Il ne reste plus que trois jours pour aller voir et écouter L’École des Femmes au Théâtre Dejazet. "Voir et écouter" car cette création est une comédie et un ballet lyrique imaginée par Nicolas Rigas. Le metteur en scène entend retrouver le Molière du XVIIe siècle, artiste complet capable de mêler dans ses chefs d’œuvres le théâtre, la musique – en l’occurrence celle de Jacques Offenbach –, la danse, le chant, les acrobaties et la farce : "L’École des Femmes me donne, une fois encore, l’opportunité d’associer toutes ces facettes du spectacle vivant qui sont autant « d’outils » que j’utilise avec joie pour mes créations," commente Nicolas Rigas.

L’École des Femmes est une comédie de mœurs grinçante. Arnolphe, riche bourgeois, n’a qu’une hantise : se marier à une femme qui le fasse cocu. Pour remédier à cela, il a élevé à l’écart du monde et dans l’ignorance la plus totale Agnès, une jeune femme de plus de vingt ans sa cadette : "Épouser une sotte pour n'être point un sot" (acte I, scène 1). Il a l’espoir d’en faire une épouse "modèle". Mais les plans de notre homme ne se déroulent pas comme prévu lorsque Agnès tombe amoureuse d’un autre homme : Arnolphe découvre à ses dépendants "que jamais, par la force, on entra dans un cœur."

Une comédie dont le fil conducteur est une tragédie

Comme le précise Nicolas Rigas, L’École des Femmes est une comédie dont le fil conducteur est une tragédie sur l’amour et sur ses atermoiements : "Arnolphe ne sait pas aimer, ne sait pas se faire aimer et n’est pas aimé." Ce mélange des genres est non seulement assumée mais en plus assumée grâce à une sélection d’extraits de l’opéra d’Offenbach, Les Contes d’Hoffmann : "J’ai retrouvé chez l’Arnolphe de Molière les traits des diables d’Offenbach avec leur amour jaloux et destructeur; dans les différents personnages féminins de l’opéra (Olympia, "la poupée" ; Antonia, "la romantique" et Giulietta, "la femme libérée"), le parcours d’Agnès qui passe de l’innocence à la maturité; et dans Alain et Georgette, les personnages niais et loufoques des serviteurs de Spalanzani et Pittichinaccio."

Cette pièce comique aurait pu faire, à près de chose près, une tragédie, ajoute en conclusion le metteur en scène. Il ne reste que peu de jours pour découvrir ce classique de Molière, notre éternel contemporain, au théâtre Déjazet.

L’École des Femmes de Molière et Jacques Offenbach, mise en scène par Nicolas Rigas,
avec Nicolas Rigas, Martin Loizillon, Amélie Tatti, Antonine Bacquet, Romain Canonne,
Jean Adrien, Salvatore Ingoglia, Philippe Ermelier et Raphaël Schwobb
Au Théâtre Déjazet, jusqu’au 31 décembre 2018
Le samedi 29 décembre à 20h45 et le lundi 31 Décembre à 20h45
http://www.dejazet.com/spectacles/lecole-des-femmes

Voir aussi : "Les pétasses magnifiques"

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Marius et Fanny, l’opéra jazz de Vladimir Cosma est un des événements musicaux de cette fin d’année. Pour célébrer l’amour, Marseille Jazz des cinq continents va mettre à l’affiche les 20 et 21 décembre l'opéra jazz du compositeur français, d’après les œuvres de Marcel Pagnol, Marius (1928) et Fanny (1931).

Plus de 30 musiciens et chanteurs sont sur scène, dont Hugh Coltman, Victoire du Jazz vocal en 2017, Irina Baïant, André Minvielle, les Voice Messengers, le Big Band NDR de Hambourg et Tom Novembre, tous sous la baguette de Vladimir Cosma. L’homme a commencé sa monumentale carrière auprès de Michel Legrand. Il a travaillé avec des figures du jazz comme Stan Getz ou le trompettiste Chet Baker. Il est intarissable sur les grands ensembles comme celui de Dizzy Gillespie ou de Count Basie. C’est dans cet amour du Jazz qu’est née l’amitié avec Roger Luccioni, fondateur du Marseille Jazz des 5 Continents et contrebassiste. Leur lien a accompagné la création de l’opéra Marius et Fanny à Marseille, tout comme son lien avec Marcel Pagnol, lui qui a composé la musique de La Gloire de mon Père et Le Château de ma Mère.

