Qu’on ne s’y trompe pas : l’album Symphony de Jean-Michel Pilc est, contrairement à ce qu’indique son titre, une suite de solos de piano. Et, à vrai dire, les influences de l’album seraient plus à chercher du côté du jazz que du classique, à l’instar de "Leaving", qui ouvre l’album.

L’opus est né lors d’une séance d'improvisation en solo en 2021 au studio OJM au Portugal. "Juste après l’enregistrement de l'album Contradictio du saxophoniste espagnol Xose Miguelez, j’ai été inspiré par les conditions parfaites des studios OJM au Portugal - un magnifique Steinway, une acoustique et des paramètres techniques parfaits. J'ai alors décidé qu'il était temps de faire une session ‘mémorable’ dans le cadre de mon projet solo", confie le musicien. C’est dans ce climat de totale liberté que s’exprime le mieux le prolifique et inclassable pianiste. Qu’il est justement nommé son album "Symphony" prouve s’il en était besoin que l’artiste est autant facétieux que hors- cadre. 

Jean-Michel Pilc fait de son opus une pérégrination aventureuse, assumant complètement le goût pour la découverte, les influences contemporaines et l’improvisation ("Discovery").  La sensibilité du musicien est évidente dans "The Encounter". La retenue et le choix de la mélodie donnent à ce morceau une facture romantique, à telle enseigne que le morceau aurait complètement sa place dans le répertoire classique ou dans une BO de film.

Le pianiste revient dans "First Dance" à ce qui est le cœur de son opus : le jazz. Mais c’est un jazz  à la fausse coolitude, traversé de passages où la virtuosité de Jean-Michel Pilc s’exprime.  "Just Get Up" sort des sentiers battus avec le choix de sons contemporains où s’exprime une forme de douleur, comme un appel vibrant et brutal à se relever. 

Symphony ressemble à un chaînon manquant entre jazz, classique et contemporain

Né à Paris et aujourd'hui citoyen américain, Jean-Michel Pilc a joué avec de nombreux géants du jazz tels que Roy Haynes, Michael Brecker, Dave Liebman, Jean Toussaint, Marcus Miller, ou John Abercrombie.

Symphony ressemble à un chaînon manquant entre jazz, classique et contemporain. C’est d’autant plus évident dans la composition "Way To Go" qui désarçonnera forcément – mais qui séduira et passionnera tout autant. 

Jean-Michel Pilc connaît tout autant ses classiques. Que l’on pense au délicat "Understanding" ou à l’étonnante et légère valse "Waltz For Xose", dont les lointaines inspirations de Bach émergent, mais c'est un Bach qui se serait catapulté dans un jazz-club de New York City. Voilà qui fait de ce morceau une des plus belles réussites de l’album.

De là à dire que Jean-Michel Pilc renie son univers jazz ? Non. La preuve avec le cool "Not Falling This Time" où l’improvisation se fait reine, ou encore cet autre morceau en forme de promesse : "I’ll Be Bach", dont l’orchestration symphonique ferait à coup sûr merveille. Grandiose ! Du très grand Pilc !

Jean-Michel Pilc, Symphony, Justin Time Records, 2023
https://jeanmichelpilc.com
https://www.facebook.com/jeanmichel.pilc.5

Voir aussi : "Jordane Tumarinson et les petites histoires de son enfance"

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Voilà une des plus étonnantes résurrections du rock français. Au début des années 90, un artiste inconnu se faisant appeler BT93 envoie, sous format K7, la maquette d’un album à plusieurs maisons de disque indépendantes. Le projet se heurte à des refus polis mais, très vite, ladite maquette commence à se faire connaître en dehors de tous les circuits traditionnels (nous sommes quelques années avant le développement de l’Internet et, évidemment, les réseaux sociaux n’existent pas). L’album BT93 devient culte mais le musicien – qui chantait "La hiérarchie chie" – se range des voitures.

Après un revival en 2020 de son album éponyme (réédité grâce à Frédéric Lo), revoilà BT93 – alias Bernard Tanguy, ex-cadre à La Défense, puis entrepreneur avant de devenir cinéaste primé – de retour avec BT2023.  Sainte Victoire a réalisé l’opus et s’est chargé, en collaboration avec le principal intéressé, des chœurs, des synthés et des arrangements.

