Quel contraste entre Eraserhead, le premier long-métrage surréaliste et un brin foutraque du  tout jeune David Lynch et cet Elephant Man, son deuxième film, acclamé par le public et la critique, sans toutefois avoir récolté les récompenses qu’il aurait mérité – aucun oscar, pas même celui du meilleur maquillage, prix qui ne sera créé du reste qu’un an plus tard…

Or, à y réfléchir de plus près, cet homme éléphant n’est pas aussi éloigné que le bébé difforme et monstrueux d’Eraserhead. On oserait presque dire qu’il semble en être un prolongement. Ajoutons aussi que les deux films ont été tournés en noir et blanc, un noir et blanc somptueux pour Elephant Man grâce au travail de Freddie Francis.

Que de différences entre le long-métrage de 1980, Grand Prix du festival d’Avoriaz et César du meilleur film étranger, et Eraserhead ! A sa sortie, le scénario linéaire, chronologique et clair d'Elephant Man fait taire de nombreuses critiques échaudées par son précédent opus indépendant surréaliste et psychanalytique.

Pour Elephant Man, le réalisateur américain a choisi de s’intéresser à l’histoire vraie de John Merrick (en réalité Joseph Merrick), joué par John Hurt, recueilli par le docteur Frederick Treves (Anthony Hopkins). Être né difforme, Merrick est exhibé dans des foires, très populaires à la fin du XIXe siècle. L’homme éléphant trouve asile dans l’hôpital où travaille Treves, en dépit des critiques de ses pairs. Très vite, Merrick s’avère ne pas être le monstre qu’il paraît. Il est aimable, d’une grande gentillesse et très cultivé. Bientôt, il devient une célébrité, s’attirant la sympathie d’une actrice renommée.  

Un être sensible, doux comme un agneau, cultivé, artiste et aussi malheureux

Qui sont les monstres ? Voilà la question qui traverse ce film devenu un grand classique du cinéma. Cet homme que la nature a rendu physiquement difforme ? Son propriétaire qui l’exploite sans vergogne ? Les spectateurs - on oserait même ajouter ceux du film - qui viennent contempler le "monstre" pour goûter à une peur excitante ? Ou bien le Dr Treves, comme il le dit lui-même ? C’est pourtant à ce dernier que l’homme éléphant doit une nouvelle existence presque normale, entouré de médecins, d’aides-soignantes dévouées et d’admirateurs et admiratrices. Lorsque ce dernier, pourchassé dans le métro, clame cette phrase devenue culte, "Je ne suis pas un animal, je suis un être vivant !", il fait face à une horde de passants devenus eux-mêmes monstrueux. Le spectateur ne découvre l'apparence physique de l'homme éléphant qu’au bout de 25 minutes, suite à l’intrusion d’une aide-soignante  dans sa chambre. La jeune femme hurle de peur, peur partagée par l’homme monstrueux.

Finalement, seule la comédienne  Madge Kendal, jouée par la superbe Anne Bancroft (Miracle en Alabama, Le Lauréat), et devenue son amie, apparaît comme la seule personne pure du film – avec John Merrick lui-même. 

John Merrick, aussi effrayant qu’il soit (bravo au maquillage ahurissant de Christopher Tucker !), est d’abord un être sensible, doux comme un agneau, cultivé, artiste et aussi malheureux. L’abandon de sa mère est d’ailleurs le nœud de sa souffrance, sans doute autant que les humiliations et les coups de sa vie de bête de foire. 

Le soulagement final de cette triste existence ne viendra que dans les dernières minutes, avec quelques plans oniriques – une marque de fabrique de Lynch – et la voix consolatrice de la mère de Merrick : "Rien ne meurt jamais", murmure-t-elle à son fils dans ce dernier moment devenu une délivrance. 

