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Tel est le leitmotiv d’Olivier Marois dans son single, qui annonce son premier EP en juin prochain.
"J’veux juste pas que tu t’arrêtes" est une déclaration d’amour autant qu’un hymne à toutes ces musiques qui nous font vibrer. "Miles Davies, Joe Strummer, Lana del Rey et les Clashs Maria Callas, Cindy Lauder, Johnny Clash. Je me fous de la chanson qui passe / Je veux juste que tu m’embrasses", chante-t-il de sa voix grave, dans un titre au talk-over séduisant.
Le chanteur parisien le dit autrement : "Tout ce qui est important tient en trois mots et une phrase, le reste n’est que circonvolution, filtre, blabla... que tu écoutes du punk ou Mozart, le plus important n’est pas la chanson, son habillage, mais sa vibration."
Franchement convaincant, et on peut être sûr qu’il ne s’arrêtera pas en si bon chemin Son premier EP Hosannas est à paraître le 18 juin prochain.
Guard est de retour avec son nouveau single et un clip, "Une chance".
Il y a cinq ans, Guard s'imposait avec le tube "Give it Up". L’artiste lyonnais a ensuite enchaîné les compositions et l’écriture pour d’autres artistes et fondé la Team Creativ.
Sur une électro-pop rythmée, et de sa voix inimitable, Guard chante la course à la vie et le besoin de rester debout. "Une chance" se veut un véritable hymne à la fête, à la vie et à la jeunesse :"Je défie l’insomnie / Dépourvue de sens / Quitte à payer le prix / Nos vies avancent."
Pour la création visuelle du clip, Guard s’est entouré des creative designers Impossible Brief, qui ont notamment collaboré avec The Chainsmokers et Coldplay.
Guard a promis qu'il repartirait sur la route pour une tournée nationale dès que ce sera possible.
Pour son nouvel opus sorti en début d’année, Andréel s’inscrit dans la veine des auteurs-compositeurs-interprètes classiques, avec une orchestration traditionnelle, ramassée et élégante.
Le titre éponyme de l’opus est une chanson délicate comme une caresse voluptueuse, adaptée des Nourritures terrestres d’André Gide. Le musicien se laisse porter par des vers oniriques, qui célèbrent l’amour, la sensualité et la liberté : "Je me dresse nu sur la terre vierge, devant le ciel à repeupler / Apporte à ma chair l’ardeur, l’éblouissement de mon cœur / Nourritures, je m’attends à vous. Satisfaction, je vous cherche / J’ai donné tout ce que j’étais, plus rien ne me possède".
L’amour : voilà le fil conducteur de cet album aussi sensuel qu’introspectif, à l’instar de "Pourquoi je te veux", le récit d’une passion non sans légèreté et qui parle également de l’imprévisibilité de l’amour. Sur son opus, Andréel vient faire le mélange des couleurs et des sons ("Les gens qui chantent"). Il se révèle en artiste à la fois pointu et à fleur de peau, doté d’une sensibilité sans esbroufe, ce dont nous lui en sommes gréé.
"Je m’oublie" avec Amandine Bourgeois, l’ex "Nouvelle Star" qui s’était montrée plutôt discrète ces derniers temps, est un duo parlant de rabibochage et de perte de soi. C’est avec une écriture fine qu’Andréel parle de dualité (bien sûr), de complicité et d’harmonie, dans un morceau justement très harmonieux. Plus lumineux, "Mon manque", un autre duo, cette fois avec Judith Chemla, est une salsa amoureuse.
L’amour : voilà le fil conducteur de cet album aussi sensuel qu’introspectif
L’amour encore : sur un slow-rock jazzy, Andréel chante en duo avec Natacha Régnier "Une femme épanouie", qui est l’histoire d’une renaissance faite d’altruisme et de simplicité : "Je veux te voir comme tu es, te donner ce que tu veux, / Ne pas tenter de prendre en toi ce que je cherche et qui n’y est pas." L’amour n’est ici pas aliénant mais, au contraire, une fontaine de jouvence autant qu’une source de renaissance.