Il n’est pas d’histoire d’amour plus marseillaise que celle de Marius et Fanny, l'idylle légendaire entre la jolie fille d’Honorine, la marchande de poisson du Vieux-Port et de Marius, le fils de César, le cafetier du Bar de la Marine. La vie va séparer ceux qui s’aiment à la folie. Marius ne songe qu’à la mer et aux îles lointaines. Fanny accepte de le laisser partir. Cette histoire dramatique a parcouru le monde, faisant connaître à travers le monde la plus ancienne ville de France. Aujourd’hui, cette tragédie prend vie sur scène et en musique. Les amateurs verront une analogie avec Porgy & Bess, l’opéra de George Gershwin composé en 1935 qui a inspiré de nombreux jazzmen dont Miles Davis.

L’histoire de Marius et Fanny se donnera à voir au Silo de Marseille les 20 et 21 décembre prochain.

Marius et Fanny, opéra jazz de Vladimir Cosma
D’après l’œuvre de Marcel Pagnol, avec Thierry Lalo à la direction musicale
Avec Tom Novembre, Hugh Coltman, Irina Baïant, André Minvielle
Et The Voice Messengers, avec le Big Band NDR de Hambourg
Le Silo, Marseille
Les jeudi 20 décembre et vendredi 21 décembre 2018, 20 heures
https://www.marseillejazz.com

Voir aussi : "Marseille a fait son cinéma pour la 29ème fois"

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Così fan tutte : "Toutes les mêmes", dit le titre de l'opéra de Mozart. "Tous les mêmes !" dit en substance Despina, servante cynique et clown blanc dans cette adaptation de Michael Haneke : "Aujourd’hui vous aimez un homme, vous en aimerez un autre. Ils se valent l’un l’autre, puisqu’aucun ne vaut rien."

Le livret de Lorenzo da Ponte tient en peu de lignes : au terme d'un pari avec leur hôte Don Alfonso, Ferrando et Guglielmo acceptent de mettre à l'épreuve la fidélité de leur fiancée respective, Fiordigili et Dorabella. Ils feignent un départ impromptu à la guerre et reviennent auprès des jeunes femmes sous les traits de soldats albanais.

Chacun séduit la femme de l'autre, sous le regard goguenard et complice de Don Alfonso et de son alter ego Despina. Comment ce désordre amoureux va-t-il se résoudre ? Et la morale – si encore morale il y a – finira-t-elle pas être sauve ? Mozart a fait de cette histoire tragi-comique bourrée d’invraisemblances une œuvre lyrique d'une justesse et d'une fluidité musicale exceptionnelle.

Cosi fan tutte, opéra a priori misogyne de Mozart pourrait bien être aussi celui qui serait le plus moderne. Libre et libertin, il fait la part belle aux deux chanteuses éconduites puis amoureuses, au centre d’un imbroglio amoureux, là où Don Giovanni manipulait ses conquêtes sans vergogne. Fiordigili et Dorabella figurent parmi les deux beaux rôles féminins du répertoire lyrique. Évidemment, c'est la fidélité des femmes qui est pointée du doigt : "La fidélité des femmes est comme le Phénix arabe. Tout le monde vous dit qu’il existe mais personne ne l'a jamais rencontré" chante Don Alfonso. Mais là comme partout, rien n'est simple : abandonnées, par la grâce d'un jeu et d'un pari aussi cruel que cynique, Fiordigili et Despina se trouvent prises dans un piège sentimental qui se retourne bientôt contre leurs auteurs, Ferrando et Guglielmo, aussi naïfs et présomptueux qu'humiliés.

