Eva Marchal c’est d’abord une voix fragile qui délivre pour son nouvel album, 88, ses confidences, ses interrogations sur le temps qui passe et sur le l’amour. À l’instar du premier titre Je plane, avec une économie de mots, elle parle de mal-être, de mal de vivre et finalement de réconciliation avec soi-même : "Comme les nuages ont de beaux costumes / C’est là devant moi sur écran géant / Les chaos de mon âme se consument / J’ai laissé venir, il était temps de grandir". La chanteuse fait le constat d’un apaisement qui vient finalement, avec le temps : "Laisser-aller au gré du vent / Tous mes tourments / Se sont envolés" (Je plane).

L’auditeur sera sans doute touché par Cigarettes de papier qui fait de souvenirs nostalgiques, simples et touchants, le portrait d’une femme qui a finalement fait ce qu’elle a pu ("Mais tu te dis que tu as fait / Ce que tu as pu / Tes rêves ont bien combattu / Au-delà de tes espérances"), avec des cigarettes de papier en guise de talisman.

Le temps qui passe et l’amour fragile semblent être le fil conducteur de cet opus. Or ce temps qui passe n’est pas évoqué dans toute sa cruauté mais avec une forme de sagesse. Eva Marchal chante, sur des paroles de Sophie Brugeille : "J’voudrais être vieille / Et pleine de rires / Avec une bouche qui garde / Le goût des souvenirs", mais pas trop vite cependant : "Donne moi le temps d’aimer / Donne moi le temps d’oser / Défier le temps Satan" (J’voudrais être vieille). 

"Rien que toi dans ma ligne de mire / Je te salue la liberté"

Pas si sage que ça, la chanteuse parle d’amour, même s’il est brut et sans concession : le titre pop en anglais Crush, franchement emballant, est une déclaration ("I dare to play at love, I’m just playing / I want to break away and set you free / I’m a lover, I’m a lover"), sans fard et même brutal ("I will share a car with you / I’ll even crush that car / Crush that car").

Femme libre, l’artiste parle de "Règles du jeu / Pour ne pas paraître trop vieux" pour garder intact un amour et un couple passionné (On s’est gardés). Mais sommes-nous pour autant à l’abri de la lassitude, de l’épuisement et de la morosité ? ("Es-tu happy ou sad? / Dis, sommes-nous crazy now, dis ? / Derrière ton visage emoji / Au bal des faux semblants / Es-tu toujours / Encore celui d’avant?", Sans Emoji).

Dans la ballade Peine perdue (paroles de Sophie Brugeille), c’est un amour disparu que pleure la chanteuse. Le deuil sentimental qu’elle constate est aussi le début d’une reconstruction : "Aujourd’hui, j’ai la force de voir plus loin que toi / Là je sens que j’amorce un long chemin vers moi". La voix à fleur de peau et presque enfantine d’Eva Marchal se fait onirique dans cet extrait mêlant chanson et électro-pop. L’amer parle aussi de départ et de séparation : "Garde le ton amour / La mer l’a emportée / La mer te le renvoie / Avant que je ne me noie".

Le titre Who I Am évoque une rencontre bouleversante avec son père biologique, teintée de quête d’identité. Quant au morceau Tu regagnes le port, c'est une chanson poignante sur Alzheimer et la peur d’oublier ceux qui nous sont chers.

Eva Marchal est comme ça, à la fois femme libre et amoureuse passionnée capable de s’aliéner dans le désir ("Viens avec ingéniosité / Hacker mon cœur / Viens l’apprivoiser / Déverrouiller ses arcanes / Raviver dedans ce qui se fane", Hacker mon cœur). Mais lorsque l’on est quittés, quelle douleur ! Elle chante la séparation douloureuse ("Alors je me raccroche / Dès que tu regagnes le port / Je me raccroche / Dès que tu regagnes le port / Je t’agrippe fort", Tu regagnes le port) mais aussi l’impossibilité de se dire vraiment adieu (Other shore).