Elephant Man, drame de Lynch David, avec Anthony Hopkins, John Hurt, Anne Bancroft,
1980, 124 mn, StudioCanal 
https://store.potemkine.fr/dvd/5053083211769-elephant-man-lynch-david

Voir aussi : "Tête effaçable"

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Chef d’œuvre de David Lynch, Mullholland Drive, sorti en 2001, figure pour beaucoup de critiques comme l’un des 10 meilleurs, sinon le meilleur film de ce premier quart du XXIe siècle. Inimitable, surréaliste, au scénario sophistiqué et malin, esthétiquement magnifique, sans compter la musique d’Angelo Badalamenti, le compositeur fétiche de Lynch. Tout fait de la ce film remarqué au Festival de Cannes 2001 une pure merveille (il n'obtiendra cependant pas - et c'est injuste - la Palme d'Or).

Mulholland Drive est une vraie expérience de cinéma qu’un premier visionnage peut désarçonner. Quitter le film avant la fin condamne le spectateur à passer à côté d’une histoire à la fois bouleversante et pathétique.   

Sur les hauteurs de Mulholland Drive, une limousine se fait arrêter par une voiture d’où sortent des malfrats. Leur cible est la passagère, Rita, en tenue de soirée. Elle échappe aux hommes de main grâce à un accident opportun. En fuite, elle trouve son salut en se réfugiant dans une maison désertée par sa propriétaire. La lumineuse Betty, venue tenter sa chance à Hollywood, débarque quelques heures plus tard dans cette grande demeure que lui a prêtée sa tante. Envoûtée par la mystérieuse fuyarde, Betty propose son aide à Rita qui est devenue amnésique suite à l’accident. Dans le même temps, Betty tente sa chance dans la ville du cinéma en courant un casting et un plateau qui doit lui apporter la gloire. 

Un couple d’actrices Naomi Watts / Laura Harring devenu légendaire

Le spectateur doit accepter de se laisser guider par un David Lynch qui n’a sans doute jamais été aussi inspiré. Pendant les trois premiers quarts d’heures du film, les événements se succèdent, tour à tour grotesques (les tueurs à gage maladroits), surréalistes (la scène du monstre sur le parking d’un bar), tragiques ou surprenants. Les personnages secondaires sont à l’avenant, à commencer par le réalisateur falot Adam (Justin Theroux) ou la sympathique Coco qui a droit à un traitement différent dans le dernier quart d’heure du film.

Chaque visionnage du film permet de s’arrêter sur des détails – qui n’en sont pas – et des scènes a priori anodines : la scène du café trop amer, le casting de Betty ou encore l’apparition du monstre, l’une des plus marquantes sans doute dans la carrière de Lynch.

Et puis, il y a ce couple d’actrices, Naomi Watts et Laura Harring, devenu légendaire. Naomi Watts, en particulier, livre une interprétation formidable en incarnant une femme aux différents visages.

Pour toutes ces raisons, Mulholland Drive est un chef d’œuvre à voir, revoir, re-revoir, et cetera. 

Mulholland Drive, thriller indépendant américain de David Lynch, avec Naomi Watts, Laura Harring,
Justin Theroux et Ann Miller, 2001, Studiocanal, Les Films Alain Sarde, DVD, 146 mn
https://www.arte.tv/fr/videos/037068-000-A/mulholland-drive
https://www.canalplus.com/cinema/mulholland-drive/h/40659667_50889

Voir aussi : "Insensé"

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On est bien d’accord. Sailor et Lula, le film de David Lynch, palme d’or à Cannes en 1990 a quelque peu vieilli. Cependant, quel plaisir de trouver Nicolas Cage sans doute dans son plus beau rôle, celui d’un ex-taulard retrouvant sa petite amie Lula après un violent coup de sang. Quant à Laura Dern, presque au début de sa carrière, elle incarnait une réincarnation trash de Juliette avec un sex-appeal incroyable.

Sailor retrouve Lula après avoir poignardé un homme qui avait insulté sa petite amie. Ils se retrouvent plus amoureux que jamais, mais avec Marietta la mère de la jeune fille désireuse de l’éloigner du voyou – pour lequel elle a d’ailleurs eu un béguin. Voilà donc nos deux tourtereaux décidés à fuir la prison domestique de Lula. Marietta lance un tueur à ses trousses pour se débarrasser de Sailor. La route que prend le couple s’avère dangereuse et le voyage est rythmé par des rencontres singulières, pour ne pas dire dangereuses.

