Les deux derniers papes en question sont Benoît XVI et François. Deux personnages historiques diamétralement opposés, qui font l'objet d'un film Netflix, Les deux Papes de Fernando Meirelles, avec Jonathan Pryce, Anthony Hopkins.

Il y a d’un côté le doctrinaire et intellectuel Joseph Ratzinger, successeur de Jean-Paul II sous le nom de Benoît XVI, et attaché à perpétuer la ligne conservatrice de ce dernier. De l’autre côté, nous avons Jorge Mario Bergoglio, cardinal et archevêque de Buenos Aires, outsider remarqué lors de l’élection par le conclave du premier qui deviendra pape sous le nom de François. Cet homme, venu du continent sud-américain, passionné de football et de tango, a une position plus sociale et assez proche de la Théologie de la libération.

Nous sommes en 2005, et après l'élection sans surprise de Benoît XVI, élection que le film nous présente avec une précision rarement vue, Bergoglio, qu’interprète avec passion Jonathan Pryce, se décide à se retirer des affaires de Dieu et à prendre sa retraite. Invité par Benoît XVI en 2012 dans sa résidence d’été de Castel Gandolfo, l’ecclésiastique argentin informe le pape de sa décision, que le prélat balaie de la main : il a pour le futur François une autre idée. Pas question donc de retraite. Bientôt, ces deux hommes que tout oppose débattent avec passion de théologie, de leurs égarements mais aussi de l’avenir de l’Eglise. Et à une époque où Le Vatican a déjà maille à partir avec des scandales sexuels et financiers, le cardinal Bergoglio semble être la personne qu'il faut.

La double rencontre de Benoît XVI et du futur François à Castel Gandolfo puis au Vatican a-t-elle eu vraiment lieu ? Quelques critiques s’en sont émues, sans doute à tort. Car là n’est pas le sujet réel du film : c’est bien d’un double portrait dont il est question dans Les deux Papes : le conservateur et rigide prélat allemand contre le bonhomme et sensible cardinal argentin. Fernando Meirelles en fait le personnage central du film distribué par Netflix, en insistant sur la période sombre de la dictature argentine.

On retiendra aussi de ce passionnant long métrage, au scénario passionnant et aux dialogues denses, les descriptions précises du Vatican et des conclaves. Une vraie curiosité qui a conduit l’académie des Golden Globes a nommé le film dans quatre catégories : meilleur film dramatique, meilleur scénario, meilleur acteur dans un drame (Jonathan Pryce) et meilleur acteur dans un second rôle (Anthony Hopkins, métamorphosé pour incarner le rugueux Benoît XVI).

Les deux Papes, biopic de Fernando Meirelles
avec Jonathan Pryce, Anthony Hopkins, GB, Italie, Argentine, USA, Netflix, 125 mn, 2019
https://www.netflix.com/fr/title/80174451

Voir aussi : "Ton univers impitoyable"

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Le cinquantième anniversaire du plus grand événement de l’histoire humaine valait bien une commémoration digne de ce nom. Anthony Philipson propose de revenir sur la mission d’Apollo 11 en juillet 1969 qui permit aux premiers hommes de quitter le berceau terrestre pour visiter notre astre le plus proche, la lune.

Ce voyage exceptionnel de huit jours, trois heures, dix-huit minutes et trente-cinq secondes, dont deux heures seulement sur notre satellite naturel, est relaté dans le documentaire de la BBC au titre très "Jules Verne" : 8 jours de la Terre à la Lune.

C’est à partir d’un mélange d’images d’archives, pour beaucoup inédites, et de reconstitutions fidèles basées sur des enregistrements sonores de l’époque – car l’intégralité du voyage a été captée par la NASA – que le film suit les trois astronautes dans ce périple, depuis les derniers préparatifs jusqu’à leur minuscule vaisseau spatial de moins de 5 m², propulsée par la fusée Saturn V, un monstre de technologie haut de 36 étages et propulsé par des moteurs d’une puissance prochaine d’une bombe nucléaire.

L’aspect technique n’est en effet pas éludé dans ce film qui rappelle l’exploit scientifique de ces missions inédites par leur ampleur : il n’y a qu’à penser à ces reconfigurations qui ont permis la transformation de la fusée gigantesque en un module lunaire à plus de 16 000 kilomètres heures. Des quelques jours de voyage dans un vaisseau à peine plus grand qu’une petite automobile, les astronautes Neil Armstrong, Buzz Aldrin et Michael Collins se sont cependant montrés discrets en révélations : la recherche d’une caméra, quelques exercices sportifs et l’écoute d’actualités pour rester en contact avec la terre constituent les seules anecdotes.