L’auditeur sera sensible à cet autre titre en anglais qu’est la vibrante déclaration This Woman’s Work. L’influence de Kate Bush est évidente dans cette jolie ballade à la facture eighties.

Finalement, Tout roule, chante Eva Marchal en conclusion de son très bel album. Ce titre nous renvoie à des souvenirs d’enfance et aux courses insouciantes en bécane, comme une allégorie de la vie et du temps qui passe. La chanteuse a ces mots magnifiques qui résument tout l’opus : "Rien que toi dans ma ligne de mire / Je te salue la liberté". 

Eva Marchal, 88, Les Contes de Roméo, 2024
https://linktr.ee/evamarchal
https://www.facebook.com/sofrenchgirly
https://www.instagram.com/marchaleva

Voir aussi : "Loussine In The Sly With Diamonds Of Blues"

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On a peine à croire que le diptyque Geisha ou Le jeu du shamisen, publié chez Futuropolis en 2017 soit l’œuvre de deux auteurs bien de chez nous. Et pourtant, Christian Perrissin au scénario et Christian Durieux au dessin nous offrent une formidable plongée dans le Japon traditionnel. Ils s’intéressent aux geishas, des femmes suscitant encore fascination, fantasme et idées reçues. Il fallait bien deux tomes pour marcher sur les pas d’une de ces geishas, de la naissance dans un milieu pauvre jusqu’à ses derniers jours dans un Japon occidentalisé.

Setsuko Tsuda naît pauvre dans un village "de la péninsule". Nous sommes dans les premières années du XXe siècle. Son père, un ancien samouraï désargenté, tente tant bien que mal de faire vivre sa famille, sa femme et ses deux filles grâce à la vente de modestes sculptures en bois. Setsuko et ses proches quittent la campagne pour rejoindre une grande ville de la Côte Est, sans doute Yokohama. Les espoirs d’une vie meilleure sont vites déçus. Lorsqu’elle a 10 ans, Stetsuko est vendue par son père à une maison qui forme des geishas pour vendre leurs services. Stetsuko est rebaptisée sous le nom de Kitsune.

Désormais, son univers sera celui de ses "sœurs" et de ses supérieures. La tradition veut aussi que, "vendue" à l’okiya (la maison des geisha), la jeune geisha devra en réalité rembourser ce qui n’était qu’un "prêt". Les années passent et Kitsune parvient à se faire une place dans ce milieu singulier. Un shamishen, instrument de musique traditionnel, devient l’objet qu’elle ne quitte plus. 

Le scénario se déploie sans à-coups, avec une fluidité enivrante

Geisha ou Le jeu du shamisen, en  deux tomes, est une fiction tirée de plusieurs témoignages (Mémoires d’une Geisha d’Inoue Yuki, Ma vie de geisha d’Iwazaki Mineko, Du côté des saules et des fleurs de Kafu Nagai) mais aussi de documents, romans et chroniques. Par ailleurs, le personnage de Shuji Ariyoshi est inspiré de l’écrivain Osamu Dazaï. Voilà qui donne à cette histoire en deux volumes un parfum d’authenticité.

Graphiquement, Christian Durieux orientalise son trait, donnant à cette bande dessinée française une facture proche du manga à la Jirō Taniguchi. Le scénario se déploie sans à-coups, avec une fluidité enivrante. Les auteurs évitent de tomber dans le piège du scabreux, sans pour autant cacher la réalité sordide de ces jeunes femmes utilisés comme objets sexuels, faire-valoir et dames de compagnie – pour ne pas dire prostituées.

C’est la voix de Stetsuko/Kitsune qui se donne à entendre tout au long du récit. Elle ne cache ni la douleur de sa séparation – son insoutenable vente par son propre père – ni les liens forts qu’elle a pu avoir, y compris avec la responsable de l’okiya, Madame Tsushima. La musique devient un but dans sa vie et son shamisen un compagnon de vie. Dans le deuxième tome, la rencontre avec Shuji et l’amour deviennent centraux, alors que le Japon comme à se tourner vers la modernité et à se détourner de traditions ancestrales, à l’instar des geishas. Singulièrement, Kitsune y verra une évolution inéluctable mais non sans nostalgie.      