Contes de fées

Quelques jours après la mort de David Lynch, sa Palme d’Or cannoise est sans nul doute à découvrir et redécouvrir. Eraserhead avait frappé par son aspect foutraque et surréaliste. Elephant man avait ensuite conquis la planète grâce à ce formidable joyau autour de la monstruosité et de l’humanisme.

Ici, nous sommes dans une revisite de Roméo et Juliette avec l’art de Lynch : poésie, surréalisme, références à l’Amérique contemporaine (le road-movie, Elvis Presley, Marlon Brando et sa fameuse veste en peau de serpent et le polar moderne). Mais comme David Lynch n’est un réalisateur à part, il s’approprie des mythes du conte de fées : la méchante belle-mère, la sorcière ou le monstre – habituel dans son cinéma.

Dans Sailor et Lula, récit halluciné d’un road-movie dangereux, tous les sens sont en éveil. La love story contemporaine se déguste comme un long clip coloré, musical nerveux et sensuel. Laura Dern jouait là sans doute son meilleur rôle.  

Sailor et Lula, comédie dramatique américaine de David Lynch, avec Nicolas Cage, Laura Dern, Diane Ladd, Willem Dafoe et Isabella Rossellini, 1990, 124 mn, Potemkine, DVD
https://store.potemkine.fr/dvd/5050582795257-sailor-et-lula-lynch-david
http://www.aboutlynch.com
https://www.davidlynchfoundation.org

Voir aussi : "Tête effaçable"

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Quelques jours après le décès de David Lynch, l’un des grands noms du cinéma indépendant mondial, intéressons-nous à son premier long-métrage, Eraserhead, film culte, encore décrié, incompris pour beaucoup, pour ne pas dire détesté, adulés par d’autres.

David Lynch a une vingtaine d’années lorsqu’il se lance dans ce projet, après quelques courts-métrages. Surnommé Labyrinth Man, son scénario reçoit la bénédiction de l'American Film Institute (AFI) de Los Angeles pour commencer le tournage. Il durera plusieurs années en raison de problèmes financiers. Lynch a tourné son film à Philadelphie où il a vécu une partie de sa vie.

Contre toute attente, le film sorti en 1977 est un succès commercial, s’attirant des louanges pour son aspect foutraque, surréaliste et horrifique ("Je l’ai vu !" voit-on imprimer sur des tee-shirts portés par les fans qui sont allés le découvrir). Lorsque Lynch sort son deuxième film Elephant Man, triomphe critique et commercial, Eraserhead ressort, confirmant son statut de film culte.

Dans une zone industrielle, de retour dans son appartement, Henri Spencer, reconnaissable à sa coiffure défiant les lois de la nature, apprend de sa voisine de pallier qu’il est invité à dîner par la famille de sa petite amie. Une invitation qui le surprend car Henri et Mary étaient séparés. Lors du dîner, à la fois grotesque et inquiétant (un poulet servi reprend vie, le père de Mary tient des propos et des attitudes incohérentes alors que la mère de la jeune fille entreprend l’invité), Henry apprend qu’il est le père d’un enfant prématuré, en réalité un monstre difforme. 

"Je l’ai vu !"

Bientôt, Henry doit s’occuper du bébé, un être vivant ressemblant plus à un alien qu’à un humain. À bout de nerf et incapable de supporter les cris de son enfant, Mary part. Seul et paumé, Henry trouve son réconfort dans le radiateur de son propre appartement où une artiste se produit dans un cabaret. La suite d’Eraserhead est constituée d’événements aussi surréalistes que perturbants : un rêve de décapitation, le cerveau d’Henry transformée en crayon à effacer, une voisine de pallier le quittant à son tour pour un autre homme après une relation éphémère avec Henry et finalement la mort du bébé.

