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Le spectateur d’Antoinette dans les Cévennes, la formidable comédie de Caroline Vignal avec Laure Calamy dans le rôle-titre, ne devrait pas passer à côté de l’influence majeure du scénario : un autre voyage dans les Cévennes en 1879 effectué par l’écrivain écossais Robert Louis Stevenson et qu’il a conté dans son récit Voyage avec un Âne dans les Cévennes.
Près de 150 ans plus tard, c’est la pétillante Antoinette, institutrice de son état, qui s’embarque dans une drôle d’aventure après qu’elle ait appris que son amant Vladimir – qui est aussi le parent d’une de ses élèves – est parti dans les Cévennes avec sa femme, sa fille et un âne. Ces vacances contrarient la jeune femme, folle amoureuse de cet homme marié et avec qui elle a des projets pour l’été. Sur un coup de tête, elle part elle aussi dans les Cévennes pour rejoindre son bien-aimé. Arrivée sur place, on lui confie pour son voyage Patrick, un âne.
Sur une histoire des plus simples – une jeune femme part en pleine cambrousse surprendre son amoureux – Caroline Vignal a construit une délicieuse comédie portée avec talent, justesse et humour par Laure Calamy que l’on avait découverte dans la série Dix pour cent.
L’âne Patrick fait écho à l’amant Vladimir, bien plus têtu
Antoinette est sur tous les plans de cette histoire d’une amoureuse éconduite marchant sur les pas de Robert Louis Stevenson. Astucieusement, très tôt dans le film, la réalisatrice et scénariste fait dévoiler à des touristes ébahis ce projet de voyage, transformant du même coup cette Antoinette en héroïne locale au fur et à mesure de son excursion.
Le voyage dans cette superbe nature cévenole devient le cœur du récit, à telle enseigne que les retrouvailles des deux amants ont lieu assez tardivement dans le récit – et en mettant cette fois l’épouse trompée en avant. Les kilomètres passés sur le GR® 70 ("le chemin de Stevenson") devient aussi pour Antoinette un périple initiatique – et drôle – entrepris par l’institutrice à la fois sensible, fantaisiste, passionnée et sacrément culottée. La relation qu’elle finit par nouer avec son compagnon, l’âne Patrick, parvient à nous toucher. Sans doute aussi parce que l’animal fait écho à l’amant Vladimir, bien plus têtu.
Pour Antoinette dans les Cévennes, Laure Calamy a obtenu cette année un César mérité pour son interprétation inoubliable.
Le plus beau coup que pouvait faire Christopher Nolan au spectateur de Tenet est de le contraindre à rembobiner et revoir les aventures du protagoniste. Car visionner plusieurs fois ce long-métrage mémorable s’avère plus que nécessaire pour comprendre – un peu – les secrets de ce film mêlant espionnage et science-fiction et jouant essentiellement sur des retours-arrières temporels.
L’histoire peut se résumer de manière la plus classique qui soit : le personnage principal (qui se nommera plus tard lui-même "le protagoniste"), joué par un impeccable John David Washington, est un agent secret. Lorsque le film commence, il est engagé dans une mission dangereuse lors d’une prise d’otage dans un opéra qui se termine dans la confusion et avec la mort de l’agent, torturé sans en avoir révélé des informations sur sa présence et sur son but. Une mort qui n’en est pas vraiment une puisque le protagoniste se réveille sain et sauf sur un bateau. Il apprend qu’il est recruté pour une nouvelle opération dont le code, qui est aussi le nom d’une organisation secrète, est "Tenet".
Ce palindrome, au cœur de milliers de commentaires autour de ce film, cache un danger universel : une guerre mondiale infiniment dangereuse, provoquée ni par des armes nucléaires ni par des États terroristes mais par une technologie venue du futur capable d’inverser l’entropie. Pour faire simple, l’entropie est la qualité physique d’un objet d’aller dans un sens ou dans un autre. Le protagoniste a d’ailleurs pu voir une balle "inversée" manquer de le tuer lors de sa précédente opération. Pour dire les choses autrement, il semble que l’avenir ait déclaré la guerre à notre présent en raison d’une arme physique capable d’annihiler son passé et donc notre présent.
Le spectateur aura besoin de quelques clés pour naviguer dans un film qui promet de rester dans les annales du cinéma
Vous me suivez toujours ?
