Les fans de la série Downton Abbey n’ont à coup sûr pas manqué la sortie du film éponyme qui poursuit les aventures des Crawley et de leurs domestiques.

Le passage du format série pour petit écran au long-métrage pour cinéma n’est pas toujours une réussite. Le scénariste Julian Fellowes s’est attelé à la tâche pour offrir sur une durée de moins de deux heures (soit l’équivalent de deux épisodes télé) une intrigue à la hauteur du château de Downton Abbey.  

Nous sommes en 1928. Robert et Dora Crawley, ainsi que leurs filles Mary et Edith apprennent que le roi George V, sa femme la reine Lady Mary, leur fille la princesse Mary et leur suite, feront une visite dans la demeure familiale. C’est le branle-bas de combat pour tout le monde : tout doit être parfait et chacun, y compris les serviteurs, sont motivés pour donner le meilleur d’eux-mêmes. Sauf que le protocole exige que le roi vienne avec sa propre armada de domestiques, cuisiniers et autres valets de pied. L’affront est mal vécu par Anna Bates, Madame Patmore ou Daisy qui sonnent le vent de révolte. Une révolte qui sera, on s’en doute, feutrée mais diablement efficace.

Dans le même temps, Tom Branson, le beau-fils préféré de la famille, est approché par un étrange individu. Une histoire d’héritage vient par dessus le marché sonner la discorde entre les murs épais de Downton Abbey.

Un petit côté Bijoux de la Castafiore 

Les inconditionnels de Downton Abbey se régaleront de la suite ciné d'une série qui a rendu addict des millions de fans à travers le monde. Ils retrouveront les personnages familiers, à commencer par Lady Mary (Michelle Dockery) qui prend une place de plus en plus centrale dans le domaine. Lady Violet est là elle aussi : Maggie Smith joue avec le même mélange de charme désuet, de truculence, de finesse et d’esprit vachard la vénérable dame, garante des traditions du domaine, dans un XXe siècle plongé dans la modernité. Une modernité qui trouve aussi son essence en la personne du majordome Thomas Barrow, le majordome tête-à-claque devant assumer ses choix personnels au cours d’une soirée mémorable.

La romance est présente dans le film qui ne fait pas l’économie du décor du château, de costumes et de coiffures somptueux, de dialogues d’une autre époque (et qui colle avec l’esprit du film comme de la série) et d’un happy-end concluant une féérique scène de bal d'un autre temps.

En regardant le film, le spectateur peut y trouver un petit côté Bijoux de la Castafiore : huis-clos feutré, intrigue resserrée et minimaliste, vieilles dames capricieuses, jusqu’à la présence de la couturière et du vol d’objets précieux. Les tintinophiles apprécieront.

Pour être plus complet, précisons que ce Downton Abbey version ciné sera suivi d’un deuxième opus, qui est actuellement en préparation.

Downton Abbey, drame historique et familial anglais de Michael Engler, sur un scénario de Julian Fellowes,
avec Hugh Bonneville, Maggie Smith, Elizabeth McGovern, Laura Carmichael, Jim Carter, Aleen Leech, Imelda Staunton et Michelle Dockery, 2019, 117 mn, MyCanal, Canal+
https://www.universalpictures.fr/micro/downton-abbey
https://www.canalplus.com/series/downton-abbey/h/4443993_40099
http://www.downtonabbey-lefilm.ch

Voir aussi : "Maîtres et serviteurs à Downton Abbey"

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Il y a des œuvres qui, dès leur sortie, semblent hors du temps. Elles font figure d’objets artistiques indéfinissables, exigeants et déstabilisants. Le Cheval de Turin, le dernier film du réalisateur Béla Tarr (en tout cas, selon lui qui a décidé d’abandonner la mise en scène) peut être défini comme tel. Le long-métrage est sorti il y a 10 ans mais il mérite bien d’être redécouvert. Rappelons aussi que le film avait à l’époque obtenu l’Ours d’argent au Festival de Berlin, provoquant aussi bien des louanges que des critiques sévères pour son aridité.

Mais de quoi parle Le cheval de Turin, dont le titre lui-même peut étonner ?