On comprend que la sortie d’Eraserhead a été un choc visuel dès sa sortie. Encore aujourd’hui, il ne laisse pas indifférent. La grammaire cinématographique lynchienne prend toute sa mesure et sa démesure dans le film le plus underground de sa carrière – c’est dire ! Ce long-métrage relativement court (85 minutes) visite les thèmes du rêve et du cauchemar mais se veut aussi un conte sur la parentalité – le cinéaste est à l’époque tout jeune papa d’une fille au pied déformé. Le spectateur y verra aussi un tableau sombre de la société contemporaine. 

Que l’on aime ou que l’on n’aime pas, l’histoire a parlé : Eraserhead, film surréaliste et psychanalytique est un monument du cinéma. Il fait aujourd’hui partie des œuvres sélectionnées par le National Film Registry de la bibliothèque du Congrès des États-Unis en raison de son intérêt culturel, historique ou esthétique. 

Eraserhead, fantastique américain de David Lynch, avec Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, Jeanne Bates, Judith Anna Roberts, Laurel Near, Jack Fisk, Jean Lange, Thomas Coulson, Jennifer Lynch, Potemkine, 1977, 85 mn
https://store.potemkine.fr/dvd/3545020045282-eraserhead-david-lynch
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Voir aussi : "Le retour de Laura Palmer"

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La rentrée approche : rentrée scolaire, rentrée au boulot, rentrée littéraire… Cela pourrait tout aussi bien être la rentrée presse.

À l’heure des bonnes résolutions, pourquoi ne prendrions-nous pas celle de nous abonner à un journal ou à une bonne une revue dès septembre ?

Ça tombe bien, Bla Bla Blog vous a déniché cet été une pépite : Plugged, créé en 2011, un magazine rock et branché, "Music movies and fa-fa-fa-fa fashion", comme le proclament ses rédacteurs. Comme son aîné Les Inrockuptibles, Plugged passionnera les amateurs de pop-rock comme les lecteurs curieux de découvertes culturelles.

La couverture du numéro de cet été est consacrée au duo australien Angus & Julia Stone. La sœur et le frère sortent le 29 septembre leur prochain album Snow.

On retrouve dans l’édition de juillet-août une rencontre avec Liam Gallagher. L’ex d’Oasis devrait lui aussi faire l’actualité de la rentrée avec son premier album solo, As You Were.

Toujours en musique, le magazine propose de découvrir le duo féminin de punk urbain Nova Twins, le groupe HMLTD engagé dans la cause LGBT, le retour de BB Brunes avec leur nouvel album Puzzle. Outre un bilan de la dernière édition de Solidays, le lecteur ne devra pas manquer la chronique consacrée aux Sparks, qui annoncent leur future collaboration avec le réalisateur Leos Carax.

Le cinéma n’est d’ailleurs pas en reste dans Plugged, avec plusieurs focus passionnants. Outre Colossal, film fantastico-romantique seulement en e-cinéma (sic), les rédacteurs ont choisi de s’arrêter sur Terminator 2 – Le Jugement dernier, de retour dans les salles obscures en 3D et 4K. Les lecteurs découvriront également Chrysta Bell, la chanteuse, auteure-compositrice, mannequin mais aussi actrice et muse de David Lynch depuis son film Inland Empire (2006). Elle est au casting de la nouvelle saison de Twin Peaks.

Plusieurs interview ont retenu notre attention : celle de Roschdy Zem, à l’affiche des Hommes du Feu, de Manuel Pérez Biscayart que l’on peut découvrir dans 120 Battements par Minute, de Michel Hazanavicius pour son biopic sur Jean-Luc Godard (Le Redoutable), et surtout de Noomi Rapace, auteure d’une performance qui risque de faire date dans le film de science-fiction Seven Sisters (sortie en salle le 30 août prochain).

