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Fishbach, est de retour avec un futur album, prévu pour février 2022.
On a hâte de découvrir l’opus de l’une des artistes les plus passionnantes de la scène française. Elle propose en cette fin d’année le premier extrait de son album à venir.
Le single "Téléportation" porte d’ores et déjà la marque de la musicienne : sa voix écorchée vive, son électro-pop tout droit sorti des années 80 et bien entendu ses textes tranchants.
Fishbach présente ainsi son projet musical : "Je suis absolument secrète, je vous assure. Je n’ai pas besoin d’interprètes, j’ai des chaussures".
Fishbach sera en concert à L’Olympia le 30 novembre 2022.
La chanteuse est de retour, cette fois en featuring avec Marius, pour son nouveau single, "Anonymes". Da sa voix cristalline, Caryn Trinca et Marius se font les porte-paroles de prisonniers oubliés, en Chine : le thème est suffisamment rare pour ne pas parler de ce single, porté avec conviction et talent.
"Anonymes" a été écrite par Caryn Trinca, composée et arrangée par Sébastien Debard. Elle illustre un duo particulièrement émouvant entre une mère et son fils et rendant hommage aux Ouïghours, un peuple opprimé en Chine. Sur ce fond d’actualité, Le titre raconte l’histoire fictive de deux anonymes dont les destins vont être liés malgré eux.
"Je Veux Naître" et "Anonymes", les deux singles déjà disponibles de Caryn Trinca, annoncent un album prévu en 2022, et réalisé par Sébastien Debard. Tout au long de l'album, les orchestrations extrêmement lyriques sont mises au service de la mélodie et de la voix aérienne de la chanteuse.
MASSTØ, c’est trois garçons : Thomas Orlent au chant et à la guitare, Timothée Poncelet aux percussions et Matthias Colombel à la basse. Une formation resserrée donc pour un premier EP en forme d’appel d’air. À vrai dire il souffle sur leur premier opus, Āpi, un grand vent de large. Celui du rock précisément, que ce soit "Misery", "Black Snake" ou "I’m Not Your Man Anymore".
Les trois musiciens français revendiquent leurs influences de l’autre côté de l’Atlantique : rock, blues et jazz. Prenez par exemple "Ocean". Ce titre pop et rock à la coolitude indéniable n’est pas sans renvoyer aux sons propres des années 80 que le Sting de Police n’aurait pas renié.
Guitares, batterie et voix sont utilisées avec une belle sincérité, sans l’utilisation de machines, d’ordinateurs ou de boites à rythme. "Nous sommes au carrefour du blues, de la soul, du rock et de la folk, sans trop savoir à qui vendre notre âme…", ont-ils expliqué en interview.
La voix de Thomas Orlent s’impose avec audace dans un EP aux couleurs yankees
"Woman" a même cette facture plus blues que pop-rock, avec un accent de gospel prononcé. Le trio commente ainsi ce chant amoureux : "Quand l'amour rend aveugle jusqu'au plus profond des entrailles. Quand le cœur a ses raisons que la raison ne connaît pas. S'échapper reste une solution. Mais lorsque les pensées dansent avec les démons, l’âme reste cadenassée dans une prison".
La voix de Thomas Orlent s’impose avec audace dans un EP aux couleurs yankees, à l’instar du blues "I’m Not Your Man Anymore". On trouve même du son et du rythme rockabilly dans "Misery". C’est ça, Āpi : de la belle mécanique, huilée et musclée à souhait, mais non sans noirceur, à l’instar du bien nommé "Black Snake".
L’album propose pour conclure un live : le rock et soul "Baby’s Gone", sombre et déchiré, prouvant que nos trois amis sont aussi bons en studio qu’en public.
C’est l’occasion de revenir sur la critique que j’avais faute en 2015 de l’opéra de Berg, un opéra disponible en DVD et Blu-Ray dans la version historique de Barbara Hannigan.
Extrait : Pour jouer Lulu, rôle phare de l'opéra le plus célèbre du XXe siècle, combien de sopranos auraient le coffre de s'y frotter ? Or, non content d'avoir relevé le gant pour la Monnaie de Bruxelles en 2012, Barbara Hannigan mérite de voir son interprétation devenir une référence légendaire.
Lulu, l'opéra dodécaphonique en trois actes d'Alban Berg (le dodécaphonisme étant cette technique inventée par Arnold Schoenberg donnant une importance comparable aux douze notes de la gamme chromatique, rejetant de fait toute tonalité), écrit en 1935 et resté inachevé par le compositeur (le troisième acte a été terminé par Friedrich Cerha), conte le destin de Lulu.
Celle que l'on nomme et surnomme également Eva, Mignon, Nelly ou Lilith est une beauté légendaire, une femme fatale, "un ange exterminateur" et "la putain la plus raffinée qui ait jamais ruiné un homme" comme le dit un de ses amants et victimes…
Sur un rythme hypnotique et porté par des voix synthétiques, le dernier single de Grégory van Praet, " Get A Way" propose un voyage dans une ville futuristequi pourrait être de maintenant ou de plus tard.