Une voix off commence par raconter l’histoire de ce fameux cheval que croisa le philosophe Friedrich Nietzsche à Turin. Nous sommes en 1889 et l’auteur d’Ainsi parlait Zarathoustra est témoin d’une scène entre un paysan tentant de faire avancer son cheval qui refuse d’obéir. Furieux, le maître fait pleuvoir sur sa bête des coups de cravache, sous l’œil interloqué de badauds, dont Nietzsche. Ulcéré par la scène, le philosophe se précipite vers le cheval, lui entoure l’encolure et l’embrasse dans un geste de consolation. De retour chez lui, bouleversé par ce qu’il vient de voir, il commence à délirer. Débute pour le penseur une période de 11 années de démence qui se terminent avec sa mort. La voix off précise que ses derniers mots pour sa mère furent ceux-ci : "Mutter, ich bin dumm". La traduction française peut être lue à double sens : "Mère, je suis bête". La voix off conclut sa présentation en précisant qu’on ne sait pas ce qui est arrivé à ce fameux cheval de Turin.

Le film du cinéaste hongrois entend a priori suivre l’histoire cet animal. La scène d’ouverture est d’ailleurs celle du retour d'un cheval au bercail, mené par son maître. Ils rejoignent une bicoque dans un paysage désertique battu par les vents et où vit légalement la fille de du conducteur. La suite du film raconte six jours dans la vie de ces trois personnages : le vieil homme, la jeune femme et leur cheval. Interviendront également un étrange visiteur prophétique et aussi, quoique plus brièvement, un groupe de tziganes.

Chaque plan est bâti comme un tableau à l’esthétisme soigné

Pas de trace de Nietzsche donc, si ce n’est par allusions allégoriques, que ce soit avec la mort de Dieu (les références religieuses sont bien présentes), le ton prophétique du film ou encore cet éternel retour, lorsque le vieil homme et la fille tentent de partir de leur maison avant d’y revenir. 

Le cheval de Turin s’attache à six jours de ce couple taiseux et de leur cheval. Six jours à la portée bien entendu symbolique et derrière laquelle on pourra voir dans ce film aride une "anti-Genèse" : un couple isolé dans une terre non pas paradisiaque mais infernale (un arbre fantomatique et une campagne balayée par les vents) et un animal qui n’est pas un serpent diabolique mais un cheval paisible, innocent et tourmenté ("Tu ne vas nulle part", lui dit la jeune femme), celui qu’aurait pu défendre Nietzsche à Turin avant de sombrer dans une folie de plusieurs années.

Voilà qui donne à ce film un caractère allégorique. Sur une musique néoclassique, sombre et lancinante de Mihály Vig et servi par la photographie en noir et blanc somptueuse de Fred Kelemen, Béla Tarr fait le choix courageux de la longueur et de la lenteur. Chaque plan est bâti comme un tableau à l’esthétisme soigné, mais aussi académique et froid selon les détracteurs.

Des scènes sont comme figées, tournées dans la durée, mais non sans ellipses, telle la toute dernière séquence. Le spectateur assiste, pendant les 2H30 du film à des moments quotidiens et ordinaires : la jeune femme s’occupant du cheval dans l’écurie, aidant le père à s’habiller, préparant le repas ou allant au puits. Il y a aussi le lent et somptueux travelling du début avec le vieil homme dans sa carriole. Les moments contemplatifs sont également nombreux. 

La caméra s’attarde sur de petits gestes : le poêle que l’on charge, les vêtements que l’on range ou une bible que l’on lit. Au bout d’une heure, un dialogue singulier a lieu entre le vieil homme et un mystérieux visiteur, dans une ambiance tout aussi lugubre, filmée avec une économie de moyen autant qu’un travail esthétique remarquable dans les cadrages et la lumière. Dans ce quasi monologue, le spectateur a la clé du film, Béla Tarr y dévoilant son message apocalyptique et nihiliste.

Le visionnage du Cheval de Turin est ardu, certes, mais sa découverte ou redécouverte est importante, le dernier film du réalisateur hongrois pouvant figurer, selon ses plus ardents défenseurs, parmi les œuvres les plus importantes de ces 10 dernières années. Rien que ça. 

Le Cheval de Turin (A Torinói ló), drame hongrois, français, allemand, suisse et américain de Béla Tarr,
avec János Derzsi, Erika Bók et Mihály Kormos, 2011, 146 mn, noir et blanc, en DVD et Blu-Ray, Blaq Out
https://www.dulacdistribution.com/film/le-cheval-de-turin/55

Voir aussi : "Jolie bouteille, sacrée bouteille"
"Borges magyar"

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On sait que l’on peut faire un mauvais film avec une bonne idée, mais peut-on faire un film excellent avec une idée, sinon mauvaise, du moins improbable ? La réponse est oui, si l’on pense au dernier film de  Thomas Vinterberg, Drunk, avec la star mondiale Mads Mikkelsen dans le rôle-titre.