Dès l’ouverture, le titre "BT93", autoportrait musical, on se trouve projeté au début des années 90 : les synthés, les rêves de carrière musicale, le travail de bureau et une tenace impression d’avoir été pris au piège : "’La hiérarchie chie’ je l’ai dans le baba / J’ai créé ma boîte la hiérarchie c’est moi".  

Est-ce à dire que BT93 a enterré ses espoirs ? Non, répond il, ça mettra un peu plus de temps qui assume avec fierté son pseudo, tout en assumant son  parcourt : "Il manque une dimension aux artistes qui n’ont jamais bossé dans un bureau". Dans un talk-over très eighties, "Où sont les puristes ?", "Où sont les altruistes ?" interroge le musicien qui se fait défenseur des poètes, des humanistes et des rêveurs – en un mot des vrais artistes – dans un monde qui semble ne pas fait pour eux ("Les altruistes").

"Il manque une dimension aux artistes qui n’ont jamais bossé dans un bureau" 

Avec "Sentiment vague", nous sommes dans un son lo-fi résolument ancré dans la première moitié des années 90. BT93 chante la mélancolie ("C’est un trait qui nous unit") et l’amour tout sauf mièvre et tendre. Plutôt âpre et sans concession. Encore plus touchant et personnel, "Les doigts de la main » est une déclaration d’amour passionnée et une confession de la part d’un "pauvre quinca ado qui déraille". L’auditeur gouttera avec plaisir un morceau pop influencé par des sons country.

Plus léger et joyeux, l’instrumental "Festival" peut s’écouter comme les réminiscences d’un de ces festivals pop-rock dont l’ouest de la France est si friand.

À côté du titre engagés et sans concession "CNC", "François I miss you" est la contribution d’un cinéaste (Parenthèse en 2016) pour François Truffaut. BT93 égraine ses films et ses personnages mythiques, dont évidemment François Doisnel. Il est toujours question cinéma avec le titre "Le boulet de l’art et essai" qui retrace le parcours sans concession de Bernard Tanguy, après dix ans dans ce milieu et la création de courts-métrages primés (un Grand Prix Unifrance et un César, tout de même).

Poète et artiste gothique, BT93 l’est assurément. Pour preuve, le titre très fin de siècle "Mauvais rêve", sur un son pop là encore très années 80, avec un son synthétique et la voix de Sainte Victoire, hantant cet étrange morceau.

Le rock est omniprésent dans "BT2023", à l’instar du météporite "Ventemiglia Despair". L’auditeur saluera le travail sur le texte, ode à la liberté et à l’insouciance, mis en valeur par le parlé-chanté de BT93 et les chœurs aériens de Sainte Victoire.

L’album se clôt avec un séduisant et mélancolique duo avec Sainte Victoire ("Tu m’as aimé"). Voilà qui conclue de la plus belle manière le deuxième opus d’un artiste à la carrière passionnante. 

BT93, BT2033, Dragon Accel / Modulor, 2023
https://www.facebook.com/BT93.music
https://www.instagram.com/BT93.music

Voir aussi :"BT93 ou le miracle d’une résurrection"

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Homme des années 80 comme il le chante lui-même ("80’s Born"), Guillaume Léglise frappe un grand coup avec son album, son premier véritable opus solo, Autofictions.

Sa voix grave et chaleureuse, aux lointains airs de Jean-Louis Murat, s’appuie sur une musique sophistiquée à souhait d’un dandysme attrayant et évidemment autobiographique, comme l’indique le titre de l’opus. "Je voulais faire de chacune de mes chansons des récits scénarisés, des histoires de rencontres, de séparations, d’amours heureux ou contrariés. Chaque histoire pouvant se suffire à elle-même ou être écoutée comme un puzzle, se répondant les unes aux autres. Pour chaque titre j'ai cherché une orchestration et des sonorités qui bousculeraient le format « chanson française »", commente ainsi le chanteur.  

En parlant d’artistes emblématiques des eighties, il y a du Serge Gainsbourg mais aussi du Alain Chamfort dans cette manière de chanter l’érotisme avec classe, à l’instar de "Prononce mon nom", en duo avec Lisa Li-Lund : "Fais-moi rougir, en public ou dans le noir / Un sourire, une main ou un mot / Qu’on n’oublie pas". 