"In my bed / Smell of death / Close my eyes / Agonize / Come with me / Run from me / I’m so afraid / Get away."
Sur un clip aux couleurs acidulées et à l’esthétique pop, répondent des paroles neurasthéniques. Par un musicien qui sait où il va.
Pauline Croze revient avec un album libératoire qui est constitué de deux parties, avec une plus grise que l’autre.Après les Heures grises, justement,marque le grand retour de l’auteure de "T'es beau", dans un opus à la fois crépusculaire, engagé et personnel. "J’avais besoin de risque, de bousculer le fond autant que la forme, d’être éprouvée", explique l’artiste à propos de son disque.
Personnel, le premier titre "Je suis un renard" l’est assurément. Appuyée par le piano omniprésent de Fils Cara, Pauline Croze parle des tourments d’un animal, un renard, "comme un bagnard". C’est aussi une confession d’une artiste libérée dans un monde dur et cruel : "Soyons forts, folkloriques… après les heures grises".
C’est bien entendu cette dernière phrase qui donne son nom à l’album qui pourrait se décrire comme une "nuit d’errance", pour reprendre le titre du morceau éponyme, une élégante ballade au piano décrivant une résurrection après une rupture. "Déconstruire une histoire prend bien du temps", chante-t-elle sur une musique écrite par le formidable Tim Dup.
Il est encore question de libération dans "No derme". C’est aussi là que l’on peut admirer la voix singulière de Pauline Croze. Le titre s’avère aussi mystérieux et singulier que son sujet : la peau dans tous ses états, cette peau que l’on touche, celle du Moleskine, "la peau qu’on s’est donnée / La peau qu’on s’est chérie", mais aussi sa propre peau que l’on sauve.
Pauline Croze s’avance à la fois fragile, écorchée vive et combattante dans un album attachant et aux messages qu’il faut bien écouter. C’est par exemple "Phobe", un morceau sombre aux sonorités urbaines consacré à notre "planète folle". Il a été co-réalisé et mixé par Nk.F (Damso, Orelsan). C’est aussi "Crever l’écran", morceau électro-rock sur une chanson d’amour qui s’est éteinte, tuée par le numérique : "L’écran m’a tué", constate avec force et rancœur la musicienne.
"Kim", une chanson mélancolique qui transforme le dictateur nord-coréen Kim Jong-un en improbable objet pop et amoureux
Le morceau "Le monde" ici ouvre dans l’opus une deuxième partie plus lumineuse (disons plus gris clair) avec, pour commencer, ce titre urbain parlant du monde : "Et je sens / Et je prends tendrement / Mon amant". Ici, "l’amour se répand" avant la fin de l’été. Pauline Croze entend profiter de l’instant présent avec son amant avant que "la nuit enveloppe le monde" ("Le monde").
Impossible de ne pas parler de "Kim", une chanson mélancolique mais aussi géopolitique, co-écrite et réalisée par Romain Guerret (Aline, Alex Rossi) qui transforme le dictateur nord-coréen Kim Jong-un en improbable objet pop et amoureux. Il fallait le faire...
"La rocade", quant à elle, est un road-movie musical dans une déambulation poétique en voiture, sous forme de divagations mémorielles.
Pauline Croze surprend par son audace avec notamment les deux derniers titres de l’opus. Elle ose l’électro-pop avec "Solution", réalisé par Charlie Trimbur (Eddy de Pretto) et Pierrick Devin (Phoenix, Lomepal). La chanteuse choisit de s’interroger à voix haute sur la manière de se sortir de situations impossibles. Comment s’en sortir, demande-t-elle en substance ? Y aurait-il une solution ? Mais à quoi ? Et laquelle ? "Y en a des centaines ou il y en a une / Dans cet inventaire où tout est contraire, il n'y en a qu'une / S-O-L-U-T-I-O-N / Y en a pas de centaines, y en a pas de centaines / Il n'y en a qu'une".
Plus étonnant encore, Pauline Croze choisit, dans le dernier morceau d’Après les Heures grises de faire une longée musicale dans l’univers des courses. Voilà un sujet à ma connaissance jamais ou, du moins, très rarement abordé dans le répertoire musical. La chanteuse parle avec émotion de cette passion pour les cheveux, passion enivrante et catalyseur de rêves aussi : "Je veux savoir si mon emblème / Changera ma vie ce soir".
Après un premier EP sorti en 2016 (Caméléon), Mat Hilde a mis sa carrière entre parenthèse et est devenue maman d’un puis de deux enfants.
C’est justement cette parenthèse qui est au cœur de son retour et de son nouveau projet musical, Vies. Son premier single, "Blues Baby", sorti en cette fin d’octobre, traite de ce moment si particulier au cours duquel Mat Hilde est devenue maman.