Fiordigili et Despina sont interprétées par Anett Fritsch et Paola Gardina qui donnent aux deux héroïnes un visage moderne et diablement séduisant. Elles écrasent l’opéra de leur présence, se mettant littéralement à nu. Andreas Wolf et Juan Francisco Gatell leur donnent la réplique d'une belle manière, quoiqu’avec sans doute moins d’épaisseur pour cet opéra qui entend faire la part belle aux femmes. Tous, et en particulier Alfonso et Despina, s’adaptent à la richesse des registres d’un opéra exigeant : le romanesque, la séduction, la comédie, la farce, voire la tragédie.

Les apports de Haneke dans cette adaptation de Mozart sont considérables. D'abord, en jouant sur le travestissement (Despina en médecin puis en notaire), le metteur en scène autrichien, qui avait adapté un Don Giovanni mémorable à l’Opéra de Paris il y a une dizaine d’années, fait bien mieux que de respecter l'esprit de cet opéra bouffe de Mozart : il jette un pont ahurissant entre le XVIIIe siècle et notre époque. Le Siècle des Lumières et le XXIe siècle se télescopent comme jamais : Don Alfonso reçoit ses hôtes lors d'une soirée costumée, prétexte à figurer sur une même scène des personnages en perruques, jabots et des rôles archi-contemporains avec les deux couples Fiordigili–Despina et Ferrando–Guglielmo. Le décor somptueux et froid est celui d’un château qui pourrait être de toutes les époques, si l’on omet le mobilier ou un bar richement achalandé – car on boit beaucoup dans cet opéra.

Coproduit avec la Monnaie de Bruxelles, monté et joué au Teatro Real de Madrid il y a cinq ans, le Così fan tutte de Haneke marquera les esprits par sa relecture des rôles de Don Alfonso interprété par un William Shimell impressionnant de force et de présence et Despina, alias Kerstin Avemo dans un personnage où se mêlent des blessures cachées, la cruauté et la rouerie.

Metteur en scène génial, Haneke se nourrit de l’œuvre de Mozart sans la trahir. Dans son adaptation, Despina et Don Alfonso forment un couple – le troisième de cet opéra – à la fois pervers, troublant et riche d'une histoire que le spectateur pourra imaginer. Le réalisateur autrichien résume ainsi le pitch de son opéra déjà historique : "Pourquoi le riche Alfonso a-t-il épousé Despina alors que c'est une étrangère et qu'elle a vingt ans de moins que lui ? Pourquoi croit-il qu'elle le trompe ? Pourquoi doit-il l'humilier ? Pourquoi doit-elle l'humilier ? Pourquoi a-t-il fait "moderniser" sa superbe villa ancienne ? Pourquoi organise-t-il pour ses amis une crémaillère costumée ? Que veut-il prouver et à qui ? Pourquoi Despina est-elle si triste ? Pourquoi les garçons sont-ils tellement convaincus que leurs amies sont fidèles ? Pourquoi leurs amies en sont-elles fâchées ? Pourquoi sont-ils donc tous si désespérés, si crispés et si fiers ?" Au spectateur de s'en faire une idée, d'accepter de se laisser conduire par Haneke dans cette mise en scène et de partir dans une aventure amoureuse et lyrique, et dont le dernier mot pourrait être laissée à cette phrase en forme de morale : "Heureux qui prend tout du bon côté et qui, dans l’adversité, se laisse guider par la raison."

Wolfgang Amadeus Mozart, Così fan tutte, dirigé par Sylvain Cambreling, mis en scène par Michael Haneke, avec Anett Fritsch, Paola Gardina, Andreas Wolf, Juan Francisco Gatell, William Shimell, Kerstin Avemo, C Major, 2013, 202 mn

Le catalogue édité pour le programme de l’opéra Nantes-Angers pour la saison 2017-2018 réserve une divine surprise.

Bien entendu, les passionnés d’art lyrique découvriront les futurs rendez-vous de l’illustre maison ligérienne pour la saison prochaine : une Damnation de Faust de Berlioz, un Fidelio de Beethoven, une nouvelle production du Couronnement de Popée de Monteverdi ou un Rinaldo d’Haendel conduit par Bernard Cuiller.