Le réalisateur de Festen et théoricien du "Dogma 95", a fait en 2020 son grand retour avec cette comédie dramatique et sociale, sur fond de réflexions sur l’alcool et sur son importance sociale. Contre toute attente, Drunk a récolté pléthore de récompenses : les César, Oscar et BAFTA du meilleur film étranger, une coquille d’argent au Festival international du film de Saint-Sébastien en 2020, sans compter les principaux prix du cinéma européen (meilleur, film, meilleur réalisateur, meilleur scénario et meilleur acteur pour Mads Mikkelsen).

Autant dire que Drunk est marquant en dépit de son pitch à bien des égards piégeux. Quatre amis danois, des quadragénaires et professeurs de leur État, se lancent, lors d’une soirée, dans une expérience folle – puisqu’il fait bien appeler les choses par leur nom : mettre en pratique une théorie selon laquelle l’homme naît avec un déficit d’alcool de 0,5 g/litre de sang. Pour retrouver un équilibre, chacun devrait absorber de quoi retrouver cette dose originelle. Les quatre amis décident donc de consommer régulièrement de l’alcool, mais avec une rigueur toute scientifique. Toutefois, l’expérience a ses limites et finit par déraper.

On devine les écueils qui attendaient Thomas Vinterberg et sa famille d’acteurs et d’actrices : une suite de scènes de bitures (certes, qui existent), un discours convenu sur les ravages de l’alcool ou une comédie à la fois lourdingue et pleine de pathos. Rien de tout cela, cependant, dans Drunk.

Le passage vers une folie provisoire et un état de transe

C’est d’abord le petit groupe d’amis quadras qui intéresse le réalisateur danois, auscultant les blessures, le rêves brisés et les déchirures de ces amis, lancés dans une quête improbable du bonheur. La présence magnétique de Mads Mikkelsen y est pour beaucoup : on est bouleversés par Martin, ce professeur d’histoire qui a perdu la flamme et voit son couple couler. 

Des critiques ont vu, à juste titre , Drunk comme une critique sociale du Danemark, pays paisible, poli et convenu que les quatre modestes professeur secouent en mettant en pratique une expérience autant improbable que choquante. Que l’on pense à cette scène où un professeur de philosophie encourage son élève à prendre quelques rasades d’alcool pour pouvoir affronter un examen et disserter sur Kierkegaard !

Thomas Vinterberg est maître dans son art de filmer les scènes de boissons : bouteilles que l’on débouche, verres de vin blanc portés à la bouche, scènes de beuveries ou encore cette manière de pousser tel ou tel à à s'en servir encore un... Boisson sociale s’il en est, l’alcool devient aussi, dans la dernière scène électrisante où Mads Mikkelsen montre tous ses talents de danseur, un produit euphorisant permettant le passage vers une folie provisoire et un état de transe que les Grecs anciens n’auraient pas renié. 

Placer l’alcool au cœur d’un film était un pari risqué. Il est réussi à plus d’un égard dans Drunk, jusque dans le choix musical, bien plus malin qu’il n’y paraît : les musiques traditionnelles danoises – prouvant la dimension sociale du long-métrage – côtoient un répertoire classique et en premier Tchaïkovski (La Tempête) et Schubert (la fameuse Fantaisie en fa mineur). Deux compositeurs  évidemment consommateurs d’alcool, voire qui avaient des problèmes avec la bouteille. 

Drunk, comédie dramatique danoise de Thomas Vinterberg,
avec Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang et Lars Ranthe, 2020 , 115 mn, MyCanal, Canal+
https://www.hautetcourt.com/films/drunk
https://www.facebook.com/theofficialmads
https://www.canalplus.com/cinema/drunk/h/14878879_40099

Voir aussi : "Lumineuse secte"

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Pourquoi faire la fine-bouche devant ce conte moderne qu’est L'Aventure des Marguerite, sorti l’an dernier et que Canal+ propose en ce moment ?