Le protagoniste se lance sur la trace d’objets "inversés" que le futur a envoyé à notre époque grâce à des sortes de tourniquets – et que le spectateur pourra voir à l’œuvre. Un homme a la clé de cette mission : Sator. Véritable génie du mal, c’est lui qui manipule cette arme d’un genre nouveau grâce à sa maîtrise du temps. Son seul point faible est sa femme Kat (Elizabeth Debicki), approchée par le protagoniste, allié avec le mystérieux Neil – un Robert Pattinson vraiment au sommet. Elle et son jeune fils Max sont entre les griffes du mafieux russe qui tient entre ses mains pas moins que l’existence de l’humanité.
Lors de la sortie de Tenet, Christopher Nolan – qui est aussi l’auteur du scénario travaillé pendant des années – a prévenu les futurs spectateurs qu’il fallait "ressentir" plutôt que de "comprendre" une histoire mettant en scène des agents secrets sans peur et sans reproche, un méchant absolu joué avec un plaisir manifeste par Kenneth Branagh, une arme fatale, des innocents empêtrés dans des intrigues insolvables et, the last but not the least, des personnages allant dans un sens ou dans l’autre, lorsqu’ils ne passent pas d’un présent à un autre.
Il faut objecter au réalisateur que le spectateur aura besoin de quelques clés pour naviguer dans un film qui promet de rester dans les annales du cinéma. Rembobiner le film – et pas qu’une fois ! – peut s’avérer nécessaire pour savourer des indices parsemées ici ou là : les deux voix de chemin de fer entre lesquelles le protagoniste est torturé, la boucle rouge du sac à dos, un signe des mains, les références au carré Sator ou bien la présence de Neil, en complice obstiné.
Pour ce long-métrage malin, intelligent et de très haute volée (Ludwig Göransson signe en plus une bande originale qui semble elle aussi se jouer du sens de la lecture), Christopher Nolan met le cerveau du spectateur à contribution, à telle enseigne que des théories, parfois très bien vues, se multiplient sur Internet. Je vous en ai trouvé ici et là ou encore là.
Alors, je vous donne un ultime conseil : regardez, concentrez-vous, savourez, puis rembobinez.
Présenté comme un drame intime et amoureux, L’enfant rêvé de Raphaël Jacoulot, avec Jalil Lespert, Louise Bourgoin et Mélanie Doutey dans les rôles titres, peut aussi se voir comme un thriller, avec le classique triangle amoureux : le mari, sa maîtresse et sa femme.
Dans les forêts magnifiques du Jura, François (Jalil Lespert,) dirige une scierie. Il est épaulé par sa femme Noémie (Mélanie Doutey, toujours impeccable). L’entreprise familiale périclite, avec, épine supplémentaire, le poids des parents, attentifs à ce que l’entrepreneur fasse les bonnes décisions. Le couple vit d’autres difficultés, privées cette fois : désireux d’avoir un enfant, ils se sont lancées dans des FIV à la fois pénibles et vaines. Bientôt, la solution de l’adoption est mise sur la table par Noémie en dépit des réticences de son mari.
C’est alors que débarque dans leur région un nouveau couple, Patricia et Philippe (Louise Bourgoin et Nathan Willcocks). François tombe aussitôt amoureux de la jeune femme et les deux commencent une relation adultère passionnée. Lorsqu’elle lui apprend qu’elle est enceinte, François est tenaillé entre le bonheur d’être enfin père et le devoir d’assumer cette situation d’amant et de futur père. Patricia le presse de tout avouer à sa femme mais il hésite.
En filigrane la question des liens masculins pour ne pas dire paternalistes
Les scénaristes (Raphaël Jacoulot, Benjamin Adam, Fadette Drouard et Iris Kaltenbäck) ont fait le choix de centrer leur histoire sur la figure d’un homme complexe, séduisant, tour à tour robuste et fragile, interprété par le formidable Jalil Lespert. Sa relation amoureuse avec Patricia, filmée avec délicatesse et sensualité, est finalement aussi importante que l’imbroglio intime et familial du chef d’entreprise cerné de toute part.