Christian Durieux & Christian Perrissin, Geisha ou Le jeu du shamisen,
éd. Futuropolis, 2 tomes, 88 p.  chacun, 2017
https://www.futuropolis.fr/9782754812160/geisha-ou-le-jeu-du-shamisen-1.html
https://www.instagram.com/christiandurieux33

Voir aussi : "La femme qui aimait un homme qui aimait un homme qui était une femme"

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L’Ukraine, martyrisée et en partie occuper par la Russie, méritait bien cet album à la fois artistique et humaniste, hommage aux victimes ukrainiennes de ce pays et appel à la liberté.

Prayer for Ukraine (Phenotypic Recordings) a été imaginé par l’ensemble ukrainien Vivere String Quartet (avec Anna Bura et Dmytro Lysko au violon, Ustym Zhuk à l’alto et Dmytro Nikolayev au violoncelle) qui entendent bien défendre la musique classique ukrainienne ainsi que les compositeurs actuels de ce pays.

Ajoutons que l’expression "Prayer for Ukraine" fait référence à son hymne national composé en 1885 par Mykola Lysenko sur un texte d’Oleksandr Konysky. Pour cet opus, les quatre musiciens et musicienne ont œuvré en dépit des dangers, des bombes, des exils forcés et des séparations avec leurs proches. Le résultat est ce cri en faveur de la liberté : "La liberté n'est pas acquise ; elle se mérite grâce aux efforts inlassables de ceux qui osent rêver d'un avenir meilleur ou, du moins, d'un « lendemain ». La poursuite de la liberté exige notre force et notre solidarité collectives".    

Maria’s City (Mariupol) est un chant funèbre déchirant composé en 2022 par Zoltan Almashi, né en 1975. Ce titre fait référence à la cité ukrainienne détruite par l’armée russe après des mois de siège. Le titre lui-même a été composé à Kiev sous les bombes. Un autre titre de Zoltan Almashi est proposé : Carpathian Song, datant de 2019. Cette pièce a été écrite pour un Ukrainien en exil. L’âme de ce pays transparaît dans ce morceau mélancolique qui évoque le mal du pays. Zoltan Almashi fait se mêler le contemporain et la musiques folklorique, non sans l’influence du classicisme.  

Victime directe de l’agression russe contre l’Ukraine

Le quartet propose deux œuvres de Vasyl Barvinsky (1888-1963). Son style néo-romantique a été inspiré par ses voyages européens et en particulier à Prague. Sa carrière prestigieuse a été, hélas, stoppée net par la dictature soviétique, ce qui n’empêcha pas le musicien de préserver ses compositions dont beaucoup ont, hélas, disparu. Prayer, écrit en 1912 est le deuxième des deux mouvements nous restant de son Quintette pour piano et violon.

Tout aussi classique, le String Quartet, datant de 1935 et complet, lui, puise dans des mélodies ukrainiennes. Le Largo séduit grâce à ses riches variations, ses couleurs et ses instants méditatifs grâce à un quartet uni comme jamais. Pour le bref Scherzo, Vasyl Barvinsky s’est inspiré de danses de son pays. L’Andante, court lui aussi (1 minute 46), se veut élégiaque, comme s’il y avait une urgence. "Dépêchons-nous de vivre" semble nous dire à l’oreille le compositeur. L’Allegro moderato vient conclure l’opus avec des danses folkloriques, dans une élégante facture néo-romantique.   