"Ce que c’est beau !" dit un de ces trois voyageurs de l’impossible

Le moment le plus attendu de ce documentaire est bien entendu celui de la cinquième journée, le 20 juillet 1969, qui est celui de l’alunissage d’Eagle, le module lunaire, un appareil qu’Armstrong et Aldrin n’ont utilisé qu’en simulateur de vol. L’alunissement du minuscule engin n’a pas été si simple que prévu, avec un ordinateur de bord (bien moins puissant que le plus modeste de nos smartphones) finissant par saturer en raison du nombre élevé d’informations à traiter et des astronautes ayant de peu échappé au pire. "C’est un petit pas pour l’homme mais un bond de géant pour l’humanité" prononce Armstrong au moment où il pose le premier pas sur le sol poussiéreux du désert lunaire. Les petites deux heures de ces hommes sur la lune ont marqué à jamais l’histoire de l’humanité et constituent encore aujourd'hui l'une des aventures les plus prodigieuses qui soit.

On ressort fasciné par la magie des photos et des films à la qualité médiocre pris à 385 000 kilomètres au-dessus de nous. "Ce que c’est beau !" dit un de ces trois voyageurs de l’impossible au moment du voyage spatial le plus ahurissant qui ait jamais été fait. Cinquante ans plus tard, à défaut de viser les étoiles, la beauté de la mission d’Apollo 11 reste intacte et inédite.

8 jours de la Terre à la Lune, documentaire d’Anthony Philipson,
Grande-Bretagne, BBC, 2019, 98 mn, actuellement sur Canal+
https://www.bbc.co.uk/mediacentre/mediapacks/8-days

Voir aussi : "Si vous avez tout compris à cet article c’est que je me suis mal exprimé"

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Je vous avais parlé, il y a quelques mois, de Spirales, le roman hitchcockien de Tatiana de Rosnay sorti en 2004. À partir de cette semaine, Arte propose l’adaptation de ce thriller psychologique, feutré et cruel à souhait, sous le titre de Tout contre Elle.

Hélène Dewallon (Astrid Whettnall), l’épouse enviée d’un notable et homme politique lyonnais quitte précipitamment l’appartement de son amant Sven après une rencontre amoureuse qui vient de se terminer dans le drame. Sven vient de mourir brutalement, terrassé par une attaque. Mais Hélène, dans sa fuite, a laissé ses papiers d’identité que récupère Alice Mercier (Sophie Quinton), la femme de ménage de Sven. Elle prend contact avec sa maîtresse pour les lui rendre. S’engage entre les deux femmes un jeu du chat et de la souris, sur fond de chantage, car Alice a des pièces compromettantes qui menacent de tout détruire dans la vie rangée et impeccable d’Hélène Dewallon. Voilà qui est d’autant plus fâcheux qu’Henri, son époux, se lance dans une ambitieuse campagne électorale.

Relations empoisonnées, lutte des classes et un véritable supplice chinois

Pour l’adaptation du roman de Tatiana de Rosnay, Gilles Tauran et Gabriel Le Bomin ont choisi de déplacer l’histoire de Paris à Lyon. On perd la ville familière de l’auteure franco-britannique au profit de lieux plus modernes, plus aseptisés et plus lumineux. Les personnages déambulent dans des maisons, des appartements ou des galeries moins claustrophobiques que dans le roman, à facture simonienne, mais tout aussi inquiétants. Couloirs, escaliers et jeux de miroirs concourent à accentuer le climat de malaise dans ce thriller psychologique.

L’adaptation s’étend assez peu sur l’adultère d’Hélène. Je parlais dans ma chronique sur Spirales d’"accouplement sauvage" pour ce qui n’était qu’un one shot, un "moment d’égarement" dans un lieu sordide. Ici, la personnage principale est dans une relation adultère suivie, comme elle le confie à son amie Lucie (Aurélia Petit). Autre entorse au livre : il n’est plus question d’immigrés roumains ou d’un simple chantage financier mais de relations empoisonnées, de lutte des classes et d’un véritable supplice chinois entre une femme de la grande bourgeoisie et une modeste femme de ménage.

Sophie Quinton est parfaite dans ce rôle de petite souris timide se transformant en véritable vampire mental. Impossible de ne pas parler non plus des deux piliers de ce film : Astrid Whettnall et le prodigieux Patrick Timsit jouent à merveille les notables bourgeois pris dans un drame prêt à tout faire exploser, y compris leur famille – l’autre thème cher à Tatiana de Rosnay. Celles et ceux qui auront lu Spirales découvriront une autre fin pour cette adaptation. Une raison de plus de découvrir Tout contre Elle film que propose Arte en replay jusqu’au 14 mai 2019.