Sur un clip réalisé à l’aide de vidéos privés et familiales, la musicienne parle avec tact et douceur de cette période révolutionnaire et bouleversante à plus d’un titre : pleurs, nuits blanches. Le baby blues est-il une malédiction ? Non, répond-elle en chanson :"Nos plus belles années sont celles qui nous épuisent". Et Mat Hilde de conclure ainsi : "Tout est mieux maintenant".
Le nouvel EP de Mat Hilde paraîtra le 19 novembre 2021.
Une chanson française revigorée grâce au passage par le hip hop et la pop : telle était l’ambition d’Aloïse Sauvage pour son premier album Dévorantes, sorti il y a un an et demi. Pari réussi pour cet opus servi par des textes précis, âpres et riches. Grâce à lui, Aloïse Sauvage a obtenu une reconnaissance des professionnels et du public ainsi qu'une nomination aux Victoires 2020 dans la catégorie Révélation Scène.
Dévorantes, qui se déguste avec plaisir et aussi surprise, est un album que l’on imagine personnel : la chanteuse y déverse ses cris et ses combats intérieurs, à commencer par le morceau qui ouvre l’opus, "Et cette tristesse / Qui traîne, espèce / De petite peste / Laisse-moi espérer / Que ça va aller"). L’aspect autobiographique est revendiquée par l’artiste qui a fait de Dévorantes une œuvre autant personnelle qu’engagée : "Quel étrange besoin de prendre le mégaphone / Pour exposer au monde ce qui me rend méga down", chante-t-elle avec une joie communicative ("Méga Down").
Les messages d’Aloïse Sauvage sont celles de l’acceptation des autres et de soi-même. En un mot : assumer : "Et Jimy va bien / Car Jimy sait que désormais / Elle ira loin aux côtés de celle qu'elle a choisie" ("Jimy"). C’est aussi le thème du titre qui donne son nom à l’album, une vraie confession, entre hip hop et slam : " Moi, j'ai envie de toi, t'as envie de moi / J'ai pas compris que, toi, tu voulais bien" (Dévorantes).
À l’instar d’"Omowi", grâce à des textes d’une force poétique incroyable ("Offrez sa tête au roi, / Faites en ce que vous voulez, / Vous n’la connaissez pas, / La reine veut la dévorer"), Aloïse Sauvage se fait la chantre des sexualités assumées, et non sans un humour ravageur : "Tu veux nous orienter ? / C’est gentil de proposer, / Sans vouloir t’offenser, / Va te faire enculer". Son cri de combattante est aussi un cri d’amour : "Les PD sont beaux, j’ai osé rêver / Que tout le monde le voyait… / OMOWI / L’arc-en-ciel brandi, / T’es superbe vas-y".
En parlant d’amour, c’est une superbe déclaration enflammée autant que sensuelle que propose "À l’horizontale", sans doute le meilleur morceau de l’album, à écouter et réécouter : "Avec toi j'ai tout mon temps / Les bras m'en tombent / Mais tantôt je ne dis rien car ça me va bien / D'être envoûtée par tes tentacules / J'ai pas de fascicule / Pour savoir comment m'adonner à cette sainte donation/ De nos corps entremêlés faudrait-il faire attention".
Dévorantes est un album libératoire à plus d’un titre où la soif de liberté et le besoin de s’assumer est inscrit dans chaque note et chaque morceau, ce qui ne n’empêche par l’artiste de cacher les blessures et les risques de ces combats : "Et si je lâche, que reste-t-il? / Je dois choisir pour ne pas chuter / Mais tellement difficile pour moi / De me restreindre pour mieux tout vivre" ("Feux verts"). Finalement, la récompense de tout cela est tout simplement l'amour ("Si on s’aime") qu’elle chante avec une très grande justesse : "Est-ce qu'on s'aimera encore / Toute la vie ? / Même quand on ne s'aimera plus / Dis-le-moi, oui".
Aloïse Sauvage, engagée, hypersensible, combattante et musicienne à l’univers déjà bien installé, devient dans le touchant "Papa" cette fille tendant la main vers son père pour renouer un dialogue que l’on devine coupé en raison des choix personnels de l'artiste que lui n'a pas compris : "Je m'évertue à croire que tu vas oser / Revenir un jour enfin bien décidé / À balayer ce passé un peu sombre / À m'enlacer fièrement et sans attente."
Musicalement, Aloïse Sauvage a composé un album où se mêlent chanson française, rythmes rap ("Et cette tristesse"), pop-rock ("À l’horizontale", "Papa", "Tumeur"), électro ("Toute la vie"), funk ("Si on s’aime") ou encore reggae (l’irrésistible "Méga Down" ou "Feux verts"). La magie vient, singulièrement, de la très grande cohérence de ce premier opus, passionnant de bout en bout et musicalement d’une très grande richesse. Avec des artistes comme Aloïse Sauvage, la chanson française a de beaux jours devant elle.
