Encore peu connue en France, Caroline Leisegang le restera-t-elle longtemps ? Voilà d’emblée la question que l’on se pose à l’écoute de son cinquième album, Comes The Night. La compositrice sud-africaine a sorti cet automne ce passionnant, vibrant et poignant opus.

Connue grâce à son premier album Øyeblikkin en 2015 et forte de ses millions de streams, Caroline Leisegang a fait le choix ici du piano solo, des cordes…. et de la simplicité, y compris dans l’écriture. La violoncelliste Clare Vendeleur l’accompagne dans ce récit musical, avec une introduction (Beginning) et une fin (End).

La compositrice sud-africaine prend par la main l’auditeur et l’auditrice pour son opus à la fois harmonique et minimaliste. Chaque note est choisie avec soin. La rencontre du violoncelle et du piano dans Enter Caroline donne à entendre une musique de chambre de notre époque. Une impression confirmée avec et autre titre, I Was Once A Prelude.

Si la nuit vient, pour reprendre le titre de l’opus et du troisième mouvement, elle n’est ni lugubre ni terrorisante. On la dirait apaisante et mélancolique (Comes The Night).  

Ronde enchantée

Caroline Leisegang a fait le choix de morceaux brefs qui rendent d’autant plus efficaces son langage. Écouter le court BlackBird At Dawn c’est observer ces merles dès l’aube, avec discrétion pour ne pas les déranger, avant de les voir décoller ; mieux, de les accompagner dans le début de leur voyage. Ce morceau naturaliste convainc par sa retenue et son efficacité.

Il y a de l’engagement environnemental dans cet autre mouvement au titre évocateur : When The World Won’t Keep Still (littéralement : "Quand le monde ne reste pas immobile"). Après un début apaisé, le mouvement s’accélère et devient nerveux, laissant entendre une sourde inquiétude. 

Arrêtons-nous aussi sur l’un des meilleurs titres de l’opus. Il s’agit de Victorine, le morceau le plus long de l’album et pour lequel Caroline Leisegang avoue un attachement personnel. C’est une ronde enchantée que propose la musicienne sud-africaine mais où l’inquiétude et la nostalgie ne sont pas absents. On reproche souvent à la musique contemporaine sa froideur et sa technicité. Rien de tel ici. Victorine est un authentique joyau happant et envoûtant nos oreilles.   

Contre toute attente, c’est avec un titre relativement long (4 minutes 29) que se termine le cinquième album de Caroline Leisegang. Voilà une fin (End) envoûtante en forme de bilan apaisé. La nuit reprend ses droits, avec douceur et stoïcisme. Mais non sans regret.

D’ailleurs, du regret il n’y en a aucun dans la découverte de la compositrice sud-africaine. Cette œuvre personnelle la place déjà parmi les musiciennes actuelles sur qui il faut compter. 

Caroline Leisegang, Comes The Night, A reintroduction of Caroline Leisegang, Xhap Xhap, 2024
https://carolineleisegang.com
https://www.instagram.com/carolineleisegang_music
https://wildkatpr.com/caroline-leisegang-releases-her-fifth-studio-album-comes-the-night 

Voir aussi : "La Bohême, la Bohême…"
"Trio percutant"
"Les couleurs musicales d’AyseDeniz"

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Eva Marchal c’est d’abord une voix fragile qui délivre pour son nouvel album, 88, ses confidences, ses interrogations sur le temps qui passe et sur le l’amour. À l’instar du premier titre Je plane, avec une économie de mots, elle parle de mal-être, de mal de vivre et finalement de réconciliation avec soi-même : "Comme les nuages ont de beaux costumes / C’est là devant moi sur écran géant / Les chaos de mon âme se consument / J’ai laissé venir, il était temps de grandir". La chanteuse fait le constat d’un apaisement qui vient finalement, avec le temps : "Laisser-aller au gré du vent / Tous mes tourments / Se sont envolés" (Je plane).

L’auditeur sera sans doute touché par Cigarettes de papier qui fait de souvenirs nostalgiques, simples et touchants, le portrait d’une femme qui a finalement fait ce qu’elle a pu ("Mais tu te dis que tu as fait / Ce que tu as pu / Tes rêves ont bien combattu / Au-delà de tes espérances"), avec des cigarettes de papier en guise de talisman.