Car la question de quitter ou non sa femme est croisée par une autre beaucoup plus cruciale : faut-il être père à tout prix ? L’enfant rêvé (pour François, il ne peut être que né de son propre sang plutôt qu'adopté) ne représente-t-il pas une chute inexorable ? Et puis, il y a en filigrane la question des liens masculins pour ne pas dire paternalistes, omniprésents avec la figure du père (Jean-Marie Winling). Il faut aussi compter avec l’intrusion discrète mais réelle du neveu, prêt à prendre la place de François dans la scierie. Ces ingrédients explosifs sont là pour faire perdre pied à un homme ordinaire.
Sorti confidentiellement, ce thriller intime mérite vraiment d’être découvert, ne serait-ce que pour les interprétations de Jalil Lespert, Louise Bourgoin et Mélanie Doutey.
Encore Napoléon ! me direz-vous. Il est vrai que le bicentenaire de la mort de l’Empereur fait couler beaucoup d’encre. Mais je vous rassure : c’est de cinéma dont je vais vous parler cette fois.
En 1927, un peu plus de cent ans après la mort de Napoléon à Sainte-Hélène, le réalisateur français Abel Gance proposait une première version de son long-métrage retraçant le parcours de Bonaparte, de l’école militaire de Brienne en 1781 au début de la campagne d’Italie de 1796. Le Napoléon de Gance, devenu lui-même historique et considéré comme un chef d’œuvre du cinéma mondial, était sensé n’être qu’une partie de la fresque monumentale que projetait le cinéaste : Arcole, Les Pyramides (la campagne d’Egypte), Austerlitz, La Bérézina (La campagne de Russie), Waterloo et Sainte-Hélène. L’ambitieux projet n’a hélas pas pu aboutir, si on excepte son long-métrage Austerlitz, sorti en 1960.
Le British Film Institute a sorti en 2016 une version de 5H30 du Napoléon d’Abel Gance d’après les négatifs originaux restaurés par Kevin Brownlow en 2000, le tout sur une musique de Carl Davis. Cette version existe en Blu-ray (en 3 disques – excusez du peu ! – de respectivement 114 minutes, 170 mn et 48 mn) et promet de n’être pas la dernière puisque la Cinémathèque française devrait proposer une énième restauration pour la fin de l’année, à l’occasion de ce fameux bicentenaire napoléonien.
Regarder le chef d'œuvre de Gance c’est se plonger dans une aventure cinématographique aussi passionnante qu’intimidante. Il s’agit en effet d’un film proprement démesuré, que ce soit par la durée (5H30, soit la durée d’une mini-série), par la facture (un film muet en noir et blanc) ou par le choix artistique d’Abel Gance de ne souffrir aucune ellipse – ou si peu – dans un biopic documenté, réaliste mais non sans des fulgurances poétiques.
Le film commence par l’enfance de Napoléon Bonaparte, exilé de la Corse vers la Normandie pour faire une école militaire, où l’enfance subit les brimades en raison de ses origines. C’est là que celui qui deviendra héros de la Révolution française puis l’Empereur conquérant de l’Europe, dévoile ses ambitions comme son génie militaire. La bataille de boules de neige a bien entendu une portée allégorique, tout comme l’autre scène qui lui répond, celle des polochons, précédant de peu la libération d’un aigle domestiqué et vénéré par l’enfant.
L’un des plus grands films de l’histoire du cinéma
L’acte II nous transporte pendant les heures les plus troubles de la Révolution française, en 1793 : les derniers mois de Louis XVI, les massacres de Septembre et les débuts de la Convention. Abel Gance fait le point sur Danton, Robespierre et Marat (hallucinant et halluciné Antonin Artaud) pour nous raconter la fièvre de la Révolution française, avec toutes ses contradictions que Bonaparte, encore jeune officier, devine : la Déclaration des Droits de l’Homme côtoie le chaos et des tueries sauvage, tandis que le souffle de la liberté est éteint par des tentations dictatoriales. La Terreur est déjà en place et n’importe quel citoyen peut en être victime. Bonaparte aussi, qui choisit de rejoindre sa famille en Corse, avant de devoir la fuir car en danger, y compris chez lui. Le réalisateur offre là une séquence maritime incroyable mettant en parallèle la tempête révolutionnaire et les flots menaçant de faire couler le bateau qui ramène Napoléon sur le continent.