Sophistiqué, dandy, sensible et sensuel

Impossible non plus de ne pas citer cet autre morceau, "L.O.V.", en forme de confession sur une rencontre et un coup de foudre : "Ce moment si brûlant" serait-il "la grande histoire" ? Guillaume Léglise s’interroge, grâce à une pop aussi séduisante que cette fille croisée par hasard : rythmique impeccable, trouvailles sonores étranges et cette belle voix envoûtante. Dandy dans l’âme, Guillaume Léglise n’hésite pare certains morceaux d’une noirceur éclatante ("Monde incandescent").

Oui, Guillaume Léglise a tout pour séduire, dans sa pop chatoyante et amoureuse et mélodieuse ("Elle"), tout en proposant un album intime dans lequel l’auteur, compositeur et interprète avoue paradoxalement sa difficulté à "trouver les mots" pour parler d’amour ("Les mots").

Cléa Vincent l’accompagne dans cette douce et aventurière ballade dans "Les dunes". La délicate et aérienne voix de la chanteuse parisienne donne à ce titre plus nineties qu’eighties une fraîcheur indéniable à écouter en voiture – en balade, bien entendu.

Guillaume Léglise fait le choix du talk-over dans "Flashback", une suite de pérégrinations sentimentales en de flash-back à la fois nostalgiques et tendres ("Je me souviens de tout… Je me souviens de vous") mais aussi de sons eighties ("À la lueur de l’eau").

Sophistiqué, dandy, sensible et sensuel, Guillaume Léglise offre avec Autofictions un peu de son univers et de son talent, jusqu’à cet ultime titre bref, "Les rives du lac", qui pourrait s’écouter comme un hommage planant aux romantiques du XIXe siècle, comme si Lamartine s’était transporté en 2023.

Guillaume Léglise, Autofiction, La Tebwa, 2023
En concert le 05/04/2023 au Popup du Label / Paris
https://www.facebook.com/guillaumeleglisemusique

Voir aussi : "Il se passe quelque chose avec Auren"
"Ex-pop"

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Loulia aime à se présenter comme une troubadour des temps modernes. Et pourquoi pas ?

Son premier single en français, "Loin", accompagné d’un clip d’Hicham Touili-Idrissi, nous présente le portrait d’une femme et artiste libre, romantique et écorchée vive, se mettant en scène au fil de voyages, de rendez-vous et de dates.

"Loin" est surtout une confession sur un amour disparu, renvoyant universellement à tous les amours : "Les gens m’énervent lorsqu’ils sont là trop longtemps / Mais toi je te voudrais près de moi plus souvent / J’imagine une histoire où tu t’en vas pas", chante la musicienne originaire de Charente et qui est passée par la Corée du Sud et Berlin.

"Loin" est né d’un sentiment d’urgence. Assise dans un café de Séoul, Loulia se languit de cet être aimé qui n’est plus là. Il n’est pas mort, il est quelque part, ailleurs et si loin. Les rendez-vous et les dates se succèdent, mais à quoi bon ?

La rencontre, la recherche de l’amour, les difficultés à se comprendre : Loulia se dévoile sans calcul dans un clip filmé aussi authentique que l’artiste. Une jolie découverte, assurément.

Loulia, Loin, 2023
https://www.instagram.com/loulia_officiel
https://www.tiktok.com/@loulia_officiel
https://twitter.com/Loulia_Officiel

Voir aussi : "Joolsy dans l’espace et sans stress"

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Nous avions parlé sur Bla Bla Blog de Lina Stalyte (Lina Štalytė dans le civil) et de sa pop délicieusement vintage.

La Parisienne d’adoption célèbre la sortie de son premier album Summer Nights avec un concert au Triton, ce jeudi 23 mars 2023.

Voilà une occasion de découvrir cette chanteuse proposant un univers musical mêlant pop, R&B, soul et jazz.

On ne peut que conseiller de se précipiter vers la salle du Triton à côté de la Mairie des Lilas.

Lina Stalyte, le 23 mars Au Triton, concert de sortie d’album Summer Nights
https://www.facebook.com/linastalyte
https://www.instagram.com/linastalyte
https://letriton.fnacspectacles.com

Voir aussi : "Lina Stalyte, délicieusement Vintage"

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Auren, de retour avec un nouvel album, Il s’est passé quelque chose. Elle propose une chanson française hyper pop, à la fois urbaine et électro, à l’instar du titre "Au bord de la nuit", moins noctambule que le récit d’une insomnie remplie d’"idées noires". Ah, qui n’a pas ressassé et refait son film : "Si j’avais su, j’aurais dû, j’aurais pu… et le réveil qui n’avance pas" !

