qui ont créé à partir des années 75, la mouvance de la scène Punk : Iggy Pop, Ramones, Sex Pistols, Clash, Jam, Damned, Police… Elle les a suivis dans toutes les grandes salles parisiennes et les festivals en France. Elle a saisi leurs postures, leurs gestes, leur force et leur radicalité. Et ces dernières années, son regard a ciblé les groupes émergents tels que les Blood Red Shoes, Temperance Movement, Bloc Party, les pépites du Festival Les Femmes s’en mêlent ainsi que les artistes auxquels elle est toujours restée fidèle comme Paul McCartney, Eric Burdon ou Patti Smith.

Une figure atypique de la photographie

Figure atypique de la photographie, Évelyne Coutas a toujours bousculé les codes en multipliant les expérimentations, le questionnement du réel et les mécanismes de représentation à une époque où la photographie en France n’était pas (encore) considérée comme un art.

Après des années d’interruption et suite à des propositions de la Galerie des Filles du Calvaire à Bruxelles et Paris pour les expositions Radical Postures et Les Femmes s’en mêlent revisited : facts and fantaisies, Évelyne Coutas revisite ses archives, reprend ses boîtiers et renoue avec ses origines photographiques. Elle retrouve ses idoles d’antan, Patti Smith, Paul McCartney, et nous fait découvrir des groupes émergents tels les Blood Red Shoes, Temperance Movement et bien d’autres.

À La Villa Les Roches Brunes, dans ce monument historique de style néo-Louis XIII surplombant la mer, le contraste entre le château de mer insolent et l’énergie du Rock n’en est que plus éclatant. Cette singularité est renforcée par la scénographie mise en œuvre par Françoise Wasserman, commissaire de l'exposition. Les photographies s'accompagnent d'une mise en musique, d'instruments de collection et de souvenirs de concerts.

L’exposition Rock Star #PhotosEvelyneCoutas est à voir à Dinard tout l’été, et à entendre aussi.

Exposition Rock Star #PhotosEvelyneCoutas
Du 9 juillet au 30 septembre 2022
Villa Les Roches Brunes, 1 allée des Douaniers, 35800 Dinard
Du mardi au dimanche, de 11H à 19H en juillet et août et de 14H à 19H en septembre
https://www.ville-dinard.fr/actualites/rock-star-photosevelynecoutas-laffiche-de-lexposition-de-cet-ete

Voir aussi : "Chanteuses, je vous aime"

Photos : © Evelyne Coutas/Dalle – AC/DC, Angus Young, Nuit punk, Pavillon de Paris, 1979
© Evelyne Coutas/Dalle – MC5, Wayne Kramer et Marcus Durant, Élysée Montmartre, Paris 2018

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Étrange plaisir de retrouver les Paris Combo, dans un album qui est aussi le dernier de sa chanteuse, compositrice et co-leadeuse, Belle du Berry, disparue en 2020 d’un cancer à l’âge de 54 ans, alors que le groupe venait de terminer son septième album studio.

Quesaco?, derrière ses rythmes sud-américains et sa facture jazzy, est un opus posthume que son interprète ne connaîtra pas dans sa version finale. L’auditeur l’écoutera donc avec un mélange de bonheur et d’émotion.

Album ensoleillé et invite aux voyages, Quesaco? a ce je ne sais quoi de mélancolie et d’envie contrariée, à l’exemple du morceau éponyme : " Vois, le soleil, feu de paille / Vois, oh vois, le soleil qui se taille / Nous laissant là, entre chiens et loups / À l'heure où nous avons rendez-vous / Rendez-vous avec le destin mais qui s'en fout".

Les Paris Combo alternent ainsi entre joie de vivre et désabusement. Le morceau "La barre espace" traduit cette hypermoderne solitude que le Grand Confinement du Covid a exacerbé : "Je manque d’espace / J’ai la mémoire qui s’efface / Je manque d’espace / Ce confinement me dépasse". Pour autant, il y a quelque chose à sauver que ces vies numériques, chante Belle du Berry, de sa voix fraîche et légère : "Sur le clavier de nos vies, l’histoire s’écrit sans qu’on y pense".

Opus posthume

L’optimisme et l’amour semblent avoir le dernier mot dans cet album qui est un hymne à la vie, à l’altruisme et à l’amour ("Seine de la vie parisienne", "Cap ou pas cap", "Tendre émoi"). Non, il ne faut pas craindre de désirer, d’aimer et d’assumer un coup de foudre : "Éviter c’est pas vivable / Désirer c’est désirable" ("Panic à bord").

Paris Combo déclinent les sujets les moins sexy et les plus sombres avec un enthousiasme et une sincérité sans faille ("Maudit money", "Première guerre"). Jazz manouche, madison, tango, pop-rock, ballade et bien sûr chanson française : le groupe aux 25 ans de carrière propose dans cet opus quelques joyaux à l’écriture particulièrement fine. Que l’on pense au délicieux "Axe imaginaire" et à ces paroles : "J'ai pas la tête de Wonder Woman / Pas le pouvoir de Spiderman / J'ai pas l'étoffe d'un super héros /  Et pas l'instinct du bonobo / Mais si je cherche une seconde âme / Sur un axe d'amalgame / Je vais dissoudre mon ego / Et me noyer dans un verre d'eau".