Le bloggeur entend cependant s’arrêter sur ce qui fait le vrai plus de ce catalogue : ses illustrations. Bien entendu, le choix promotionnel de faire appel à un artiste photographe pour les catalogues lyriques n’est pas nouveau et d’autres établissements lyriques ont suivi cette mode. L’Opéra de Paris propose ainsi d’épais et classieux programmes, souvent enrichis de clichés au minimalisme qui peut d’ailleurs laisser perplexe.

Pour la saison 207-2018, l’opéra de Nantes a choisi Nicolas Dhervillers, un photographe internationalement reconnu pour son sens du lyrisme et de la mise en scène.

Pour le programme musicale de l’établissement nantais, la série Detachment, dont est tirée la majorité des photos, nous transporte dans des paysages grandioses et aux mises en scène picturales (par exemple l’illustration pour Mam’zelle Nitouche de Hervé). Les personnages y semblent soit contemplatifs, soit perdus (la couverture du catalogue). L’illustration pour Fidelio rappellera sans doute les paysages de neige de l’impressionniste norvégien Frits Thaulow, mis à l’honneur lors du dernier Normandie Impressionniste.

Une photographie de la série Road Movie illustre La Damnation de Faust, cette fois dans une scène que l’on croirait sortie d’un film noir américain. Quant au cliché choisi pour illustrer le Rinaldo d’Haendel, il n’est pas sans rappeler la patte du réalisateur français Fabrice Gobert (Les Revenants, Simon Wemer a disparu).

Ajoutons aussi, non sans une pointe de regret, qu’un Pelléas et Mélisandre aurait été un dernier et superbe clin d’œil à l’adresse de Nicolas Dhervillers, lui dont les clichés oniriques font le pont entre le symbolisme (une photo tirée de la série Hommages pour le spectacle Atys en Folie) et la modernité (My Sentimental Archives pour Les P’tites Michu).

L’Opéra de Nantes a créé un catalogue pour faire découvrir sa programmation musicale, et c’est sur un photographe que nous nous enthousiasmons. Comme quoi, un art peut en cacher un autre.

http://www.angers-nantes-opera.com
http://www.nicolasdhervillers.com
Nicolas Dhervillers à Kansas City, Missouri, USA, du 1er septembre au 28 octobre 2017,
à la Fondation Louis Moret, Martigny, Suisse, du 9 septembre au 15 octobre 2017,
à la galerie Hiltauwsky, Berlin, du 23 novembre 2017 au 15 janvier 2018

© Nicolas Dhervillers

Créé en 1987, l’opéra Nixon in China de John Adams est devenu légendaire grâce à l'une de ses premières scènes spectaculaire : sur un célèbre morceau symphonique et harmonique, l'avion présidentiel américain Air Force One atterrit sur scène. Il est accueilli par une délégation chinoise, chargée de conduire le Président Nixon (James Maddalena) vers le leader communiste Mao Zedong (Robert Brubaker). Cette rencontre historique de 1972 est devenue, il y a trente ans, un opéra majeur. Le compositeur américain John Adams est à la baguette pour la version qu’il a dirigée au MET de New York en 2011. Non content de mettre en scène un moment phare de l’actualité mondiale autant que la rencontre de deux personnalités exceptionnelles, John Adams réalise un chef d’œuvre qui a frappé de stupéfaction le monde lyrique.

Pour cette version de 2011, c’est Peter Sellars qui est chargée de la mise en scène, avec un luxe d’inventions visuelles pour faire de ce moment d’histoire et de cet opéra contemporain une fable sur la politique et sur l’idéologie.

Au cours du premier acte, c’est un Mao vieillissant que rencontre le Président américain. Dans cinq ans, le Grand Timonier va disparaître mais "l’empereur communiste" apparaît comme un fantôme, dans un palais peuplé d’ennemis, de soupçons et de souvenirs. Autour du vieux chef, une cour est affairée et déjà tournée vers l’avenir, la diplomatie jouant un rôle à la fois trouble et majeur ("La nuit, tous les diplomates sont gris").  