Il est également en duo, cette fois avec Lucile Chriqui, dans un titre jazz célébrant à la fois la passion et Paris dans "Boulevard Magenta", comme si l’une n’allait pas sans l’autre : "Qu’il est bon le boulevard Magenta, / Quand les ombres s’enfuient, l’aube pointe son doigt / Accusant le marcheur de n’être pas bigot / Des us et des mœurs des fiers Parigots."
Un glissement de l’album a lieu dans les quatre dernières pistes, avec cette noirceur qui s’installe inexorablement, comme si une brisure avait lieu. Il est d’ailleurs symptomatique que dans cette seconde partie de l’opus il n’y ait plus de duos.
Andréel chante seul, plus introspectif, mais aussi plus sombre. Bien entendu, il y a un "Un autre que soi" qui chante le goût du voyage et "le plaisir de voler sans attache". Mais la solitude peut aussi être une prison intérieure ("Le désert m’appelle"), et dans ce cas, l’être aimé est sans doute la "solution" : "Enlaçons-nous ce soir. Rejoignons nos regard. / C’est un moment perdu. C’est un moment d’espoir").
Dans cet "endroit inconnu" qu’interprète le musicien, l’être aimé a "disparu". Une course a lieu pour partir à sa recherche. Les lieux deviennent vides et sans saveur sans lui ou elle. "Que penser de ces histoires ?" se demande Andréel, qui refuse cependant de perdre tout espoir dans "le sourire des hommes… et la bonté des femmes… et l’art qui nous embellit."
L’album se termine avec le "Je suis jaloux" dans une ballade jazzy qui vient cueillir et surprendre en douceur un homme amoureux, encore et toujours : "Je suis jaloux, dis-moi, par quel sortilège / Un dieu t’a-t-il offert une telle aura."
Qui a dit que l’électro ne pouvait pas être charmeuse ? La preuve avec AVBE (il faut prononcer "Aube") et son premier EP, Dawn., qui nous propose un son électro-pop ("Ever, Ever More") refusant la facilité et la virtuosité agressive.
AVBE a travaillé deux ans, entre la France et les Etats-Unis, avant de proposer cet album aux multiples inspirations et où le plaisir musical est la seule règle : "Écoutez la musique. Ressentez la. Rigolez et pleurez - mais continuez à danser. Nous sommes tous des fous emplis d’émotions", annonce le musicien.
Il y a de l’urbain dans "Day 0", un premier titre aux rythmes enveloppées de réverbérations étranges, alors que le titre plus pop, "Who I Am", est traversé d’éclairs lumineux et mélancoliques, avec des pointes jazzy.
Pour "Dawn", le morceau qui donne son titre à l’EP, c’est une balade mélancolique que propose AVBE, avec ce son acoustique et folk, mêlé à des teintes électro-jazz. Plus jazzy encore, "Where I Go", en featuring avec Sam H., se veut plus plus lumineux encore et même planant.
Dawn adopte une facture franchement électro avec "Moon", grâce à ses pulsations organiques mais où la pop ne baisse pas les armes, grâce à une vraie recherche musicale. Des sons primitifs s’allient aux machines au service d’un morceau éthéré, s’envolant ailleurs, vers des jours cléments.
Naud, c’est la fusion quasi parfaite entre la pop et l’électro. Dans son premier EP, Cames, le musicien français se sent comme un poisson dans l’eau dans un univers à la fois fun, coloré et bourré de trouvailles sonores et textuelles.
Les 5 titres forment un ensemble à la fois homogène et déclinant plusieurs visages de la pop, tout en se servant intelligemment de l’électronique. À côté de l’aérien "Déjà vu", Naud propose le joyeux et sautillant "Déjà vu". La voix aérienne de Naud se joue des nappes synthétiques, sans jamais perdre l’auditeur. "Dads" atterrit doucement, avec sa facture de titre pop-folk, et avec un message de tolérance : "2 Dads are not the best thing a child can get / It can have two mothers as well / Harassing has become a full-time job / Maybe happiness should decide what’s good for all".