Le temps qui passe et l’amour fragile semblent être le fil conducteur de cet opus. Or, ce temps qui passe n’est pas évoqué dans toute sa cruauté mais avec une forme de sagesse. Eva Marchal chante, sur des paroles de Sophie Brugeille : "J’voudrais être vieille / Et pleine de rires / Avec une bouche qui garde / Le goût des souvenirs", mais pas trop vite cependant : "Donne moi le temps d’aimer / Donne moi le temps d’oser / Défier le temps Satan" (J’voudrais être vieille). 

"Rien que toi dans ma ligne de mire / Je te salue la liberté"

Pas si sage que ça, la chanteuse parle d’amour, même s’il est brut et sans concession : le titre pop en anglais Crush, franchement emballant, est une déclaration ("I dare to play at love, I’m just playing / I want to break away and set you free / I’m a lover, I’m a lover"), sans fard et même brutal ("I will share a car with you / I’ll even crush that car / Crush that car").

Femme libre, l’artiste parle de "Règles du jeu / Pour ne pas paraître trop vieux" pour garder intact un amour et un couple passionné (On s’est gardés). Mais sommes-nous pour autant à l’abri de la lassitude, de l’épuisement et de la morosité ? ("Es-tu happy ou sad? / Dis, sommes-nous crazy now, dis ? / Derrière ton visage emoji / Au bal des faux semblants / Es-tu toujours / Encore celui d’avant?", Sans Emoji).

Dans la ballade Peine perdue (paroles de Sophie Brugeille), c’est un amour disparu que pleure la chanteuse. Le deuil sentimental qu’elle constate est aussi le début d’une reconstruction : "Aujourd’hui, j’ai la force de voir plus loin que toi / Là je sens que j’amorce un long chemin vers moi". La voix à fleur de peau et presque enfantine d’Eva Marchal se fait onirique dans cet extrait mêlant chanson et électro-pop. L’amer parle aussi de départ et de séparation : "Garde le ton amour / La mer l’a emportée / La mer te le renvoie / Avant que je ne me noie".

Le titre Who I Am évoque une rencontre bouleversante avec son père biologique, teintée de quête d’identité. Quant au morceau Tu regagnes le port, c'est une chanson poignante sur Alzheimer et la peur d’oublier ceux qui nous sont chers.

Eva Marchal est comme ça, à la fois femme libre et amoureuse passionnée capable de s’aliéner dans le désir ("Viens avec ingéniosité / Hacker mon cœur / Viens l’apprivoiser / Déverrouiller ses arcanes / Raviver dedans ce qui se fane", Hacker mon cœur). Mais lorsque l’on est quittés, quelle douleur ! Elle chante la séparation douloureuse ("Alors je me raccroche / Dès que tu regagnes le port / Je me raccroche / Dès que tu regagnes le port / Je t’agrippe fort", / Tu regagnes le port) mais aussi l’impossibilité de se dire vraiment adieu (Other shore).

L’auditeur sera sensible à cet autre titre en anglais qu’est la vibrante déclaration This Woman’s Work. L’influence de Kate Bush est évidente dans cette jolie ballade à la facture eighties.

Finalement, Tout roule, chante Eva Marchal en conclusion de son très bel album. Ce titre nous renvoie à des souvenirs d’enfance et aux courses insouciantes en bécane, comme une allégorie de la vie et du temps qui passe. La chanteuse a ces mots magnifiques qui résument tout l’opus : "Rien que toi dans ma ligne de mire / Je te salue la liberté". 

Eva Marchal, 88, Les Contes de Roméo, 2024
https://linktr.ee/evamarchal
https://www.facebook.com/sofrenchgirly
https://www.instagram.com/marchaleva

Voir aussi : "Loussine In The Sly With Diamonds Of Blues"

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L’Ukraine, martyrisée et en partie occuper par la Russie, méritait bien cet album à la fois artistique et humaniste, hommage aux victimes ukrainiennes de ce pays et appel à la liberté.

Prayer for Ukraine (Phenotypic Recordings) a été imaginé par l’ensemble ukrainien Vivere String Quartet (avec Anna Bura et Dmytro Lysko au violon, Ustym Zhuk à l’alto et Dmytro Nikolayev au violoncelle) qui entendent bien défendre la musique classique ukrainienne ainsi que les compositeurs actuels de ce pays.