Auren se dévoile dans ce nouvel opus, avec un mélange d’authenticité et de sophistication dans la facture. Citons "Davantage", une déclaration d’amour faite d’attente, d’envies, de désirs ("Je te veux davantage / Débordant et sauvage"), avec l’insatisfaction au bout du compte : "Et personne à ma porte / Que le diable m’emporte".

"Je m’enfonce" peut s’écouter comme une confession dans lequel Auren assume non sans humour grinçant son esprit cash, mais sans doute est-ce pour mieux se dissimuler  : "J’altère et je déguise mes sentiments / En réponse on ne sait pas qui je suis… "Ma bouche est un crime presque parfait… J’avoue, j’avoue je m’en fous".

La pop d’Auren balance entre son des eighties, slam, électro bricolée et vraie ambition musicale

Dans Il s’est passé quelque chose, on a plaisir à retrouver Jeanne Cherhal, dans un duo complice, revivifiant et non sans sensualité. C’est le morceau "Vivante" : "Vois-tu comme je suis vivante / Vois-tu comme j’ai faim en moi / As-tu peur de ça dis-moi". Auren avait envie d'écrire une chanson qui considère vraiment la femme comme celle qui se connaît, qui aime, qui ressent, qui a faim… Et ce fut une évidence pour elle d’inviter Jeanne Cherhal (précurseuse en la matière) à partager ce titre.

À l’instar du morceau "Il s’est passé quelque chose", la pop d’Auren balance entre son des eighties, slam, électro bricolée et vraie ambition musicale. "Il s’est passé quelque chose" répète l’artiste dans l’un des titres les plus intéressants de l’album : engagement, féminisme, coups de colère.

L’opus d’Auren peut se lire évidemment comme le portrait d’une femme avec ses espoirs, et ses désirs et toutes ses fragilités (le poétique et lumineux "Avec des si"). Elle ne cache pas plus ses douleurs, ses regrets et ses appels (le sophistiqué "J’ai eu mon heure"). L’influence musicale des années 90 est évident à l’écoute de l’intime et amoureux "J’te laisse aller".

"Monde fini", qui vient clore l’album, séduit par son choix d’une facture pop-folk enrichie de sons électroniques et de variations vocales. L’auditeur, attentif, saluera, ici comme ailleurs, la qualité d’écriture du texte ("J’ai trouvé la liberté avec les mots", confie-t-elle d’ailleurs). Oui, vraiment, il se passe quelque chose avec Auren.

Auren sera en concert à la Boule Noire à Paris le 27 mars 2023 et en tournée.

Auren, Il s’est passé quelque chose, Kuroneko, 2023
http://www.auren-officiel.com
https://www.facebook.com/aurenmusics
https://www.instagram.com/auren

Voir aussi : "Samuele met des paillettes dans sa vie"

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C’est une retrouvaille que propose Bla Bla Blog. Celle avec Sarah Mikovski. Et on a bien fait d’attendre.

La chanteuse est de retour avec "Le pôle nord", un single arrangé par David Donatien (l'arrangeur de Yael Naim). La qualité de ce nouveau titre saute aux oreilles de l’auditeur qui y écoutera avec émotion le récit d’un amour disparu.

Dans le clip, Sarah Mikovski plonge "dans les périlleuses glaces du remords". Cette fin du monde sentimentale, chantée sans pathos et avec une voix veloutée et délicate, vient singulièrement en résonance avec des considérations planétaires et universelles.

On gardera longtemps en mémoire les mots interprétés par Sarah Mikovski sur cet immense regret amoureux : "À quoi bon vivre en ce monde / Sans personne à mes côtés / Je n’ai pas eu la sagesse de te garder / Je n’ai pas eu la faiblesse de t’oublier". 

Sarah Mikovski, Le pôle nord, 2023
https://www.facebook.com/SarahMikovski
https://www.instagram.com/sarah_mikovski

Voir aussi : "Sarah Mikovski, douce et acide comme une Tête Brûlée"

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L’album consacré à la Salomé de Florent Schmitt est précédé d’une autre œuvre, Loïe, de Fabien Touchard, un hommage à la danseuse et chorégraphe américaine Loïe Fuller, dont la modernité et le travail sur les voiles lui a permis d’incarner une Salomé légendaire dans l’œuvre de Florent Schmitt.