Hanna Havrylets (1858-2022) a une place particulière dans ce programme. Elle est une victime directe de l’agression russe contre l’Ukraine car elle mourut au 3e jour de la guerre. Le Vivere String Quartet propose son bouleversant morceau To Mary qui a été composé en 2019. Impossible de ne pas rester insensible à ce qui est sans doute le plus beau titre de l’album. Un second morceau d’Hanna Havrylets, Expressions, vient conclure l’enregistrement. Écrit en 2004, de facture plus moderne et minimaliste, Expressions étire sur plus de 9 minutes quelques notes répétées, avec des accélérations, des suspensions, donnant à ce singulier titre une tension palpable.

Grâce à ce passionnant et riche album, le Vivere String Quartet propose l’un des plus beaux hommages à un pays qui a bien besoin de l’art et de la musique pour défendre sa culture et son âme. Bravo !

Vivere String Quartet, Prayer for Ukraine, Phenotypic Recordings, 2024
https://www.facebook.com/viverequartet
https://www.phenotypicrecordings.com/vivere-string-quartet

Voir aussi : "Bach, suites"
"Guerres et paix"

Crédit photo © Eric Cheng

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En cette année Fauré (le compositeur français est mort en novembre 1924), pour quelques jours encore, il n’est pas trop tard pour s’intéresser à un délicat album du duo formé par Jacques Herbillon, décédé en 2023, et Théodore Paraskivesco. Le regretté baryton et le pianiste franco-roumain proposent un programme de mélodies et de chansons, complétées par L’Horizon chimérique op. 118.

Ne nous arrêtons pas, dit en substance le livret du disque, sur l’allure bonhomme de Gabriel Fauré et de ses œuvres d’une simplicité parfois austère. En réalité, le caractère bien trempé de l’auteur du célèbre Requiem était notable. Quant à ses mélodies, elles étaient goûtées et chantées avec bonheur dans l’Europe entière, y compris en Belgique, en Allemagne ou Angleterre où l’on s’en délectait particulièrement.

Voilà pourquoi cet album proposé par  Jacques Herbillon et Théodore Paraskivesco est essentiel. Les deux musiciens mettent un point d’honneur à sortir de dessous les fagots des chansons et des mélodies à la facture musique française bien assumée.

Le compositeur s’appuie sur les textes d’écrivains parfois connus (Victor Hugo, Paul Verlaine, Théophile Gauthier, Sully Prudhomme, Leconte de Lisle, Villiers de l’Isle Adam), parfois moins (Raymond Bussine, Paul de Choudens, Armand Sylvestre, Victor Wilder, Jean Richepin, Jean de la Ville de Mirmont).

Les compositions de Fauré et les interprétations de Jacques Herbillon et Théodore Paraskivesco laissent à entendre le raffinement, y compris dans les poèmes les plus sombres (le poignant Au cimetière) et romantiques. Que l’on pense à L’Absent de Victor Hugo ("— Sentiers où l'herbe se balance, / Vallons, coteaux, bois chevelus, / Pourquoi ce deuil et ce silence ? / — Celui qui venait ne vient plus...").

Le post-romantisme finissant est à l’œuvre dans ces chansons souvent brèves (elles dépassent rarement les trois minutes) et aux titres évocateurs : Aubade, Tristesse, Sylvie, Chanson d’amour. Fauré est un compositeur dont le travail harmonique a pu sembler décalé à la fin de sa vie, avec le surgissement du modernisme en musique. Une considération vite oubliée, tant le travail sur les mélodies continue à impressionner (Après un rêve ou le somptueux Noël). 

Le travail de Gabriel Fauré sur les mélodies continue à impressionner

L’auditeur s’arrêtera sur le mystérieux et parnassien poème de Sully Prudhomme, Ici-bas ("Ici-bas tous les hommes pleurent / Leurs amitiés ou leurs amours / Je rêve aux bonheurs qui demeurent / Toujours..."). Fauré le met en musique avec le tact artistique dont il est habitué, sans ostentation. On peut aussi parler de légèreté dans certains morceaux (Chanson d’amour), voire d’onirisme – et parnassien (La Fée aux chansons, Aurore, Le pays des rêves). N’oublions pas non plus l’orientalisme du poème Les Roses d’Ispahan ("Les roses d'Ispahan dans leur gaîne de mousse, / Les jasmins de Mossoul, les fleurs de l'oranger / Ont un parfum moins frais, ont une odeur moins douce, / O blanche Leïlah ! que ton souffle léger...").