Ajoutons que l’expression "Prayer for Ukraine" fait référence à son hymne national composé en 1885 par Mykola Lysenko sur un texte d’Oleksandr Konysky. Pour cet opus, les quatre musiciens et musicienne ont œuvré en dépit des dangers, des bombes, des exils forcés et des séparations avec leurs proches. Le résultat est ce cri en faveur de la liberté : "La liberté n'est pas acquise ; elle se mérite grâce aux efforts inlassables de ceux qui osent rêver d'un avenir meilleur ou, du moins, d'un « lendemain ». La poursuite de la liberté exige notre force et notre solidarité collectives".    

Maria’s City (Mariupol) est un chant funèbre déchirant composé en 2022 par Zoltan Almashi, né en 1975. Ce titre fait référence à la cité ukrainienne détruite par l’armée russe après des mois de siège. Le titre lui-même a été composé à Kiev sous les bombes. Un autre titre de Zoltan Almashi est proposé : Carpathian Song, datant de 2019. Cette pièce a été écrite pour un Ukrainien en exil. L’âme de ce pays transparaît dans ce morceau mélancolique qui évoque le mal du pays. Zoltan Almashi fait se mêler le contemporain et la musiques folklorique, non sans l’influence du classicisme.  

Victime directe de l’agression russe contre l’Ukraine

Le quartet propose deux œuvres de Vasyl Barvinsky (1888-1963). Son style néo-romantique a été inspiré par ses voyages européens et en particulier à Prague. Sa carrière prestigieuse a été, hélas, stoppée net par la dictature soviétique, ce qui n’empêcha pas le musicien de préserver ses compositions dont beaucoup ont, hélas, disparu. Prayer, écrit en 1912 est le deuxième des deux mouvements nous restant de son Quintette pour piano et violon.

Tout aussi classique, le String Quartet, datant de 1935 et complet, lui, puise dans des mélodies ukrainiennes. Le Largo séduit grâce à ses riches variations, ses couleurs et ses instants méditatifs grâce à un quartet uni comme jamais. Pour le bref Scherzo, Vasyl Barvinsky s’est inspiré de danses de son pays. L’Andante, court lui aussi (1 minute 46), se veut élégiaque, comme s’il y avait une urgence. "Dépêchons-nous de vivre" semble nous dire à l’oreille le compositeur. L’Allegro moderato vient conclure l’opus avec des danses folkloriques, dans une élégante facture néo-romantique.   

Hanna Havrylets (1858-2022) a une place particulière dans ce programme. Elle est une victime directe de l’agression russe contre l’Ukraine car elle mourut au 3e jour de la guerre. Le Vivere String Quartet propose son bouleversant morceau To Mary qui a été composé en 2019. Impossible de ne pas rester insensible à ce qui est sans doute le plus beau titre de l’album. Un second morceau d’Hanna Havrylets, Expressions, vient conclure l’enregistrement. Écrit en 2004, de facture plus moderne et minimaliste, Expressions étire sur plus de 9 minutes quelques notes répétées, avec des accélérations, des suspensions, donnant à ce singulier titre une tension palpable.

Grâce à ce passionnant et riche album, le Vivere String Quartet propose l’un des plus beaux hommages à un pays qui a bien besoin de l’art et de la musique pour défendre sa culture et son âme. Bravo !

Vivere String Quartet, Prayer for Ukraine, Phenotypic Recordings, 2024
https://www.facebook.com/viverequartet
https://www.phenotypicrecordings.com/vivere-string-quartet

Voir aussi : "Bach, suites"
"Guerres et paix"

Crédit photo © Eric Cheng

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En cette année Fauré (le compositeur français est mort en novembre 1924), pour quelques jours encore, il n’est pas trop tard pour s’intéresser à un délicat album du duo formé par Jacques Herbillon, décédé en 2023, et Théodore Paraskivesco. Le regretté baryton et le pianiste franco-roumain proposent un programme de mélodies et de chansons, complétées par L’Horizon chimérique op. 118.