Belle du Berry domine à la fois musicalement et sentimentalement cet album important qu’elle interprète avec une gravité chantée mezza voce : "Do you think my love is leaving / Do you think with a broken heart / Do you think I'm overacting / The saddest part?"

Cela n’empêche pas le groupe Paris Combo, sans sa chanteuse fétiche, de choisir la musique, le swing et le smooth, dans un dernier morceau sucré et d’une douce indolence : " Lazy ladie / Ce que j'apprécie c'est procrastiner / Et dire non aux cadences infernales / Implorer la trêve hivernale / Paresser par ici / Paresser par ici / Et laisser passer la / Passer la diligence".

Belle du Berry aurait adorer. 

Paris Combo, Quesaco?, Six Degrees, 2022
https://www.pariscombo.com
https://www.facebook.com/ParisCombo
https://www.instagram.com/paris_combo

Voir aussi : "La fête, les amis et la musique, Sans Prétention"

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Tour d’abord, c’est sa voix qui frappe. Rien d’étonnant : BlauBird – Laure Slabiak – est une chanteuse, auteure, compositrice et interprète issue du classique et du lyrique.

Cela donne une voix lumineuse servant un très beau titre, "L’ombre de mon amant".En attendant son album, voici donc ce premier single et un clip au noir et blanc envoûtant réalisé par Patrick Swirc.

"L’ombre de mon amant" est un chant d’amour et d’adieu onirique et symboliste, servi par le violon d’Oliver Slabiak OS69, fondateur du groupe Les Yeux Noirs) et l’Orchestre Fame’s Project (Skopje, Macédoine). 

BlauBird, L'ombre de mon amant, 2022
https://www.facebook.com/blaubirdmusic

Voir aussi : "Adé, l’ex de Therapie TAXI, bien partie pour rester"

Photo : © Patrick Swirc

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Une ombre plane sur All is true, ce film historique de Kenneth Branagh consacré à William Shakespeare : celle d’Hamnet. Hamnet Shakespeare. Les similitudes avec Hamlet sont plus que frappantes : elles éclairent le plus célèbre drame du poète anglais si l’on pense à son jeune fils, mort de la peste en 1596 à l’âge de 11 ans.

Le plus shakespeariens des cinéastes actuels fait débuter son biopic en 1613. Shakespeare retourne dans sa ville de Stratford-upon-Avon après l’incendie de son théâtre du Globe Theatre où se jouait son drame Henri VIII. L’auteur anglais décide d’arrêter l’écriture de pièces. Il rejoint sa femme Anne et ses deux filles, Susanna et Judith. Il ne lui reste plus que trois années à vivre. L’ombre de la mort, de son jeune fils mais aussi de la vanité de son génie, pèsent sur lui. Il doit aussi vivre, entouré des siens.

"Tout est vrai", proclame le titre de ce biopic sur les dernières années d’un homme cherchant l’apaisement et la réconciliation au milieu des siens plutôt que la postérité. C’est un homme face à la mort qui se donne à voir, comme Shakespeare l’a écrit lui-même dans une de ses pièces : "Ne crains plus la chaleur du soleil, / Ni les rages du vent furieux. / Tu as fini ta tâche en ce monde, / Et tu es rentré chez toi, ayant touché tes gages. / Garçons et filles chamarrés doivent tous / Devenir poussière, comme les ramoneurs."

Shakespeare parlant avec son fils mort, ce fameux Hamnet

Il existe très peu de peintures et de dessins du "barde d’Avon" et sa biographie, à commencer par sa date de naissance exacte, est parsemée de lacunes. Voir Shakespeare prendre chair est donc tout sauf anodin, et qui mieux que Kenneth Branagh pouvait s’en charger ? On y découvre le génie anglais dans une simplicité déconcertante : au jardin, en famille avec son épouse plus âgée et ses deux filles, en ville devant se battre contre les ragots, en bisbille avec son gendre puritain, négociant avec son avocat son testament ou parlant avec son fils mort, ce fameux Hamnet.

Shakespeare est-il revenu "victorieux au sein de sa famille" après son triomphe comme auteur et poète, comme l’affirment ses amis ? En réalité, c’est le crépuscule d’un immense artiste qui donne à se voir dans un film construit comme une suite de tableaux à la Rembrandt. Le spectateur pourra se délecter des compositions, des scènes éclairées à la bougie mais aussi des références à l’œuvre du "barde immortel" (celle par exemple avec Ian McKellen, alias le comte de Southampton).

C’est une bonne idée que Netflix propose ce film sorti en 2018, avec un Kenneth Branagh jouant mezza-voce, entouré de "ses" femmes et en premier lieu la toujours exceptionnelle Judi Dench. 

All is true, drame historique anglais de Kenneth Branagh,
avec Kenneth Branagh, Judi Dench et Ian McKellen, 2018, 101 mn, Netflix
https://www.sonyclassics.com/allistrue
https://www.netflix.com/fr/title/81034560

Voir aussi : "S’il vous plaît, rembobinez"

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