Tout contre Elle, thriller psychologique de Gabriel Le Bomin, avec Astrid Whettnall, Sophie Quinton, Patrick Timsit et Aurélia Petit
Calt Production / Belga Productions / Noon / Arte, France, 2018, 88 mn
Disponible en replay sur Arte du 9 avril 2019 au 14 mai 2019
https://www.arte.tv/fr/videos/077293-000-A/tout-contre-elle

Voir aussi : "Juste un moment d’égarement"

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Ils sont venus, ils sont tous là – ou presque. Dix ans après La Revanche des Sith, Star Wars fait son grand retour – qui est aussi celui des grands anciens, Luke Skywalker, Léia et Han Solo en tête.

Lorsqu'en 2012 Walt Disney avait fait un pont d'or pour racheter les droits de cette saga à George Lucas (plus de 4 milliards de dollars), le retour sur grand écran de La Guerre des Étoiles n'était plus qu'une question de temps. Les fans ont suivi avec fébrilité l'accouchement d'un nouveau cycle. Il s'est concrétisé la semaine dernière avec la sortie du Réveil de la Force, réalisé par J.J. Abrams.

Le metteur en scène américain est devenu mythique grâce à la série Lost et à deux longs-métrages de Star Trek (les 12e et 13e de la saga de science-fiction). Il a, pour l'occasion, révisé ses classiques et refusé tout dépaysement aux fans de Star Wars qui lui en auraient voulu. J.J. Abrams (assisté dans l'écriture par Michael Arndt et Lawrence Kasdana) a choisi de faire revivre quelques figures mythiques de la saga.

Après la chute de Dark Vador et Palpatine, la Résistance et le Premier Ordre, né sur les ruines de l'Empire galactique des Sith, s'affrontent sans merci. Luke Slywalker, Jedi légendaire disparu depuis des années, est recherché par les deux camps. Envoyé sur la planète Jakku, Poe Dameron, le meilleur pilote de la Résistance, reçoit un plan sensé localiser le héros. Mais les stormtroopers du Premier Ordre, dirigé par le funeste Kylo Ren contrecarrent l'opération. Poe confie le plan à son droïde, BB-8, recueilli peu de temps plus tard par Rey, une pilleuse d'épave. Elle reçoit le soutien d'un ancien stormtrooper, FN-2187 (Finn). Tous deux fuient à bord d'un vaisseau en mauvais état, le Faucon Millenium. Au cours de leur périple, celui-ci est accosté par son ancien propriétaire, Han Solo et son acolyte Chewbacca. Tous décident de rejoindre la Résistance.

Dire que Le Réveil de la Force respecte à la lettre l'esprit de Star Wars est un euphémisme. J.J. Abrams ne devrait pas décevoir les millions de fans de la saga, en dépit de l'attente formidable qu'a suscitée cette troisième trilogie. Ce nouvel épisode fait le lien avec les précédents en faisant appel à quelques personnages emblématiques des épisodes IV, V et VI : Han Solo, Leia Organa et Luke Skywalker, plus âgés mais plus que jamais essentiels. Le spectateur retrouvera également des personnages devenus familiers : Chewbacca, R2D2 et C-3PO, même si ces deux derniers ont des rôles plus secondaires.

Le Réveil de la Force assume son rôle de grand divertissement populaire dans lequel l'épopée galactique allie batailles spatiales, combats au sabre laser, créatures fantastiques, technologies ahurissantes, luttes du bien et du mal, héroïsmes exemplaires et grandes trahisons, sans oublier la musique de John Williams.

Ce nouveau cycle de Star Wars s'ouvre de la plus brillante des manières, comme un rêve éveillé.

Star Wars - Le Réveil de la Force, film américain de J.J. Abrams avec Daisy Ridley, John Boyega, Harrison Ford, Carrie Fisher, Adam Driver, Mark Hamill, Andy Serkis et Max von Sidow, Etats-Unis, 2015, 2H16

Parce que le cinéma c'est aussi ses affiches, à la fois indispensables, souvent marquantes mais rarement commentées, le réalisateur mexicain Pablo Fernández Eyre a choisi de leur laisser la vedette grâce à un clip visible sur Internet. 

Grâce à lui, seize affiches d’œuvres importantes du 7e art (Shining, Lost in Translation, Rocky ou encore Eraserhead) prennent vie et s'animent.

Cette initiative est d'abord et surtout un hommage aux artistes et graphistes aux affiches de cinéma insuffisamment reconnues à leur juste valeur. Il y a quelques années de cela, l'Académie des Césars attribuait une statuette récompensant une affiche. Cela a été, hélas, un feu de paille.