Le sujet du film, tiré d’une bande dessinée (Le temps des Marguerite de Vincent Cuvellier et Benoît Robin, éd. Gallimard), est assez classique en soi : un voyage dans le temps d’une jeune femme, prétexte à une série de situations mêlant anachronismes et aberrations spatio-temporelles. Mais là où le film de Pierre Coré étonne c’est de proposer deux voyages en un par : l’un dans le passé effectué par Margaux, une adolescente de 2018 catapultée en pleine seconde guerre mondiale, l’autre par son double de 1942, Marguerite, qui, dans le même temps, découvre, ébahie, la France du début du XXIe siècle.

Les deux jeunes femmes, jouées par la même actrice, la pétillante Lila Gueneau, ont pour point commun de ne plus avoir de père : l’un a disparu dans la tourmente de la guerre tandis que l’autre est parti s’expatrier en Australie après un divorce. Les voyages des deux Marguerite a pour objectif la recherche de ces deux paternités.

D’un côté l’ado tête à claque et de l’autre la jeune fille corsetée

Véritable conte moderne, L’Aventure des Marguerite laisse paradoxalement de côté l’aspect magique : il est bien entendu question d’une étrange malle qui sera le médium de ces sauts spatio-temporels, mais elle est bien vite oubliée au profit des voyages initiatiques de deux jeunes filles mal dans leur époque, pour des raisons différentes.

Dans le rôle des deux Marguerite – en réalité Marguerite et Margot – Lila Gueneau se révèle en actrice pouvant endosser parfaitement d’un côté l’ado tête à claque de ce début de millénaire et de l’autre la jeune fille corsetée dans un milieu et une époque difficiles.

Clovis Cornillac et l’irrésistible et truculente Alice Pol se sortent plutôt bien de cette comédie qui se regarde avec plaisir, même si le film ne passe pas à côté de curiosité scénaristiques (on pense à l’évasion en avion). Du bon sentiment, rechigneront certaines et certains...

Bon, d’accord. N’empêche que les histoires de voyages dans le temps transbahutent souvent leur lot de surprises faits d’anachronismes, d’aberrations et d’uchronie. Ajoutons à cela, pour L’Aventure des Marguerite, une réflexion sur la paternité. Voilà qui donne une comédie sympa, pour ne pas dire une jolie surprise. Sans oublier, une nouvelle fois, la révélation qu’est Lila Gueneau.

Voilà qui est très satisfaisant, comme le dirait une Margot de son époque. 

L'Aventure des Marguerite, comédie fantastique française de Pierre Coré,
avec Clovis Cornillac, Alice Pol, Lila Gueneau et Nils Othenin-Girard, 2020, 89 mn, Canal+
https://www.canalplus.com/cinema/l-aventure-des-marguerite/h/14280558_40099

Voir aussi : "Ma Vivian, mon amour"
"Lumineuse secte"

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Il ne reste que quelques jours pour découvrir sur Canal+ l’étrange et traumatisant Midsommar  d’Ari Aster, avec Florence Pugh dans le rôle de Dani, cette jeune femme catapultée dans un monde faussement utopique.

Le sujet de ce long-métrage américano-suédois est assez rare pour être souligné : les sectes.

Le film démarre avec des couleurs et une atmosphère sombre : Dani apprend la mort brutale de ses parents et de sa sœur dans ce qui ressemble à un suicide collectif. La jeune femme est bouleversée et ce n’est pas la présence de Christian, son fiancé qui peut l’apaiser. Entre eux, les relations sont pour le moins fraîches et le jeune homme l’aurait sans doute quittée sans cet événement tragique.

Histoire de montrer sa bonne volonté, il lui propose, sans y croire vraiment, de l’inviter en Suède pour assister à un festival atypique se déroulant tous les 90 ans. Dani y découvre une petite société accueillante mais aussi inquiétante. 

La lecture symbolique d’un couple en train de se dissoudre

Ari Aster imagine une communauté coupée du monde dans une région où le soleil ne se coupe pas, en faisant le choix de la lumière surexposée et des couleurs. C'est la grande idée du film. Il s’agit d’un parti-pris esthétique pertinent puisque ce que vont découvrir Dani, Christian et leurs amis c’est un cauchemar indicible, avec en particulier des scènes marquantes, y compris pour le spectateur.

C’est patiemment, et avec une sérieuse dose de perversité, que le réalisateur déroule son récit commençant à la manière d'un thriller – la mort d’une famille – et se terminant comme un conte cauchemardesque lumineux et fleuri.