Les aficionados d’infos plus people s’arrêteront, selon les goûts, sur les pages mode avec Numa Acar, l’ex Prison Break, en mannequin de luxe, ou encore sur les pages glamours consacrées aux actrices françaises montantes, avec Eva Danino, Hania Amar, Gwendolyn Gourvenec et la chouchou de Bla Bla Blog, Alka Balbir.

Pour compléter cette présentation non-exhaustive d’une revue captivante, citons les chroniques critiques cinéma, jeux-vidéos, séries télé, automobile, mode et applications – mais, curieusement, rien sur les livres. Le numéro estival du magazine rock se clôture par une page consacrée à Alice Cooper.

En conclusion, Plugged a brillamment réussi le crash-test de Bla Bla Blog pour faire partie de la rentrée presse de septembre.

Plugged, bimestriel
https://twitter.com/plugged_mag
https://www.facebook.com/MagazinePlugged

Dans le dernier épisode de la deuxième saison de Twin Peaks, diffusée en 1991, Laura Palmer donnait rendez-vous à l’agent Dale Cooper dans 25 ans. Les fans de la série réalisée par David Lynch espérait sans trop y croire que cette invitation surnaturelle ne faisait pas partie des pieds-de-nez dont le réalisateur est coutumier.

25 ans plus tard, la promesse de la célèbre victime est respectée : Twin Peaks est de retour pour une troisième saison. Bien entendu, les personnages ont vieilli et le monde a changé. Mais les fans retrouveront la patte de David Lynch et les ingrédients qui ont fait le succès d’une œuvre élevée au rang de mythe.

L’agent Dale Cooper reprend donc du service, aiguillonné par une prémonition de la femme à la bûche. Le célèbre flic, complètement métamorphosé, est accompagné de quelques personnages des deux saisons précédentes, de retour 25 ans plus tard : Lucy Moran, Andy, Shelly Johnson, le docteur Lawrence Jacoby ou encore Bobby Briggs. Sur les pas de Laura Palmer, David Lynch prend un malin plaisir à poser les bases d’une histoire sombre, avec son lot de crimes, de surnaturel, de fantômes et de rêves.

Cette fois l’intrigue de Twin Peaks explose les frontières de la petite ville. Pour le reste, les fans seront en terrain connu : personnages inquiétants aux gestes lents et hiératiques, intrigue se jouant du temps et la réalité, décors glaçants, mise en scène soignée, couleurs chaudes et bien entendu la musique d’Angelo Badalamenti. Tous les ingrédients des deux premières saisons de Twin Peaks sont là, au service non pas d’une histoire préchauffée et resservie mais dans un nouveau cycle fidèle à l’univers lynchien.

"Est-ce que c’est le futur ou est-ce que c’est le passé ?" demande l’un des personnages dans le deuxième épisode. Nous répondrons : l’un et l’autre. Twin Peaks a su se renouveler avec une richesse qui, pour l’instant, ne déçoit pas, tout en restant fidèle à l’ADN d’une série qui a révolutionné l’histoire de la télévision.

Twin Peaks, saison 3, de David Lynch et Mark Frost,
avec Kyle MacLachlan, Dana Ashbrooks, Sheryl Lee, Sherilyn Fenn,
David Duchovny, David Lynch, Mädchen Amick
et Catherine E. Coulson, États-Unis, 2017,
sur Canal+, jusqu’au 30 octobre 2017

Peut-être serait-il bon de définir ce qu’est d’abord l’ouvrage de Nicolas Le Bault, La Fille-Miroir (éd. Réseau Tu dois) : un très bel objet d’art, le genre de livres gardé amoureusement dans sa bibliothèque et dont ont ne se séparerait pour rien au monde.

Dans un format traditionnel, avec couverture cartonnée toilée et impression sur papier épais (mais sans numérotation de pages), Nicolas Le Bault a produit un roman graphique d’une belle audace, publié par une maison d’édition parisienne, Réseau Tu Dois, spécialisée dans "la fabrication du livre d’artiste du XXIe siècle".