Mao fait sa première apparition dans une bibliothèque inquiétante. Il est porté par trois jeunes femmes en tenue de soldat. Cette scène inaugure un spectacle mêlant scènes réalistes et moments hallucinés, dans une intrigue mêlant géopolitique, diplomatie et sens de l’histoire. Janis Kelly, dans le rôle de Pat Nixon, apporte ce sens de la vanité. Dans l’acte II, la femme de Richard Nixon visite les rues de Pékin et part à la rencontre des gens du peuple. John Adams fait d’elle, non plus la first lady mais une déesse ou, mieux, la réincarnation d’une Antigone moderne, au milieu du décor fantasmagorique de l’éléphant.

John Adams fait du voyage diplomatique de Nixon en Chine une composition de tableaux baroques, par exemple avec par exemple ce ballet cauchemardesque dans la deuxième moitié de l’acte deux. En mettant en scène une représentation du Détachement Rouge des Femmes de Jiang Qing, alias madame Mao (Kathleen Kim), le compositeur fait un sort aux dictateurs et politiciens cyniques de tout poil, avec une mention spéciale pour Henry Kissinger (excellent Richard Paul Fink). La femme de Mao tient le rôle principal de cette farce cauchemardesque, dans le rôle de l’échanson d’une dictature grossière et violente. La mise en scène de Peter Sellars puise largement pour cette séquence dans le style pompier caractéristique des peintures de propagande communiste : soldats révolutionnaires traditionnels, drapeaux rouges, paysages majestueux en hommage au milieu paysan et gestes expressifs.

L’acte III voit le retour symbolique de l’Air Force One. Mais cette fois c’est Mao qui descend d’un escalier escamotable pour rejoindre le peuple, en traversant son propre portrait. La mégalomanie du despote, stigmatisée avec une grande puissance, n’est pas traitée sans humour ("Hit it, boys!"). Ballets, postures décalées des personnages et décor irréel servent au déboulonnage du Grand Timonier. Zhou Enlai (Russell Braun), qui tient un rôle majeur tout au long de l’opéra, incarne la voix de la conscience politique chinoise. L’opéra crépusculaire s’achève avec les envolées suppliantes de celui qui a été à la fois le plus fidèle allié et le plus grand adversaire de Mao.

Opéra crépusculaire, Nixon in China est aussi un formidable moment musical qui a fait entrer le courant répétitif américain, révolutionnaire à son époque, dans un autre univers.

John Adams, Nixon in China, dirigé par John Adams,
avec Russell Braun, Ginger Costa-Jackson, Teresa S. Herold,
Tamara Mumford, Janis Kelly, Richard Paul Fink
Robert Brubaker, Kathleen Kim, Haruno Yamazaki et Kanji Segawa,
mise en scène de Peter Sellars,
éd. Nonesuch, The Metropolitan Opera, 2011, 177 mn
"Zhou, en avant la révolution"

J'avais parlé il y a peu du joli projet de la Fabrique Opéra de Toulouse.

Les 3, 4, 8 et 9 mai 2016 le Zénith de Toulouse devait accueillir pour la première fois Carmen par La Fabrique Opéra Toulouse. Malheureusement, les organisateurs toulousains sont dans l’obligation d’annuler pour des rasions économiques le spectacle à la suite de la décision de La Fabrique Opéra nationale de rompre unilatéralement la convention qui les unissait depuis 2015.

Les organisateurs toulousains communiquent et remercient l’ensemble des élèves et des établissements qui étaient impliqués depuis plusieurs mois à leurs côtés pour créer un spectacle hors du commun ainsi que tous les partenaires et mécènes qui les soutenaient.