Non sans humour noir et cynisme, Ari Aster fait de ce cauchemar une revisite des films d’horreur tout autant que la dénonciation des dérives sectaires sur fond de peur apocalyptique et d’un désir de retour à la pureté et à la nature. Et tant pis si cette quête primitive est justifiée par un discours lénifiant et pseudo-philosophique. Ari Aster fait de ses deux personnages principaux, Dani et Christian (deux prénoms bibliques soit dit en passant), les otages, consentants ou non, d’un milieu terrifiant. Le spectateur pourra aussi faire de Midsommar la lecture symbolique d’un couple en train de se dissoudre. Ce qui n'enlève rien au caractère horrible de cette expérience.

Midsommar, drame horrifique américano suédois d’Ari Aster, avec Florence Pugh, Jack Reynor, William Jackson Harper et Will Poulter, 2019, 147 mn
https://a24films.com/films/midsommar

Voir aussi : "Homme fatal"

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Vivian et Johnny, le documentaire de Matt Riddlehoover, est un hommage autant qu’un essai de réhabilitation d’une femme que le public américain a oublié, pour ne pas dire méprisé (comme le prouve par exemple le biopic de 2005 Walk The Line, avec Joaquin Phoenix et Reese Witherspoon dans les rôles principaux).

Vivian Liberto Distin est plus connue sous le nom de Vivian Cash, la première épouse de la star de country Johnny Cash. Lorsqu’ils se rencontrent et tombent amoureux, le musicien est un obscur soldat américain de l’Air Force. Les deux amoureux n’ont de cesse de s’écrire lorsque Johnny Cash est en garnison en Allemagne de l’Ouest pendant trois ans. Des centaines de lettres témoignent de leur relation passionnée. S’ensuit un mariage en 1954 puis une première enfant. Trois autres filles suivront, et ce sont précisément ces filles qui viennent donner leur version de ce qu’a été l’existence de Vivian Liberto, ex Cash.  

Après une période de vache maigre – paradoxalement la plus heureuse, de l’avis même des  intéressées – la carrière de Johnny Cash commence. C'est un véritable raz-de-marée fait de concerts, de disques, de tournées à travers le pays, de groupies mais aussi d’excès en tout genre – drogues, alcool, voyages incessants, invitations à des émissions de radio ou de télé mais aussi rencontres et relations extraconjugales. Pendant ce temps, Vivian reste à la maison pour s'occuper de leurs enfants. Surveillée par des fans enthousiastes, Vivian fait son possible pour élever ses quatre filles et attend jour après jour le retour d’une star de plus en plus absente. La fin du couple est déjà écrite, a fortiori lorsqu’une autre femme - June Carter - a déjà trouvé une place dans la vie du joueur de country. 

Portrait d’une femme magnifique, héroïque et véritable mère-courage

Mieux que le récit de la dilution d’une relation amoureuse, Vivian et Johnny, la légende de Nashville est le portrait d’une femme magnifique, héroïque, véritable mère-courage en dépit de ses défauts que ses filles ne cachent pas et qui restait prisonnière d’une cage dorée que son mari avait construite.

Le documentaire de Matt Riddlehoover fait de Johnny Cash un personnage paumé et abandonnant femme et enfants au bénéfice de sa propre carrière et de ses égarements. Que l’on pense à son arrestation en 1965 au Mexique pour possession de drogues. À cela s’ajoutent ces préjugés sexistes et racistes du sud des États-Unis. Le spectateur découvre avec effarement les rumeurs persistantes sur la couleur de peau de Vivian Cash en raison d’une photo de mauvaise qualité. Le Klu Klux Klan va jusqu'à se manifester pour protester contre ce mariage d'un musicien blanc du sud des Etats-Unis avec une femme qu'ils soupçonnent d'être noire. 

Vivian et Johnny reste cependant le récit d’une relation qui a malgré tout persisté, en dépit d’un divorce et de l’image féroce que le public et les médias américains ont laissé de Vivian. À la mort du musicien en 2003, son existence est même soigneusement effacée jusque dans les hommages à Johnny Cash. En dépit de tout, elle gardera toujours pour lui une bouleversante affection : "Elle est morte en l’aimant toujours de tout son cœur" affirme l’une de ses sœurs, comme le prouvent ces centaines de lettres que Vivian Liberto Distin, ex Madame Cash, gardait précieusement. 

Ce document rare et inoubliable est disponible en VOD chez UniversCiné, Orange, Canal VOD, Arte VOD, CinéMutins et Microsoft.