Le compositeur insuffle du funk et du reggae dans "Sad Gurus", un morceau tout aussi engagé et aussi diablement bien écrit : "And they don't know, that's the way I will teach. Please respect my disrespect / If I can't grasp, maybe I should learn before getting these big cameras all around me". Bien dit. "Respecte, s’il te plaît, mon irrespect" : respect pour cette trouvaille en forme d’appel à la paix autant qu’à la liberté d’expression.
"Chemin noir" est le dernier titre de l’EP, est aussi le seul en français. Une composition solide dans laquelle la chanson française se marie à merveille avec l’électro : "Y’ a plus de râle, notre jeu se fige, Narcisse se fane enfin / T’as plus mal depuis que je suis ton meilleur pote et plus un despote / victimaire amer / Les autres ont pris un nouveau sens / Mon feu ne t’allume plus à l’essence."
Un vrai beau tour de force que cet opus étonnant et séduisant, que Naud commente de façon définitive : "Produire et mixer un EP de A à Z en moins d'un mois était intense, stupide mais gratifiant… Je ne referai plus jamais ça de cette façon !"
Virtuose et incandescent : voilà les premiers mots qui viennent à l’écoute du dernier album de David Linx, Skin In The Game. 40 ans de carrière et toujours la flamme chez le jazzman, l’inventeur du "chanteur de jazz européen", qui a brûlé les planches à 14 ans seulement.
L’artiste bruxellois, et parisien d’adoption, a le sens du lyrique ("Azadi"), aidé en cela par la formation qui l’accompagne, et en premier lieu Grégory Privat au piano.
Avec "Here I Can See", nous sommes dans un jazz à la Michel Legrand, coloré et vivifiant – mais en anglais. Une vraie composition digne d’une comédie musicale de Jacques Demy. Classique et imparable. Les vagues pianistiques virtuoses et rythmées de Grégory Privat font là encore merveille.
Pour "Changed In Every Day", Languissant et sensuel à force d’être mélancolique, David Linx propose un chant et un voyage astral et amoureux, bien loin de la photo âpre et sombre du jazzman sur la pochette de son album. De même, "Prophet Birds" peut s’écouter comme une incantation mystique, une prosopopée chantée avec justesse et une grande douceur, grâce à sa voix riche et étendue.
Une des plus belles voix de la scène jazz
Dans un tout autre univers, pour "Skin In The Game", qui donne le titre à l’opus, le jazz se pare de couleurs urbaines. David Linx chante en featuring avec Marlon Moore pour ce, morceau plus sombre et comme déconstruit. "Night Wind" a cette même facture urbaine, comme si le jazz américain entrait de plein pied dans un futur mystérieux et fantasmagorique. Fantasmagorique, pour ne pas dire métaphysique, à l’exemple des titres lents et planants "On The Other Side Of Time" ou "To The End Of An Idea".
Tout aussi américain, avec "Walkaway Dreams", nous sommes dans un jazz mêlant esprit new-yorkais et influences contemporaines européennes, avec un David Linx semblant énormément s’amuser.
Dans un album à l’univers étendu, le chanteur belge sait jouer le "trouble-fait", à l’instar du bien-nommé "Troublemakers" : il s’agit d’un morceau inventif, caractéristique d’un chanteur ayant pour boussole sa voix, et que l’auditeur, même non-expert, identifiera vite. Et avec toujours ce piano virevoltant de Grégory Privat.
L’album se termine avec "A Fool’s Paradise", une ballade jazzy sucrée et lancinante, comme une jolie promenade avec un musicien à la fois lumineux et attachant, et qui est aussi une des plus belles voix de la scène jazz.
Nous avions parlé de Thomas Cousin à l’occasion de la sortie de son formidable single "À perdre le sommeil". Voilà enfin son premier album solo, Debbie et moi, après avoir travaillé depuis plus de 20 ans au sein de différentes formations (Aron’C, Tax Brothers & the old Racoon ou Shy).