"Carmen ou Comment fabriquer un opéra"

Rendre l’opéra accessible à tous est la petite ritournelle qui ne mange pas de pain et qui semble faire l’unanimité. Par contre, dès qu’il s’agit de la mettre en application…

Depuis 2006, sous la houlette de Jacques Attali, La Fabrique Opéra a retroussé ses manches et s’est attelée à un projet qui mérite d’être salué. Le principe ? Monter un opéra de A à Z grâce à l’économie participative, au maillage associatif et à toutes les bonnes volontés. L’objectif est également de populariser un genre n’ayant – hélas ! – pas les faveurs des jeunes générations.

Ce projet a démarré à Grenoble et entend bien essaimer partout en France et encourager la production d’opéras. En entendant Orléans courant 2016, La Fabrique Opéra Toulouse proposera quatre représentations de Carmen de Georges Bizet au Zénith de Toulouse les 3, 4, 8 et 9 mai 2016.

Parler d’opéra collaboratif et populaire n’est pas un vain mot. Le concept de La Fabrique Opéra est d’ouvrir la création d’un opéra de A à Z à tous. Puisque le spectacle lyrique est souvent impuissant à faire venir de nouveaux publics, c’est ce nouveau public qui est invité à investir et gérer un domaine considéré – à tort ou à raison – comme élitiste.

Monter un opéra : ce projet fou est désormais accessible à tous. Ainsi, à Toulouse près de 400 élèves issus de filières professionnelles, répartis sur 10 établissements de la région, sont chargés de créer de toute pièce un spectacle de Carmen : décors, costumes, coiffures, communication, selon leurs domaines de prédilection. La Fabrique Opéra peut s’enorgueillir d’accueillir parmi ses publics 50 % de néophytes et 30 % de moins de 40 ans (et 62 % viennent en famille) : des chiffres qui feraient pâlir les opéras Garnier, Bastille et consort.

À cela s’ajoute un mode de financement original : 65 % du budget repose sur la billetterie. Le reste vient d’un mécénat très large – grands groupes, fondations, ministère de l’Éducation nationale, associations – mais aussi du crowdfunding. "Le modèle économique de La Fabrique Opéra permet de proposer des places au tarif moyen raisonnable (autour de 37€), soit moitié moins qu’un opéra traditionnel", apprend-on également sur le site de La Fabrique Opéra.

Côté spectacle maintenant, les créateurs du Carmen qui sera produit à Toulouse, n’entendent pas mégoter sur la qualité. Stéphane Roche, du Capitole, de Toulouse, est chargé de la mise en scène l’opéra de Bizet. Stanislas de Monredon, chef d’orchestre de La Philharmonie de Toulouse, sera à la direction. Giuseppina Piunti endossera le rôle redoutable et sulfureux de Carmen. Elle côtoiera notamment Luca Lombardo (Don José), Julia Kogan (Micaëla) et Yann Toussaint (Escamillo).

Une jolie distribution pour un projet ambitieux. Rarement l’expression "rendre l’opéra accessible" n’a paru aussi adéquate.

Carmen de Georges Bizet, Zénith de Toulouse, 3, 4, 8 et 9 mai 2016
http://www.lafabriqueopera.com

Pour jouer Lulu, rôle phare de l'opéra le plus célèbre du XXe siècle, combien de sopranos auraient le coffre de s'y frotter ? Or, non content d'avoir relevé le gant pour la Monnaie de Bruxelles en 2012, Barbara Hannigan mérite de voir son interprétation devenir une référence légendaire. 

Lulu, l'opéra dodécaphonique en trois actes d'Alban Berg (le dodécaphonisme étant cette technique inventée par Arnold Schoenberg donnant une importance comparable aux douze notes de la gamme chromatique, rejetant de fait toute tonalité), écrit en 1935 et resté inachevé par le compositeur (le troisième acte a été terminé par Friedrich Cerha), conte le destin de Lulu. Celle que l'on nomme et surnomme également Eva, Mignon, Nelly ou Lilith est une beauté légendaire, une femme fatale, "un ange exterminateur" et la "la putain la plus raffinée qui ait jamais ruiné un homme" comme le dit un de ses amants et victimes.