L’un des morceaux phares de ce programme est la mise en musique du Clair de lune de Verlaine, tiré des Fêtes galantes ("Votre âme est un paysage choisi / Que vont charmant masques et bergamasques / Jouant du luth et dansant et quasi / Tristes sous leurs déguisements fantasques..."). Fauré s’approprie les vers du poète français avec la délicatesse, la grâce et la simplicité qu’on lui connaît. Le piano de Thédore Paraskivesco déroule avec la même discrétion, tandis que Jacques Herbillon s’interdit toute effusion et choisit la pudeur et la retenue. Verlaine est encore présent dans ces Mélodies de Fauré avec son fameux Spleen ("Les roses étaient toutes rouges / Et les lierres étaient tout noirs. / Chère, pour peu que tu ne bouges, / Renaissent tous mes désespoirs. / Le ciel était trop bleu, trop tendre, / La mer trop verte et l'air trop doux. / Je crains toujours, - ce qu'est d'attendre ! / Quelque fuite atroce de vous. / Du houx à la feuille vernie / Et du luisant buis je suis las, / Et de la campagne infinie / Et de tout, fors de vous, hélas !").

Encore et surtout Verlaine avec La Bonne Chanson. Du recueil éponyme du poète parnassien, Fauré en a tiré neuf mélodies. Là encore, les chansons sont courtes (la plus longue fait un peu plus de trois minutes). Le compositeur français a dédié son œuvre à sa maîtresse Emma Bardac. Il est vrai que l’esprit romantique plane sur ces morceaux délicats mais non moins torturés ("J'allais par des chemins perfides, / Douloureusement incertain. / Vos chères mains furent mes guides").

L’Horizon chimérique op. 118 vient clore cet album émouvant. Émouvant car, en plus d’être un hommage à Gabriel Fauré, il constitue un testament musical de Jacques Herbillon. Ce  cycle de mélodies est constitué de quatre mélodies écrites à la fin de sa vie, sur des poèmes de Jean de la Ville de Mirmont. Fauré fait ici de touchants adieux, avec toujours cette économie de moyens (Je me suis embarqué, Vaisseaux, nous vous aurons aimés). 

Gabriel Fauré, Mélodies, Jacques Herbillon (baryton) & Thédore Paraskivesco (piano),
Indésens Calliope, 2024
https://indesenscalliope.com/boutique/faure-melodies

Voir aussi : "Élégies pour Fauré"

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Les Cramés de la  Bobine présentent à l'Alticiné de Montargis le film Fario. Il sera visible du 18 au 24 décembre. Soirée débat à l’Alticiné le lundi 23 décembre 2024 à 20H30.

Léo, jeune ingénieur brillant et fêtard qui vit à Berlin, doit rentrer dans son village du Doubs pour vendre les terrains agricoles de son père à une entreprise de forage de métaux rares. Il retrouve sa mère, sa petite sœur, ses copains et son cousin, en désaccord avec le projet de mine. Rapidement, Léo observe d’étranges comportements chez les farios, ces truites qui peuplent la rivière. Il se lance alors dans une enquête hallucinée…

Fario, drame français de Film français de Lucie Prost 
avec Finnegan Oldfield, Megan Northam, Florence Loiret Caille, 2024, 90 mn
https://www.cramesdelabobine.org/spip.php?rubrique1506
http://www.paname-distribution.com

Voir aussi : "La Plus précieuse des marchandises

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Les Suites anglaises de Bach font partie des chefs d’œuvre archi-enregistrés mais, comme on le dit, on revient toujours à Bach, tant chaque écoute apporte son lot de surprises supplémentaires. Pour cet album d'Accentus consacré aux Suites anglaises, c’est la discrète, anti-star et formidable pianiste chinoise Zhu Xiao-Mei qui se colle à l’exercice.