Le troisième acte commence avec la mort de Marat alors que Napoléon est à Toulon. La ville est prise par les alliés royaux anglais, espagnols et italiens. Audacieux, l’officier déjoue tous les plans de ses supérieurs et se lance dans une attaque victorieuse. C’est son premier grand succès militaire qui lui donne une aura nationale alors que la Révolution s’essouffle. Nous sommes en 1793, année terrible s’il en est, mais aussi dangereuse. Danton est arrêté et exécuté. Bientôt viendra le tour de Robespierre ("Robespierre, tu me suivras"). Napoléon lui-même n’a pas que des partisans : il est emprisonné après Thermidor – coïncidence : en même temps que sa future femme Joséphine de Beauharnais. Abel Gance offre une série de séquences étonnantes tour à tour tragiques, comiques et pathétiques. Que l’on pense à la salle des archives où des gratte-papiers sont chargés de consigner les exécutions. On sort Napoléon de prison dans l’espoir que lui seul parviendra à éviter une insurrection royaliste et à sauver la Révolution. Ce qu’il parvient, en même temps qu’il convole en noces avec Joséphine de Beauharnais.
Le quatrième et dernier acte, le plus court (48 minutes seulement) est sans doute le plus impressionnant et le plus visionnaire du cinéaste. Il consacre cette partie à la campagne d’Italie (1796-1797). Cet acte marque à la fois l’achèvement de la Révolution et le début de l’ascension d’un jeune homme jusqu’au sommet de l’Europe, comme le suggèrent les dernières images.
Le spectateur aura bien entendu un sentiment de regret en visionnant cette quatrième partie aussi dense qu’incroyable visuellement : gros plans voire très gros plans, mouvements de foules, polyvision, colorisations (que l'on trouve d'ailleurs pendant tout le film), jeu hiératique d’ Albert Dieudonné qui ne se remettra jamais complètement de ce rôle emblématique. Il ne faut pas oublier ces séquences inoubliables comme l’assassinat de Marat par Charlotte Corday (Acte III), le siège de Toulon réalisé à hauteur d’homme (Acte II) et avec une caméra mobile ou la fameuse bataille de boules de neige (Acte I).
Le Napoléon d’Abel Gance est un monument du cinéma qu’il faut avoir la curiosité de regarder, ne serait-ce que parce qu’il a inspiré nombre de réalisateurs. On pourra regretter le jeu théâtral de certains acteurs et actrices. Pour le reste, Abel Gance a réalisé un monument inspiré jusque dans les mouvements de caméra, et sans oublier la musique symphonique de Beethoven ou de Mozart. Au souffle révolutionnaire, le cinéaste français a su donner au public une œuvre devenue mythique. Et l’un des plus grands films de l’histoire du cinéma.
On sera tous d’accord pour dire que les meilleurs sentiments et les combats les plus nobles ne font pas forcément les œuvres les plus inoubliables. La preuve par l’exemple avec Antebellum, le thriller brutal, hésitant sans cesse entre le brûlot politique, le récit fantastique et le film à suspense. Et qui s'en sort par un final certes éclairant, mais confus et frustrant. Evidemment, je ne vous en dirai rien de plus.
L’histoire part pourtant sur de bonnes bases. Eden est une jeune femme noire exploitée comme esclave dans une plantation du sud américain tout entière acquise aux confédérés. Un mot à ce sujet sur le mot "antebellum" qui désigne cette période de pré-guerre civile américaine (la fameuse Guerre de Sécession). Wikipedia fait débuter cet "antebellum" à la première moitié du XIXe siècle (au plus tôt en 1812) au déclenchement de la guerre en 1861.
Antebellum se perd
Revenons à Eden qui survit au milieu de ses congénères, sous les coups, les tortures et les exécutions sommaires et spectaculaires (âmes sensibles s’abstenir !). Alors qu’une nouvelle esclave arrive, Julia, une tentative d’évasion (pas la première si l'on en croit l'histoire) est prévue d'ici peu. Mais la situation se complique et Eden prend conscience d’une réalité toute autre : elle est, cette fois, une intellectuelle noire en 2020, renommée et investie dans la lutte contre le racisme.
Antebellum se perd dans ce qui était un récit qui promettait d’être passionnant. À force de chausse-trappes, de fausses pistes et de détours, le film donne l’impression de se perdre en cours de route. Osons aussi dire qu’il est servi par des interprétations pour le moins déséquilibrées. Les personnages sont tout juste esquissées, ce qui est dommage au regard de l’ambition projet artistique de cette histoire, avec des ellipses frustrantes et des destins qui auraient mérité d'être creusés.