La cruauté de l'amour est au centre de cet opéra, non exempt d'humour noir. Un prologue en anglais présente au spectateur (symboliquement représenté sur scène) cette "vraie bête, sauvage et belle [que l'on ne verra] qu'ici". Lulu, jouée avec ardeur et juste démesure par une Barbara Hannigan complètement habitée par son rôle, passe d'homme en homme tout au long de ces plus de trois heures de spectacle. 

Séduite par un artiste (interprété par Tom Randle, peintre devenu photographe dans cette version de 2012), Lulu provoque une crise cardiaque mortelle de son mari qui la surprend. Le photographe devient son mari et se suicide de jalousie en apprenant la vie amoureuse tumultueuse de sa femme. Le Dr Schön (Dietrich Henschel), directeur d'un journal, est témoin de cette mort et craint pour sa réputation, alors qu'il s'apprête à se fiancer. Puis, c'est lui-même qui tombe dans les bras de Lulu à la fin d'acte I, sous les yeux complices et jaloux et son fils Alwa (Charles Workman) – qui pense par ailleurs que cette femme ferait un très beau sujet d'opéra ! Dans l'acte II, le Dr Schön est devenu le nouveau mari de Lulu mais sombre lui aussi dans la jalousie ("Voilà donc le soir de ma vie : la peste à domicile", auquel la belle répond : "Tu as sacrifié tes vieux jours, tu as reçu ma jeunesse en échange" ). Il constate que sa femme séduit la comtesse Gräfin Geschwitz (Natasha Petrinsky), sorte de double positif de Lulu : "Elle ne peut pas vivre d'amour car sa vie est amour". Schön perd tout contrôle de lui-même, s'enflammant pour son épouse tout en la suppliant de se suicider pour le bien de tous : "Sans le savoir tu transformes en criminels les gens qui t'entourent". Mais Lulu refuse, prend le revolver que lui tend son mari et le tue. Arrêtée, la criminelle parvient à s'enfuir grâce au fils de Schön. Le couple se retrouve à Paris. Devenu proxénète (acte III), Alwa est entretenu par Lulu. La prostituée terminera sa triste carrière de séductrice sous la lame de Jack L’Éventreur (Dietrich Henschel, de nouveau). Son amie fidèle et sacrifiée, la comtesse Geschwitz ne parvient pas à la défendre et est tuée elle aussi par le serial-killer.

Drame terrible, l'opéra dodécaphonique et expressionniste de Berg, dirigé par Paul Daniel, prend l'allure d'un spectacle rock et sexy grâce à la mise en scène de Krzysztof Warlikowski. L'inventivité est omniprésente dans cette version contemporaine : un décor monstrueux composé d'un escalier encadré de toboggans surréalistes, une cage de verre omniprésente, des animaux empaillés, les costumes à l'avenant, l'omniprésence du travestissement, les projections vidéo, des scènes de ballet, des figurants par dizaines peuplant la scène. Le baroque, l'inventivité, la démesure revendiquée et la folie servent les chanteurs, Barbara Hannigan en premier lieu. 

Parler d'interprétation exceptionnelle à son sujet n'est pas exagérée. La soprano canadienne se donne corps et âme dans Lulu. Elle incarne ce personnage jusqu'à la démesure, se faisant tour à tour séductrice, romantique, danseuse, junkie, prostituée, bourreau et victime sacrifiée sur l'autel du plaisir. Alwa chante au cours du deuxième acte un hymne à cette femme condamnant chaque homme qu'elle séduit : "Je vois ton corps comme une musique. Ces chevilles un grazioso. Ces rondeurs un cantabile. Ces genoux un misterioso. Et le puissant andante de la volupté." Un aria qui pourrait tout autant s'adresser à Barbara Hannigan, une Lulu pour l'éternité.

Alban Berg, Lulu, dirigé par Paul Daniel, mise en scène de Krzysztof Warlikowski, avec Barbara Hannigan, Dietrich Henscheln, Charles Workman, Natascha Petrinsky, Pavlo Hunka, Tom Randle, Ivan Ludlow, Rosalba Torres Guerrero et Claude Bardouil, Bel Air Classiques, 2014
http://www.barbarahannigan.com