Ne nous arrêtons pas, dit en substance le livret du disque, sur l’allure bonhomme de Gabriel Fauré et de ses œuvres d’une simplicité parfois austère. En réalité, le caractère bien trempé de l’auteur du célèbre Requiem était notable. Quant à ses mélodies, elles étaient goûtées et chantées avec bonheur dans l’Europe entière, y compris en Belgique, en Allemagne ou Angleterre où l’on s’en délectait particulièrement.

Voilà pourquoi cet album proposé par  Jacques Herbillon et Théodore Paraskivesco est essentiel. Les deux musiciens mettent un point d’honneur à sortir de dessous les fagots des chansons et des mélodies à la facture musique française bien assumée.

Le compositeur s’appuie sur les textes d’écrivains parfois connus (Victor Hugo, Paul Verlaine, Théophile Gauthier, Sully Prudhomme, Leconte de Lisle, Villiers de l’Isle Adam), parfois moins (Raymond Bussine, Paul de Choudens, Armand Sylvestre, Victor Wilder, Jean Richepin, Jean de la Ville de Mirmont).

Les compositions de Fauré et les interprétations de Jacques Herbillon et Théodore Paraskivesco laissent à entendre le raffinement, y compris dans les poèmes les plus sombres (le poignant Au cimetière) et romantiques. Que l’on pense à L’Absent de Victor Hugo ("— Sentiers où l'herbe se balance, / Vallons, coteaux, bois chevelus, / Pourquoi ce deuil et ce silence ? / — Celui qui venait ne vient plus...").

Le post-romantisme finissant est à l’œuvre dans ces chansons souvent brèves (elles dépassent rarement les trois minutes) et aux titres évocateurs : Aubade, Tristesse, Sylvie, Chanson d’amour. Fauré est un compositeur dont le travail harmonique a pu sembler décalé à la fin de sa vie, avec le surgissement du modernisme en musique. Une considération vite oubliée, tant le travail sur les mélodies continue à impressionner (Après un rêve ou le somptueux Noël). 

Le travail de Gabriel Fauré sur les mélodies continue à impressionner

L’auditeur s’arrêtera sur le mystérieux et parnassien poème de Sully Prudhomme, Ici-bas ("Ici-bas tous les hommes pleurent / Leurs amitiés ou leurs amours / Je rêve aux bonheurs qui demeurent / Toujours..."). Fauré le met en musique avec le tact artistique dont il est habitué, sans ostentation. On peut aussi parler de légèreté dans certains morceaux (Chanson d’amour), voire d’onirisme – et parnassien (La Fée aux chansons, Aurore, Le pays des rêves). N’oublions pas non plus l’orientalisme du poème Les Roses d’Ispahan ("Les roses d'Ispahan dans leur gaîne de mousse, / Les jasmins de Mossoul, les fleurs de l'oranger / Ont un parfum moins frais, ont une odeur moins douce, / O blanche Leïlah ! que ton souffle léger...").

L’un des morceaux phares de ce programme est la mise en musique du Clair de lune de Verlaine, tiré des Fêtes galantes ("Votre âme est un paysage choisi / Que vont charmant masques et bergamasques / Jouant du luth et dansant et quasi / Tristes sous leurs déguisements fantasques..."). Fauré s’approprie les vers du poète français avec la délicatesse, la grâce et la simplicité qu’on lui connaît. Le piano de Thédore Paraskivesco déroule avec la même discrétion, tandis que Jacques Herbillon s’interdit toute effusion et choisit la pudeur et la retenue. Verlaine est encore présent dans ces Mélodies de Fauré avec son fameux Spleen ("Les roses étaient toutes rouges / Et les lierres étaient tout noirs. / Chère, pour peu que tu ne bouges, / Renaissent tous mes désespoirs. / Le ciel était trop bleu, trop tendre, / La mer trop verte et l'air trop doux. / Je crains toujours, - ce qu'est d'attendre ! / Quelque fuite atroce de vous. / Du houx à la feuille vernie / Et du luisant buis je suis las, / Et de la campagne infinie / Et de tout, fors de vous, hélas !").

Encore et surtout Verlaine avec La Bonne Chanson. Du recueil éponyme du poète parnassien, Fauré en a tiré neuf mélodies. Là encore, les chansons sont courtes (la plus longue fait un peu plus de trois minutes). Le compositeur français a dédié son œuvre à sa maîtresse Emma Bardac. Il est vrai que l’esprit romantique plane sur ces morceaux délicats mais non moins torturés ("J'allais par des chemins perfides, / Douloureusement incertain. / Vos chères mains furent mes guides").