Le message inclusif et de tolérance est cependant bien passé et en cela il s’inscrit dans l’Amérique du No Lives Matter, bien que le film soit sorti avant. Dommage.
Débarrassons-nous pour commencer de ce qui fait la singularité a priori du film Possessor: le réalisateur, lui-même. Le nom de Brandon Cronenberg ne vous est certainement pas inconnu : il s’agit ni plus ni moins que du fils de David Cronenberg, le cinéaste de Crash, de La Mouche ou d’ExistenZ. Voilà qui situe déjà le personnage, à bonne école s’agissant de films fantastiques un tantinet barrés.
Les fils ou filles de sont légion dans le milieu du cinéma et, comme souvent, sans cracher sur les avantages d’être intégrés dans un milieu et d’en connaître les codes, le rejeton ou la rejetonne décide la plupart du temps de "tuer le père" (ou la mère) en choisissant un univers diamétralement opposé (que l’on pense à Francis Ford Coppola et à sa fille Sofia).
Or, la singularité de Brandon Cronenberg c’est qu’il a choisi de suivre le même chemin artistique que son père : une science-fiction dystopique dans lequel le corps humain est trituré jusqu’à devenir déviant. Un choix qui a porté a priori chance à Brandon Cronenberg puisque son deuxième long-métrage, Possessor, a obtenu le Grand prix du Jury au dernier Festival international du film fantastique de Gérardmer.
Le corps humain est trituré jusqu’à devenir déviant
Bon sang ne saurait mentir, donc, et ce n’est pas rien de le dire. Dans un futur proche, Tasya Vos (Andrea Riseborough) est une agente un peu spéciale, chargée de se débarrasser physiquement de personnes, au terme d’un contrat signé avec une agence gouvernementale. Sa couverture est imparable : une technologie lui permet d’endosser le corps d’une tierce personne qui se charge de la sale besogne. Pour une de ses missions ultra-secrète, elle prend possession du corps du petit ami de la fille d’un riche homme d’affaire. La mission ? Tuer le beau-père. Sauf que rien ne se passe comme prévu et la mission se transforme en carnage.
Les fans de Cronenberg trouverons dans le Possessor de Brandon Cronenberg un peu de l’ADN de son père : milieux inquiétants, personnages torturés et corps mis à contribution, ce qui n’est pas sans soulever le cœur et vous donner des sursauts. On appréciera les images et les effets spéciaux proches de l’abstraction, avec un travail remarquable sur les gros plans (la photographie est de Karim Hussain).
Dans cette réflexion sur la déshumanisation, cela ne surprendra personne que les personnages apparaissent éthérés et lointains – si l’on excepte la scène intimiste avec la famille de Tasya. Brandon Cronenberg, derrière cette dystopie horrifique, parvient à laisser passer un message sévère autour des nouvelles technologies et des sociétés de surveillance.
Voilà qui fait de Possessor un film d'horreur réussi et intelligemment fait, quoiqu'un peu clinique.
Possessor, thriller horrifique anglo-canadien de Brandon Cronenberg, avec Andrea Riseborough, Christopher Abbott, Jennifer Jason Leigh, Tuppence Middleton et Rossif Sutherland, Canada et Roy, 2020, 105 mn, Canal+ https://www.possessormovie.com https://festival-gerardmer.com/2021
L’art du contre-pied et du dérapage contrôlé est assumé à 100 % dans l’excellente comédie américaine, The Climb de Michael Angelo Covino. Le réalisateur y joue le rôle de Michael, aux côtés de Kyle Marvin, son meilleur ami (Kyle dans le film, évidemment).
Lorsque le film commence, ces deux Américains en goguette en France s’attaquent à vélo aux routes pentues de l’arrière-pays niçois. Et voilà qu’en pleine grimpette, Michael apprend à Kyle qu’il a couché avec Ava, la femme avec qui son ami va prochainement se marier. Ambiance, ambiance. Les deux amis rompent après cette révélation. Définitivement ? Voilà la vraie question, qui est l’enjeu du film.
En six chapitres retraçant les années qui suivent la course à vélo, Michael Angelo Covino suit ces deux amis, bien plus en osmose que Kyle veut bien se l’avouer. Leur première rencontre après la révélation de l’infidélité d’Ava – et aussi de celle de Michael – a lieu grâce au parents de Kyle, peu de temps après un drame dont on ne racontera rien.