Commençons donc par parler de cette Loïe, une œuvre de 2021 pour flûte et électroacoustique. Dans cette création de musique contemporaine, une place importante est laissée au silence ("Prologue") et aux vibrations mêlant le son acoustique de la flûte, comme venu des âges lointains et des percussions. Dans le deuxième mouvement de Loïe, modernité, classicisme et archaïsme se mêlent dans des élans tour à tour primaires, malheriens, avec une énergie brute semblant venir d’une chamane habitée. Le mouvement renvoie l'auditeur aux inventions sonores d'Igor Stravinski dans L'Oiseau de feu. Assurément, Fabien Touchard est un nom qu'il faudra retenir. 

Restons au XXe siècle avec l’œuvre principale de cet album, la pièce La Tragédie de Salomé, opus 50, de Florent Schmitt, composée en 1907 et pour laquelle Loïe Fuller a dansé sur scène, au service de ce rôle des plus sulfureux. On a quelque peu oublié ce compositeur, figure pourtant importante de la musique classique du XXe siècle, à l'instar de Fauré, Ravel ou Saint-Saëns.

La délicatesse et les mouvements soyeux et élégants éclatent dans ce drame muet en deux actes et sept tableaux mettant en musique un épisode du Nouveau Testament. Le travail mélodique apparaît presque comme un pied-de-nez et un défi, alors que les premières années du XXe siècle voyaient la musique s'ébrouer et revisiter ses fondamentaux (Schoenberg, Satie et – nous en parlions – Stravinski).

Salomé fait se rencontrer la séduction et le sexe avec la peur et la mort

Après un "Prélude" à la longueur singulière (plus de neuf minutes), le deuxième tableau fait le choix de l'expressivité. On imagine aisément les danseurs et danseuses – et en premier lieu Salomé/Loïe Fuller – évoluer sur scène. Le terme de musique de ballet prend tout son sens, d'autant plus qu'elle est servie par un orchestre - Les Apaches!- dirigé avec fraîcheur et nuance par Julien Masmondet.

Parler d'accent orientalisant n'est pas absurde si l'on parle d'une œuvre se déroulant autour du bassin méditerranéen et moyen-oriental. Rappelons que l'œuvre date des premières années du XXe siècle, à une époque où le colonialisme était triomphant. Florent Schmitt n'oublie pas ces respirations bienvenues ("Troisième tableau", les quatre préludes, "Les enchantements de la mer") entre des morceaux de bravoure non dénuées de sensualité ("Danse des perles"). Quelle autre personne légendaire n'est aussi attaché à la chorégraphie que, précisément, Salomé ? C'est là que le compositeur français se montre le plus inspiré, à dessein. Fidèle à l’histoire légendaire, Florent Schmitt égraine les danses comme la fatale Salomé dans son strip-tease diabolique : à la romantique "Danse des perles", succède une luxuriante et orientalisante "Danse du paon", une "Danse du serpent" tentatrice à souhait (rappelons que nous sommes dans un épisode biblique) et une "Danse de l’acier" mêlant sensualité, mystère et puissance.

Floerent Schmitt a fait le choix singulier d’attendre la fin de son œuvre – le "Chant d’Aïea" – pour faire intervenir la voix humaine, envoûtante et surnaturelle mélopée d’un peu plus de deux minutes. L’air est interprété par la soprano Sandrine Buendia dans cet enregistrement capté au Théâtre de l’Athénée-Louis-Jouvet en décembre 2021.

La Tragédie de Salomé se termine par les deux dernières danses, la "Danse des Éclairs" et la "Danse de l’Effroi", moins sensuelles que glaçantes et mortifères. Salomé fait se rencontrer la séduction et le sexe avec la peur et la mort pour cette mise en musique et en ballet d'un personnage secondaire de la Bible devenu un mythe.

Florent Schmitt, La Tragédie de Salomé et Fabien Touchard, Loïe,
Les Apaches!, dirigé par Julien Masmondet,
avec Marie Laforgue (flûte) et Sandrine Buendia (soprano), b.records, 2023
https://www.b-records.fr/la-tragedie-de-salome
https://www.ensemblelesapaches.com/l-ensemble
http://www.fabientouchard.fr

Voir aussi : "Amour, musique et nostalgie"

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