L’Horizon chimérique op. 118 vient clore cet album émouvant. Émouvant car, en plus d’être un hommage à Gabriel Fauré, il constitue un testament musical de Jacques Herbillon. Ce  cycle de mélodies est constitué de quatre mélodies écrites à la fin de sa vie, sur des poèmes de Jean de la Ville de Mirmont. Fauré fait ici de touchants adieux, avec toujours cette économie de moyens (Je me suis embarqué, Vaisseaux, nous vous aurons aimés). 

Gabriel Fauré, Mélodies, Jacques Herbillon (baryton) & Thédore Paraskivesco (piano),
Indésens Calliope, 2024
https://indesenscalliope.com/boutique/faure-melodies

Voir aussi : "Élégies pour Fauré"

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Les Suites anglaises de Bach font partie des chefs d’œuvre archi-enregistrés mais, comme on le dit, on revient toujours à Bach, tant chaque écoute apporte son lot de surprises supplémentaires. Pour cet album d'Accentus consacré aux Suites anglaises, c’est la discrète, anti-star et formidable pianiste chinoise Zhu Xiao-Mei qui se colle à l’exercice.

Mais au fait, en quoi ces Suites sont-elles anglaises ? L’explication est floue et matière à interprétation. Elles ne sont certes pas plus anglaises que ces deux autres suites pour clavier sont françaises ou italiennes… Disons juste que, vraisemblablement, le compositeur allemand s’est inspiré de suites composées vers 1701 par le musicien français installé à Londres, Charles Dieupart (source : Wikipédia https://fr.wikipedia.org/wiki/Suites_anglaises). Zhu Xiao-Mei elle-même s’interroge sur la date de conception de ces suites, écrites sans doute assez tôt dans la carrière du Cantor de Leipzig.

La virtuosité et la technicité frappent dès les premières notes, celles précisément de la Suite n°3. Oui, la troisième Suite, car la pianiste n’a pas choisi l’ordre le numérotation pour son coffret. Le premier disque commence par la n°3, avant d’enchaîner sur la première puis la deuxième. Le deuxième CD opte, lui, pour les Suites n°5, 4 puis 6.

Au clavier, se trouve l’exceptionnelle pianiste Zhu Xiao-Mei qui, après des années de souffrance en Chine, s’est installée depuis les années 80 en France où sa notoriété d’est allée qu'en grandissant. Elle est familière de l’œuvre de Bach dont elle a jouée l’essentiel – même si le concept d’intégral lui est "étrangère", comme elle le dit dans le livret de ce coffret proposé par Acentus. Après plusieurs déconvenues, dont l’une due à la pandémie du Covid, l’enregistrement a été fait en juin 2022 à la Chapelle de Saint-Antoine de Névache dans les Hautes-Alpes.

Et si Jean-Sébastien Bach était plus mélodiste qu’on ne veuille bien le dire ?

Les Suites anglaises de Bach (BWV  806 à 811) suivent grosso modo la même disposition : Prélude, Allemande, Courante, Sarabande, Gigue, avec parfois d'autres mouvements de danses traditionnelles – Menuet, Passepied, Gavotte et Bourrée. De là vient sans doute l’irrésistible attraction de ces suites.

Et si Jean-Sébastien Bach était plus mélodiste qu’on ne veuille bien le dire, à l’image du Prélude de la Suite n°3 ? L’image d’un Bach "cérébral" – bien présent par exemple dans le long et passionnant Prélude de la Suite n°2 ou encore le Prélude de la Suite n°4 – est à relativiser à l’écoute de cet hypnotisant coffret, y compris lorsqu’il s’agit de mouvements aussi populaires pour l’époque que la gavotte (Gavotte I de la Suite n°3, Courante, Gigue de la Suite n°2 ou la Gigue de la n°4). L’auditeur sera frappé par la délicatesse que met Zhu Xiao-Mei dans l’interprétation de l’Allemande ou de l’envoûtante Sarabande dans la Suite n°1.