Vivian et Johnny, la légende de Nashville, documentaire américain de Matt Riddlehoover,
avec Vivian Loberto, Johnny Cash, Rosanne Cash, Kathy Cash Tittle,
Cindy Cash et Tara Cash Schwoebel, 90 mn, Destiny Films, 2021
En VOD chez UniversCiné, Orange, Canal VOD, Arte VOD, CinéMutins et Microsoft
https://www.destinydistribution.com/distribution/vivian-et-johnny-la-legende-de-nashville

Voir aussi : "Emmanuelle aime les intellectuels (et les manuels)"

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France 2 a proposé cette semaine son documentaire L'Histoire secrète de la Résistance. Règle du replay oblige, il reste très peu de temps pour découvrir ce passionnant film de presque deux heures sur une des pages les plus sombres et les plus héroïques de l’histoire de France.

Je parlais de documentaire. Il s’agit en réalité plutôt de docu-fiction, même si ce terme un peu fourre-tout ne fait pas vraiment honneur à la réalisation de Caroline Benarrosh.

Grâce à des images et des écrits souvent inédits, la Résistance française devient compréhensible, aidée en cela par des reconstitutions fidèles et des acteurs et actrices incarnant personnalités connues ou anonyme.

Le film suit quelques figures – le colonel Rémy, Pierre Fresnay, Berty Albrecht ou Georges Beaufils – avec dans l’optique de montrer les différents aspects de la Résistance (à telle enseigne que l’on peut parler de "Résistances" au pluriel) : comment ces réseaux fonctionnaient, quelle était leur idéologie et comment s’est passée leur fusion, sous la houlette de Jean Moulin, figure capitale de cette période.

La grande qualité du film est de montrer des moments forts, trahissant la complexité de la période. On pense par exemple la rencontre entre Pierre Fresnay, responsable du réseau "Combat" et surveillé par Vichy et le ministre de l’intérieur Pierre Pucheu. On pense aussi les liens qui s’établissent entre le Colonel Rémy, alias Gilbert Renault, militant d’extrême droite et le communiste Georges Beaufils. Deux ennemis irréductibles en temps normal qui deviennent des alliés de circonstance.

Dans ces récits où la grande histoire rencontre la petite histoire, il est question de destins hors normes, de gens ordinaires se lançant dans de l’espionnage, des actions de terrorisme ou de vraies batailles, derrière "une vie d’apparence normale", avec ces risques inouïes que sont les arrestations, les tortures, les déportations ou les exécutions. Le documentaire revient sur le premier acte de résistance, le 11 novembre 1940, avec une commémoration sauvage et interdite de l’armistice de la guerre 14-18. Que de chemin parcouru entre cet acte héroïque mais vain et le défilé organisé et filmé par 250 maquisards de l’Ain trois ans plus tard ! 

Le Général de Gaulle a fait preuve d’un bluff incroyable

Le documentaire ne tait pas le singulier silence des mouvements de résistance au sujet des juifs : après le succès d’une manifestation organisée nationalement par l’ensemble de la Résistance française, le 14 juillet 1942, la tragédie du Vel d’Hiv trois jours plus tard est "à peine évoquée par les publications résistantes." Sans doute ses dirigeants ne voulaient-ils pas aborder ce sujet trop sensible dans une France antisémite et se mettre à dos l’opinion, avancent les auteurs du documentaire.

L'histoire secrète de la résistance est aussi et avant tout une lutte guerrière autant que politique autour de l’organisation de la Résistance et leur unification. Le documentaire raconte comment le Général de Gaulle a fait preuve d’un bluff incroyable pour fédérer des groupuscules qui communiquaient très peu entre nous. Le spectateur découvrira également comment la fusion avec les résistants communistes a pu se faire, et grâce à qui. Le documentaire revient également sur l’année 1943, année phare et capitale, marquée autant par la création du Conseil National de la Résistance et de l’Armée Secrète que par l’arrestation de Jean Moulin et de grandes figures de la Résistance.  

De cet hommage au résistants célèbres ou anonymes, on retiendra, comme le dit un témoin, que "sans renier à leur conviction… tous se sont fondés dans le creuset d’une guerre pas comme les autres."