"J’ai passé 25 années de ma vie à « faire chanter » les autres, à m’habiller de leur pensée pour essayer de tailler sur mesure des mélodies et des mots qui les mettent en valeur, qui leur correspondent. Il y a 8 ans, un peu avant la naissance de ma fille, j’ai commencé à ressentir le désir et le besoin d’écrire des textes plus intimes. Des textes que je ne pouvais pas mettre dans la bouche de quelqu’un d’autre. J’ai commencé à accumuler trois puis quatre chansons, cette démarche a ouvert une brèche et je me suis retrouvé à écrire sur mon enfance, mes amours, mes névroses…" explique l’artiste.
De fait, on retrouve l’appétence du chanteur pour des textes travaillés, poétiques, mélancoliques et invitant l'auditeur à se perdre dans l’aventure et la nature, à l’instar de "Voir la mer", qui ouvre l’opus : "A bout de souffle au bout des vents se perdre dans les océans c’est comme nager dans le désert / On pourrait marcher sur des braises ou bien se jeter des falaises et si on allait voir la mer."
Il y a du Gaëtan Roussel dans cette manière de parer sa chanson française de teintes pop rock, avec riffs de guitares garantis ("Dans ma tête", "Jour de braise"), voire d’électro ("Chanson de pluie", "Pas comme tout le monde").
Thomas Cousin fait de son premier album un vrai voyage au long cours et une invitation à jeter les voiles, mais ces escapades sont aussi des promesses de rencontres et d’histoires d’amour : trains de nuit, hôtels discrets pour des rendez-vous amoureux, "dans un dernier sursaut de romantisme usé" ("Chanson de pluie").
Un vrai voyage au long cours
Le terme de "romantisme" n'est pas galvaudé pour un album poétique, plein de spleen, de promesses, mais aussi de constats sur l’inexorable fuite du temps (les chansons bréliennes "Toi tu crois", "La passerelle", "Que se fanent les roses").
Tout en assumant ses influences du côté de ses brillants aînés – Brel, nous l’avons dit, mais aussi Ferré ou Roussel –, Thomas Cousin fait des incursions du côté de l’urbain, à l’instar de "J’crame tout", en featuring avec Aron Cohen. Un titre rap aux influences méditerranéennes. Encore un morceau qui invite à pousser les murs et à "changer d’air", parce que, "pendant ce temps là, le monde avance sans toi."
Dans un album produit avec soin, Thomas Cousin se distingue comme un compositeur capable de faire vibrer grâce à des titres denses ("Parle-moi de nous") et écrits avec grâce ("À nos fenêtres nos solitudes devaient se chanter le prélude avant que l’on ne se fasse la belle / On est partis sous d’autres ciels à la recherche d’autres merveilles à vivre nos vies parallèles", "La passerelle"), sinon déchirement ("Je laisserai bien le temps, tu sais faire les choses / Sans que fanent les roses.").
L’auditeur s’arrêtera avec émotion sur l’un des plus beaux titres de l’album, "La chaise vide", écrite pour le père du chanteur. L’opus se conclue sur un autre titre personnel, "La plantade" : Thomas Cousin y parle d’un des lieux de son enfance : "Au rendez-vous de ma mémoire, moi j’y vais souvent faire un tour / Dans ton jardin et dans l’espoir de pouvoir y cueillir des toujours."
Thomas Cousin, Debbie et Moi, Champ Libre, 2020 https://www.facebook.com/ThomasCousinpage
Nous voilà dans un univers moins pop-rock psychédélique et résolument plus urbain, mais où la guitare de Vincent Cateigne étincelle de mille feux. Sur un air de bossanova, elle accompagne, sans l'étouffer, le flow généreux de La Voix Basse.
Cœur vagabond est le chant d’un aventurier, sans attache, libéré, en route vers son destin : "Si l’envol est essentiel, l’atterrissage est important".