Mais au fait, en quoi ces Suites sont-elles anglaises ? L’explication est floue et matière à interprétation. Elles ne sont certes pas plus anglaises que ces deux autres suites pour clavier sont françaises ou italiennes… Disons juste que, vraisemblablement, le compositeur allemand s’est inspiré de suites composées vers 1701 par le musicien français installé à Londres, Charles Dieupart (source : Wikipédia https://fr.wikipedia.org/wiki/Suites_anglaises). Zhu Xiao-Mei elle-même s’interroge sur la date de conception de ces suites, écrites sans doute assez tôt dans la carrière du Cantor de Leipzig.

La virtuosité et la technicité frappent dès les premières notes, celles précisément de la Suite n°3. Oui, la troisième Suite, car la pianiste n’a pas choisi l’ordre le numérotation pour son coffret. Le premier disque commence par la n°3, avant d’enchaîner sur la première puis la deuxième. Le deuxième CD opte, lui, pour les Suites n°5, 4 puis 6.

Au clavier, se trouve l’exceptionnelle pianiste Zhu Xiao-Mei qui, après des années de souffrance en Chine, s’est installée depuis les années 80 en France où sa notoriété d’est allée qu'en grandissant. Elle est familière de l’œuvre de Bach dont elle a jouée l’essentiel – même si le concept d’intégral lui est "étrangère", comme elle le dit dans le livret de ce coffret proposé par Acentus. Après plusieurs déconvenues, dont l’une due à la pandémie du Covid, l’enregistrement a été fait en juin 2022 à la Chapelle de Saint-Antoine de Névache dans les Hautes-Alpes.

Et si Jean-Sébastien Bach était plus mélodiste qu’on ne veuille bien le dire ?

Les Suites anglaises de Bach (BWV  806 à 811) suivent grosso modo la même disposition : Prélude, Allemande, Courante, Sarabande, Gigue, avec parfois d'autres mouvements de danses traditionnelles – Menuet, Passepied, Gavotte et Bourrée. De là vient sans doute l’irrésistible attraction de ces suites.

Et si Jean-Sébastien Bach était plus mélodiste qu’on ne veuille bien le dire, à l’image du Prélude de la Suite n°3 ? L’image d’un Bach "cérébral" – bien présent par exemple dans le long et passionnant Prélude de la Suite n°2 ou encore le Prélude de la Suite n°4 – est à relativiser à l’écoute de cet hypnotisant coffret, y compris lorsqu’il s’agit de mouvements aussi populaires pour l’époque que la gavotte (Gavotte I de la Suite n°3, Courante, Gigue de la Suite n°2 ou la Gigue de la n°4). L’auditeur sera frappé par la délicatesse que met Zhu Xiao-Mei dans l’interprétation de l’Allemande ou de l’envoûtante Sarabande dans la Suite n°1.

L’auditeur retrouvera avec plaisir ce "tube" qu’est la Sarabande de la deuxième Suite, à la construction harmonique incroyable et qui vient attester les propos de Zhu Xiao-Mei sur le génie mélodique qu’était Bach. On pense aussi au Prélude de la Suite n°5 dont Zhu Xiao-Mei s’empare avec autorité. La retenue de l’interprète dans la Sarabande de la même Suite est bouleversante. Les notes se détachent avec délicatesse et une pudeur infinie. Bach surprend, y compris là où on ne l’attend pas. Pour s’en convaincre, il faut écouter les Gavottes I et II de la sixième Suite. On devine le plaisir de la pianiste dans ces deux mouvements faussement légers et réellement piégeux. Terminons par cette dernière Suite et sa Gigue endiablée et incroyablement moderne.

Voilà qui finit de nous convaincre que, comme le dit Zhu Xiao-Mei, ces Suites anglaises ne sont pas des œuvres "comme les autres".