L’auditeur retrouvera avec plaisir ce "tube" qu’est la Sarabande de la deuxième Suite, à la construction harmonique incroyable et qui vient attester les propos de Zhu Xiao-Mei sur le génie mélodique qu’était Bach. On pense aussi au Prélude de la Suite n°5 dont Zhu Xiao-Mei s’empare avec autorité. La retenue de l’interprète dans la Sarabande de la même Suite est bouleversante. Les notes se détachent avec délicatesse et une pudeur infinie. Bach surprend, y compris là où on ne l’attend pas. Pour s’en convaincre, il faut écouter les Gavottes I et II de la sixième Suite. On devine le plaisir de la pianiste dans ces deux mouvements faussement légers et réellement piégeux. Terminons par cette dernière Suite et sa Gigue endiablée et incroyablement moderne.

Voilà qui finit de nous convaincre que, comme le dit Zhu Xiao-Mei, ces Suites anglaises ne sont pas des œuvres "comme les autres".

J.S. Bach, The English Suites, Zhu Xiao-Mei, piano, Accentus Music, 2024
https://accentus.com/discs/428
https://www.zhuxiaomei.com

Voir aussi : "La Bohême, la Bohême"

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Saluons pour commencer le joli travail de prise de son de cet album qui, contrairement à son titre et à sa facture musicale, vient bien de chez nous. Louis Durdek, songwriter français, chanteur et guitariste, sort son premier opus, avec déjà un univers et une patte bien identifiés : la pop-folk en héritage américain.

Dès les premières notes à la guitare de The Long Way, hymne à la liberté, au voyage et au départ, nous sommes en terrain conquis. Le goût de l’aventure et du trip, Louis Durdek l’a sans nul doute au cœur… et aux tripes. "Je ne changerai jamais mon mode de vie / Même pour les mines d’or du roi Salomon", chante-t-il dans le titre éponyme de son album ("I wouldn’t change this life of mine / Not even for the gold of Solomon’s mines", Unnamed Road).

Les routes – inconnues – le baluchon à l’épaule, le premier train du matin, un vieux pick-up. Nous sommes dans un album largement dominé par les grands espaces et le goût de l’aventure, avec l’horizon comme objectif (The Horizon), même si ce fil rouge qu’est le voyage peut avoir son lot de mélancolie et de douleurs (Road Of Sorrow) mais tellement nécessaire pour être libre ("A long way to go / For us to be free / So won’t you take me to all / All of our wild destinations?",  All of Our Wild Destinations).

Nous sommes dans un album largement dominé par les grands espaces et le goût de l’aventure

Il y a du Nick Drake dans la délicatesse déchirante d’un morceau comme "M. & Mrs D". Ici, le folk est mâtiné de pop, mais avec toujours le choix de l’acoustique. Acoustique encore avec le joli duo blues Holy Waters.

L’album se termine avec In My Heart Grows A Tree, singulier et déchirant titre mêlant folk, pop et sons traditionnels indiens. Mélancolique, Louis Durdek y chante la tristesse, la mémoire, les racines mais aussi la recherche d’une terre promise.

Unnamed Road signe l’arrivée d’un artiste dont il faudra absolument suivre la carrière. Toute la question est de savoir quelle route il prendra. Folk, pop ou autre chose ?  

Louis Durdek, Unnamed Road, 2024
https://www.facebook.com/louisdurdekmusic
https://www.instagram.com/louisdurdek

Voir aussi : "On ne meurt pas deux fois"
"Un sacre pour Bobbie"

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Derrière le titre Deep Forest se cache l’album du Quatuor Akilone consacré à Antonin Dvořák. Les quatre musiciennes ont jeté leur dévolu sur le Quatuor à cordes n°14 en la bémol majeur, B. 193, op. 105 et Les Cyprès B.152, deux œuvres représentatives du compositeur tchèque, en dépit du fait que l’on retienne surtout du compositeur ses célèbres symphonies, dont celle du Nouveau Monde.

Voilà donc un autre champ de découverte. La patte de Dvořák frappe immédiatement aux oreilles : sens de la mélodie, densité et un  mélange de subtilité et de fougue.  

Avec Dvořák, on ne s’ennuie jamais, et l’on est d’autant plus séduit par le jeu des quatre concertistes (Magdalena Geka et Élise De-Bendelac au violon, Perrine Guillemot-Munck à l’alto et Lucie Mercat au violoncelle) qui sont allées jusqu’en République tchèque pour s’imprégner de l’atmosphère de ce pays magique.