Sur environ 120 pages, l’écrivain et graphiste a construit un petit bijou artisanal : texte reproduit patiemment à la main d’une écriture cursive enfantines, aquarelles naïves, feuilles de classeurs scolaires insérées telles des pièces à conviction, reproductions de clichés photographiques, de pages de magazines, de coupures de presse ou de publicités kitsch.

La Fille-Miroir est littérairement à la croisée des chemins entre le conte pour adultes, le journal intime et le roman graphique. Le lecteur pourra être déstabilisé par un texte débordant d’imagination et s’enfonçant loin dans les labyrinthiques questions de l’identité, du genre, du fantasme et de la recherche amoureuse.

Hygiène Rose est un garçon que Pierre, dont il est épris, invite à un rendez-vous "dans la clairière aux secrets." Cette idylle se pare de tous les mystères et des jeux les plus étranges où le crime et la perversion ne sont jamais loin. Hygiène Rose est à la fois témoin et victime de scènes dignes de faits divers : "Avait-elle vu des horreur dans le bois creux ?" Les personnages charrient leurs lots de secrets, d’ambiguïtés (y compris sexuelle) et d’équivoques.

Le lecteur – comme le personnage principal – balance entre le rêve et la réalité ("Cela me semblait tellement… vrai…"). Il y a aussi du David Cronenberg dans cette manière qu’a Nicolas Le Bault de s’intéresser aux corps, de les malmener et d’en faire des artefacts inquiétants, tel le visage transfiguré de Léna dévoilant "sa nature perverse" : "Le visage de chairs, de pollutions et d’organes me disait tout ce qu’elle était, tout ce qu’elle nous cachait, et tout ce qu’elle étouffait en elle. Ou bien n’était-ce que le miroir de mon désordre, de ce que je m’éprouvais que trop moi-même… ?"

C’est sans doute cela aussi, cette "fille-miroir" : un voyage dans le mystère du genre et des règles sociales et morales enfreintes, les transgressions pouvant s’avérer fatales. Hygiène-Rose est au fil du conte une victime expiatoire, tourmentée tour à tout par Pierre (surnommé aussi "Pierre le Chien-Loup"), Léna ou l’inquiétant Léopold : "Hygiène était un être doux, sensible, et quelque peu erratique, d’une nature passive et gaie qui excitait à la cruauté. Il semblait souvent se perdre dans ses pensées ou se noyer dans ses émotions, et le mystère de ses sensations avait la profondeur d’un océan ou l’obscurité de la nuit. Insaisissable, il paraissait flotter, lui qui aimait tant le contact de l’eau sur sa peau, sombrer, s’immerger, mais dans quoi ?"

Dans La Fille-Miroir, les lieux les plus paisibles et les plus anodins deviennent des endroits inquiétants où peuvent sévir des maniaques et des tueurs en série : "Et c’est ainsi qu’Hygiène Rose, n’écoutant que ses passions, s’enfuyait vers son destin sous l’affreux rire des dieux. La bête immonde ricane dans ses entrailles et lui grignote le cerveau, mais les rumeurs de la ville qui l’appellent au loin derrière la brume, ne sont-elles pas chargées d’espoir ?"

Telle une Alice traversant le miroir, Hygiène Rose serait une lointaine héritière du célèbre personnage de Lewis Caroll, une créature nourrie par les influences d’Alfred Jarry, du surréalisme, de la culture punk, de l’androgyne Ziggy Stardust, de William Burroughs, de Serge Gainsbourg et des univers à la fois inquiétants et somptueux de Cronenberg et de David Lynch.

Aussi beau, onirique et inquiétant que le titre de Nike Cave et Kylie Minogue, Where The Wild Roses Grow, La Fille-Miroir est une des surprises artistique et littéraire les plus étonnantes de cette fin d’année. On y entre curieux et séduit et on en sort sonné et remué, preuve que ce livre OVNI a pleinement rempli son rôle.

Nicolas Le Bault, La Fille-Miroir, éd. Réseau Tu dois, 2016, 128 p.
http://nicolaslebault.com
http://www.reseautudois.com