L'histoire secrète de la résistance, documentaire français de Caroline Benarrosh,
111 mn, 2021, France 2, présenté par Julian Bugier
https://www.france.tv

Voir aussi : "Colette, Lucie et Jean-Pierre"
"Terrible sourire"
"Naissance de Marcel Marceau"

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Deux portraits, deux documentaires, deux personnalités exceptionnelles et deux joueurs de football légendaires. Hasard du calendrier télévisuel, Netflix et Canal+ proposent presque en même temps deux films qui vont passionner tous les amateurs de ballon rond.

Le premier, consacré à notre "platoche" national, conte l’histoire – presque – ordinaire d’un petit gamin de Meurthe-et-Moselle devenu en quelques années le roi des stades, sans avoir pu toutefois toucher le nirvana (en l'occurrence une coupe du monde) avec son équipe nationale.

Les plus âgés d’entre nous savent qu’avant que Michel Platini ne devienne l'un des pontes décrié du football européen, il fut un milieu de terrain au pied magique, élu par un magazine spécialisé comme le meilleur footballeur français du XXe siècle, devant Zinedine Zidane et Raymond Kopa. Il a rendu fou ses adversaires avec des coups francs venus d’une autre planète, et son génie lui a valu trois ballons d’or consécutifs, de 1983 à 1985.

Jean-Marie Goussard a choisi pour son documentaire des archives non-commentées, donnant à son film un aspect brut, qui permet au spectateur de se régaler autant que de juger par lui-même la qualité d’un joueur qui n’a joué que dans trois équipes nationales (Nancy, le mythique Saint-Étienne et la Juventus de Turin). Cette relative fidélité fait de Platini "le dernier romantique", comme l’indique le sous-titre du film. Évidemment, le must du must de sa carrière exceptionnelle reste la demi-finale de 1982 contre l’Allemagne, un sommet du sport mais aussi de la dramaturgie, qui n'a pas laissé au joueur le mauvais souvenir que l'on penserait.

Un sommet du sport mais aussi de la dramaturgie

L’autre documentaire, sobrement intitulé Pelé, nous vient de Grande-Bretagne et parle lui aussi d’un génie du football – si ce n’est DU génie. Pelé, moins connu qu’on ne le croit, a droit à un portrait à la fois élogieux et nuancé. Le palmarès de Pelé fait rêver : trois coupes du monde avec l’équipe nationale, des dizaines de coupes nationales dont deux coupes intercontinentales et le championnat américain et pas moins de 1300 buts (dont un record de 8 buts pour un seul match). Le joueur accepte pour ce film de témoigner devant la caméra.

C’est essentiellement sur ses coupes du monde que s’intéresse le réalisateur. Huit ans après le traumatisme de la finale perdue en 1950 à domicile contre l’Uruguay, en 1958 Pelé devient à 17 ans un héros national en remportant son premier titre important. Un titre que l’équipe nationale conserve quatre ans plus tard, même si Pelé se blesse et ne participe pas aux matches à élimination directe. En 1970, en fin de carrière, le Roi Pelé est de retour dans ce qui reste comme le sommet de sa carrière.  

David Tryhorn et Ben Nicholas écornent malgré tout l’image de ce génie du ballon rond lorsqu’ils parlent de la manière dont Pelé a vécu la période de dictature militaire brésilienne de 1964 à 1985. Les témoins n’épargnent pas celui qui reste le Brésilien et le footballeur le plus connu au monde : il était "Incapable de contester, de critiquer" et "Il se faisait remarquer par son manque de prise de position politique", apprend-on de quelques témoins. Plus gênant encore, la coupe du monde gagnée en 1970 a constitué un inespéré coup de projecteur sur les dictateurs de cette "guerre sale".

Sans pour autant refuser ces critiques, Pelé répond en joueur de foot qu’il fut : "Je ne pensais pas que je pouvais faire quelque chose… Je n’étais pas Superman, je ne faisais pas de miracle… Je suis absolument certain d’avoir bien plus aider le Brésil en jouant et en vivant comme je l’ai fait…"

Platini, le dernier romantique, Documentaire français de Jean-Marie Goussard, 2021, 112 mn
https://www.canalplus.com/articles/sports/platini-le-dernier-romantique
https://www.canalplus.com/sport/platini-le-dernier-romantique/h/15754352_50001
Pelé, documentaire britannique de David Tryhorn et Ben Nicholas, 2021, 108 mn
https://www.netflix.com/fr/title/81074673

Voir aussi : "Lev Yachine, l’araignée dorée" 

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