C’est toute l’âme du pays qui transparaît dans le Quatuor à cordes n°14, écrit en 1896 aux États-Unis et pensé comme un voyage dépaysant en Bohême (premier mouvement Adagio ma non troppo – Adagio appasionato). Le compositeur a choisi un tempo rapide (Molto vicace) pour le deuxième mouvement. Puisant ses influences dans la tradition musicale tchèque, l’œuvre s’en détache avec bonheur et un certain enthousiasme.

On ne dira jamais assez que Dvořák a été pour la fin XIXe et le début XXe siècle, un musicien européen phare du classicisme. La preuve avec le troublant et poignant troisième mouvement Lento e molto cantabile, laissant de larges places aux pauses, aux suspensions et aux silences. Le 14e Quatuor se termine par un étrange mouvement, Allegro ma non troppo. Une danse envoûtante, et aussi inquiétante aux entournures (le formidable violoncelle de Lucie Merlat), guide cette dernière partie s’éloignant peu à peu de la nuit pour aller vers l’apaisement, pour ne pas dire la lumière. 

Une œuvre que le compositeur n’a eu de cesse remaniée tout au long de sa vie

La deuxième partie du programme est consacrée à une pièce de jeunesse rare de Dvořák. Les Cyprès (Cypřiše) est une œuvre que le compositeur n’a eu de cesse de remanier tout au long de sa vie. Les membres du Quatuor Akilone ne cachent pas leur amour pour cette œuvre peu connue et inspirée de poèmes de Gustav Pfleger Moravský. Ceci explique la présence de ces Cyprès dans leur album, inspirant en outre le titre de l'album et ses forêts profondes. Au passage, impossible de ne pas parler de l’engagement environnemental du quatuor. Sensible à ces questions, il est membre du réseau ARVIVA.

Dvořák tire 12 mélodies somptueuses pour lesquelles il a toujours eu un attachement singulier. Dans le livret du disque, Tristan Labouret s’interroge d’ailleurs sur cette œuvre tellement aimée du compositeur : "Pourquoi donc cet éternel retour à ce cycle de jeunesse ?" Ce n’est certainement pas l’idée d’un succès commercial puisque Les Cyprès ne seront jamais publiés du vivant du musicien. Pourquoi pas une histoire d’amour – non-réciproque – avec la belle-sœur du compositeur ? Peut-être si l’on en croit les titres de plusieurs mélodies : "Je sais que mon amour pour toi" (Já vím, že v sladké naději), "Quand tes doux regards tombent sur moi" (V té sladké moci očí tvých) ou encore "L'amour ne nous mènera jamais à cette fin heureuse" (Ó, naší lásce nekvete to vytoužené štěstí). Mais la réponse est sans doute est à la fois plus simple et plus personnelle, dit en substance le texte du livret. Dvořák voyait dans Les Cyprès le retour à son enfance, à l’insouciance et à la liberté.

D’ailleurs, cette légèreté et cette paix est bien transcrite par les quatre musiciennes du quatuor. Le romantisme finissant (Les Cyprès ont été écrits à partir de 1887) donne à ces mélodies une facture immédiatement envoûtante, comme si elles semblaient hors du temps et hors de toute géographie réelle. C’est une forêt transfigurée qui se donne à entendre ("Dans la clairière la plus profonde de la forêt, je me tiens", Zde v lese u potoka). La pureté de ces lignes mélodiques expliquent en même temps qu’elles justifient que Dvořák y ait consacré de longs moments. Le Quatuor Akilone les délivrent avec la même grâce.

C’est d’autant plus somptueux qu’elles ont été aidées par la superbe prise de son de Ken Yoshida lors de l’enregistrement à l’église de Nanteuil-sur-Marne à l’automne 2023.