Grâce à l'initiative de Pablo Fernández Eyre, l'affiche de cinéma est mise en vedette.

Golem 13

Le cinéma français consacrait cette année le film Timbuktu d'Abderrahmane Sissako, bouleversant tableau d'un village malien écrasé par l'Islam radical.

Pour traiter du djihadisme international avec une telle puissance et une telle justesse, il fallait une musique à la hauteur. Celle d'Amine Bouhafa parvient à relever le défi haut-la-main. C'est l'ambition qui frappe d'emblée l'auditeur : instruments traditionnels, la voix bouleversante de Fatoumata Diawara, un orchestre à cordes "sublimant" (le mot est du compositeur lui-même) les scènes du film.

L'extrait sans doute le plus inoubliable de Timbuktu est celle de la partie de football, sans ballon, qui mérite de figurer parmi les scènes d'anthologie du cinéma. Le compositeur tunisien a composé et orchestré pour l'occasion un des plus morceaux de sa bande originale. Bouleversant et lyrique, cette partie de foot – et la bande-son qui l'accompagne – est la plus belle réponse aux fondamentalistes interdisant toute forme de distractions – musiques, jeux, sports...

Le 13 novembre, ce sont justement des endroits dédiés aux loisirs, au sport et à la culture auxquels qui ont été pris pour cible par des terroristes islamiques.

Amine Bouhafa, Timbuktu, 2014
Timbuktu, film franco-mauritanien de Abderrahmane Sissako
avec Ibrahim Ahmed dit Pino, Toulou Kiki, 2014, 1H48

A l'occasion de la sortie de son tout nouveau long-métrage, Vers l'autre Rive (sortie, le 30 septembre 2015), Kyoshi Kurosawa fera l'objet ce mois-ci à Paris d'une rétrospective, du 16 au 22 septembre 2015 au cinéma Reflet Médicis.

C'est l'occasion pour le bloggeur de revenir sur un film plus ancien du cinéaste japonais, Tokyo Sonata, à travers une critique écrite pour l'association des Cramés de la Bobine.

Kiyoshi Kurosawa, réalisateur japonais (qui n’a aucun lien de parenté avec Akira Kurosawa), s’est d’abord fait illustré dans des films d’horreur et d’épouvante : des longs-métrages comme Cure, Kaïro ou Charisma (puis l'incontournable Shokuzai en 2012) l’ont fait connaître dans le monde entier après un début de carrière chaotique. Depuis plusieurs années, tout en ne reniant pas ce genre cinématographique, il a choisi de tourner des films plus réalistes, non sans succès puisque Jellyfish a par exemple fait partie de la sélection officielle à Cannes en 2003.

En 2008, Cannes a honoré une nouvelle fois Kiyoshi Kurosawa en le sélectionnant dans la catégorie Un Certain Regard pour Tokyo Sonata, qui a reçu finalement le Prix du Jury.

Ce drame suit une famille japonaise confrontée à la crise économique, au chômage mais aussi aux traditions patriarcales japonaises multiséculaires et en pleine déliquescence en ce XXIe siècle.

Tokyo Sonata est le portrait à la fois cru et subtil de quatre personnages englués dans des contradictions, des voies sans issues, des révoltes ou des interrogations sur leur raison de vivre : le père, ancien cadre supérieur, subit de plein fouet la mondialisation économique et se retrouve subitement désœuvré et humilié par le chômage ; la mère, femme triste et soumise, voit sa vie complètement chamboulée du jour au lendemain suite à un événement autant inattendu que cocasse ; le fils aîné choisit de "déserter" le domicile pour une cause qu’il juge importante tandis que le cadet découvre un but dans sa vie – devenir pianiste classique professionnel. Pour ce but, il choisit de se battre malgré son jeune âge. Kiyoshi Kurosawa parvient au sublime dans l'ultime scène qui voit ce projet commencer à prendre forme.

Loin d’être le simple portrait d’une famille japonaise, ce film brillant d’un réalisateur capital du cinéma japonais est aussi une œuvre universelle sur la lutte quotidienne et la révolte, comme sur la crise économique mondiale, source monstrueuse d'aliénation. Qu'un cinéaste longtemps cantonné aux films d'horreur et d'épouvante s'emploie à décrire une société japonaise paumée ne peut qu'interpeller chacun d'entre nous. 

Rétrospective Kurozawa, du 16 au 22 septembre 2015 au cinéma Reflet Médicis
Tokyo Sonata de Kiyoshi Kurosawa, avec Koji Yakusho, Teruyuki Kagawa, Kyôko Koizumi, Haruka Igawa, Yû Koyanagi et Kai Inowaki, Japon, 2008, 119 mn
Les Cramés de la Bobine