Une comédie bien plus savoureuse, maligne et drôle qu’il n’y paraît
La vie, l’amour, l’amitié, les femmes et la mort : The Climb fait de ces thèmes le cœur d’une comédie bien plus savoureuse, maligne et drôle qu’il n’y paraît. Oui, nous disons bien comédie, même si les disparitions, les trahisons et les séparations ponctuent l’histoire d’une amitié à la fois peu ordinaire et d’une solidité à toute épreuve.
Kyle et Michael se suivent à la trace en dépit des hauts et des bas de leur existence, à l’image de leur périple sur les pentes du Col de Vence. Il n’est d’ailleurs pas anodin de signaler que le film se termine par une autre course à vélo, mais cette fois à trois.
Il faut enfin mentionner le jeu d’acteurs remarquable, sans quoi le film serait bancal. Michael Angelo Covino détonne en adolescent attardé, cabossé par un drame et s’accrochant à son ami comme à une bouée de sauvetage. À côté de cette paire de comédiens, il faut citer Gayle Rankin, en fiancée puis épouse possessive. Judith Godrèche apparaît quelques minutes simplement mais détonne autant qu’elle bouleverse.
Au Festival de Cannes 2019,The Climb a reçu le Prix Coup de cœur du jury de la section "Un certain regard". Quant au Festival du cinéma américain de Deauville 2019, il lui a décerné un très mérité "Prix du jury"
Excellentissime idée des éditions Carlotta qui ont sorti il y a quelques mois un coffret consacré à Claude Chabrol, disparu il y a un peu plus de dix ans. Il s'agit de Suspense au féminin (Carlotta Films, MK2), regroupant les films L'Enfer (1994), La Cérémonie (1995), Rien ne va Plus (1997), Merci pour Le Chocolat (2000) et La Fleur du Mal (2003). Le coffret rassemble de nombreux bonus : bandes annonces, présentations des films, reportages, interviews, commentaires du réalisateur, making-of ou extraits de castings.
Plutôt que de proposer une intégrale pléthorique, le choix a été fait de proposer une sélection de cinq films tardifs du réalisateur dont le thème est les femmes et le crime, et nous serions tenter d’ajouter : des femmes criminelles, si l’on oublie le drame L’Enfer avec Emmanuelle Béart et l’inquiétant et inoubliable François Cluzet.
On trouve dans ces longs-métrages l’univers chabrolien, avec ses thématiques préférées : les milieux bourgeois de Province, les secrets inavoués qui finissent par vous éclater au visage, les perversions cachées au sein des cellules familiales, les portraits psychologiques et les femmes, justement.
Pour ses actrices préférées, Claude Chabrol a écrit des rôles importants et marquants dans l’histoire du cinéma. Isabelle Huppert, présente dans trois films sur cinq, domine largement le panthéon féminin du réalisateur. Dans La Cérémonie, elle est Sophie, modeste employée de La Poste, entraînant la "boniche" Jeanne (Sandrine Bonnaire) dans un meurtre à la fois social et absurde à Saint-Malo.
Isabelle Huppert présente dans trois films sur cinq
Dans Merci pour le chocolat, l’actrice préférée du réalisateur joue le rôle d’une femme de la haute bourgeoisie suisse tissant un plan mystérieux autour de son musicien de mari (Jacques Dutronc) et d’une jeune pianiste (étonnante Anna Mouglalis) qui rêverait bien d’être sa fille.
Isabelle Huppert apparaît également en duo avec Michel Serrault dans un rôle à contre-emploi comme arnaqueuse prise au piège pour s’être frottée à des gros pigeons plus forts qu’elle (Rien ne va plus).
D’autres femmes se distinguent dans ce coffret passionnant. Outre Emmanuel Béart en femme victime dans le troublant L’Enfer, il faut citer la brochette d’actrices du grinçant La fleur du mal.
Ce film noir, chabrolien à souhait, plonge dans une province bordelaise polluée par des rumeurs vénéneuse et des secrets de famille pour le moins gênants. À côté de la formidable Nathalie Baye en femme politique lancée dans une campagne électorale de proximité, on trouve l’inquiétante et (trop) douce Suzanne Flon mais aussi Mélanie Doutey dans une interprétation étonnante, sulfureuse et troublante. Et citons enfin Sandrine Bonnaire dans La Cérémonie, l’un de ses meilleurs rôles, sans aucun doute.