Dvořák, Deep Forest, Quatuor Akilone, Klarthe, 2024 
https://quatuorakilone.com
https://www.klarthe.com
Concerts en France : le 17/12/2024 à Roubaix (59) - Concerts de Poche, le 16/01/2025 à Paris,
Fondation Singer-Polignac (sur invitation) et le 31/01/2025 à Menetou-Râtel (18)

Voir aussi : "Hanni Liang et les voix (féminines) du piano"
"Trio percutant"     
"Élise Bertrand, ultra moderne romantique"

Crédit photographique : © Hubert Caldaguès - Photoheart

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Fascinant, culotté et exceptionnel que l’album Alliages, le premier du Trio Xenakis. Il a été enregistré en public le 15 décembre 2023 au studio de l’Orchestre National d’Île-de-France à Alfortville. Comme son nom l’indique, le Trio Xenakis nous emmène tout droit dans l’univers de la musique contemporaine. Adélaïde Ferrière, Emmanuel Jacquet et Rodolphe Théry, tous trois aux percussions, proposent un programme constitué de pièces représentatives de compositeurs actuels ayant tous en commun d’avoir bousculé l’espace sonore et de faire de la musique un matériau brut se permettant toutes les audaces.

Prenez la première pièce, 24 Loops de Pierre Jodlowski. Il donne à écouter ici un ensemble de séquences s’empilant (le compositeur français parle "d’écriture cumulative"), donnant à cette pièce de 2007 une série de pulsations singulièrement vivantes – et non-dénuées d’humour.

Autre compositeur français vivant, Philippe Hurel est présent dans ce programme avec Ritual Trios, datant de 2018, composé de "trois miniatures", comme le dit le musicien. Derrière l’apparent désordre sonore, Philippe Hurel propose trois pièces à l’écriture fine et épurée. À la facture orientalisante du Ritual Trio I succède une élégante ronde semblant rendre hommage à l’enfance (Ritual Trio II). La dernière miniature fait, elle, une large place au silence et à la méditation. Les rythmiques s’effacent, les sons s’éclaircissent et l’apaisement vient (Ritual Trio III).   

Le Trio Xenakis démontre tout son savoir-faire dans l’art de construire des architectures sonores riches et vibrantes

Plus connu, Steve Reich est présent dans un de ses exemples de musique répétitive, caractéristique dès les premières secondes. Marimba Phase a été écrit en 1967. Un morceau déjà ancien, donc, mais qui n’a pas pris une ride. Le Maître américain fait se succéder des séquences harmoniques sur plus de 17 minutes. La répétition n’est qu’apparente car, au fur et à mesure de la progression, des déphasages et des changements parfois infimes se produisent dans le rythme, donnant toute sa saveur et son intérêt à cet opus phare du courant minimaliste américain. Plus récent (1994), Nagoya Marimbas utilise des sons japonais (elle a été commandée et créée en 1994 pour l’inauguration d’une salle du conservatoire de musique de Nagoya), au service du même langage répétitif.

Restons au Japon avec Yoshihisa Taïra (1937-2005), compositeur nippon naturalisé français. Trichromie, composé en 1992, ce sont les percussions au service d’un langage à la fois actuel et ancestral. Le Trio Xenakis, qui ne cache pas son amour pour cette pièce, s’en empare avec une énergie mystique. Yoshihisa Taïra prouve que la création contemporaine n’est surtout pas un genre tournant le dos au passé. Bien au contraire, elle s’y nourrit et y trouve même de nouvelles formes de langages sonores.

Iannis Xenakis (1922-2001) ne pouvait pas ne pas être présent dans ce premier album d’un trio qui a choisi de se baptiser sous son nom. Précisions aussi que b.records propose avec le livret de l’album la reproduction d’une estampe du compositeur grec. Okho, écrit en 1989, autre œuvre emblématique du trio français, est joué ici sur des djembés. Cela donne à cet opus une puissance tribale incroyable. Là encore, le Trio Xenakis démontre tout son savoir-faire dans l’art de construire des architectures sonores riches et vibrantes.

Clapping Music : quelle autre œuvre que celle-là pouvait conclure ce programme de musque contemporaine ? Steve Reich, de nouveau présent ici, fait de ce gimmick sonore popularisé dans les stades de football une singulière œuvre reprenant sa grammaire minimaliste. Tout à fait fascinant, d’autant plus que l’album est servi par une prise de son impeccable, en particulier dans les trois œuvres de Steve Reich.

Alliages, Trio Xenakis, b•records, coll. Trio Xenakis, 2024
https://www.b-records.fr/alliages
https://www.facebook.com/trioxenakis/?locale=fr_FR
https://www.singer-polignac.org/fr

Voir aussi : "Touchés !"
"Hanni Liang et les voix (féminines) du piano"

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