J.S. Bach, The English Suites, Zhu Xiao-Mei, piano, Accentus Music, 2024
https://accentus.com/discs/428
https://www.zhuxiaomei.com

Voir aussi : "La Bohême, la Bohême"

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Léa Grosson cache bien son jeu. Maman d’un garçon, en couple et heureuse avec son compagnon, provinciale et vivant à la campagne entourée d’animaux, celle qui s’est fait connaître sous le nom de Celle qui aimait grâce à son blog et ses réseaux sociaux, nous propose cette année son premier roman Depuis cette nuit (éd. La Musardine). Une vraie réussite en la matière et une entrée fracassante dans la littérature érotique.

Léna, graphiste free-lance, est une accro au jeu, au poker plus précisément. Cette célibataire bien dans son époque se rend compte qu’elle est prise au piège de cette addiction. Lors d’une soirée qui s’est mal passée – elle s’en est prise à un distributeur automatique – elle est embarquée par les flics. Faute d’avocat, elle choisit d’appeler la seule personne dont elle a le numéro. Il s’appelle Étienne, elle l'a rencontré après une sortie au casino et il tombe à point nommé : avocat, attentionné, il est irrésistible. Mieux, il est un ancien drogué aux jeux. Il lui propose de l’aider à se sortir de cette spirale infernale. La recette ? L'amour ! Car quoi de mieux pour soigner une addiction qu’une autre addiction. En l’occurrence, le sexe. 

Roman particulièrement moderne et contribuant à secouer le petit monde de l’érotisme littéraire

Léa Grosson explique dans sa longue section de remerciements – en réalité une postface – que Depuis cette nuit a commencé par une nouvelle qu’elle a publiée sur son blog. Cette nouvelle est précisément le Chapitre 45 (sic) qui ouvre le roman. Et quel chapitre ! L’auteure nous offre une scène sacrément audacieuse autour d’un jeu à plusieurs. Inutile de vous en dire plus pour vous laisser la surprise. Caliente !

Après ce début, la nouvelle est devenue un projet de roman. Pour le commencer, l'auteure a fait le choix d'interagir avec ses abonné⸱e⸱s : profession d’Étienne (avocat ou professeur ?), lieu de leur premier rendez-vous (Appartement de Léna ? Résidence d'Etienne ? Une maison isolée ?) et choix du cadeau offert par le fringuant lover. La suite, c’est une série de jeux à deux – puis à plusieurs.

Léa Grosson s’est visiblement beaucoup amusée dans ce roman astucieusement présenté comme "à mi-chemin entre romance et littérature érotique". La love story est bien là, répétée à l’envi par Léna, la narratrice, mais le sexe a la part la plus généreuse. En cette période Meetoo, Léa Grosson se plaît à interroger les interdits, la soumission, la masculinité et le féminisme. Cela rend ce roman particulièrement moderne et contribue à secouer le petit monde de l’érotisme littéraire. Libre, Léa Grosson – et son alter-ego Léna – le sont, assurément.

Pas de prise de tête, vraiment, mais d’autres prises...

Léa Grosson, Depuis cette nuit, éd. La Musardine, 2024, 220 p.
https://www.cellequiaimait.com
https://www.facebook.com/Celle.qui.aimait
https://www.lamusardine.com/litterature/18548-9428-depuis-cette-nuit.html

Voir aussi : "Un salon pas cucul"

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Saluons pour commencer le joli travail de prise de son de cet album qui, contrairement à son titre et à sa facture musicale, vient bien de chez nous. Louis Durdek, songwriter français, chanteur et guitariste, sort son premier opus, avec déjà un univers et une patte bien identifiés : la pop-folk en héritage américain.

Dès les premières notes à la guitare de The Long Way, hymne à la liberté, au voyage et au départ, nous sommes en terrain conquis. Le goût de l’aventure et du trip, Louis Durdek l’a sans nul doute au cœur… et aux tripes. "Je ne changerai jamais mon mode de vie / Même pour les mines d’or du roi Salomon", chante-t-il dans le titre éponyme de son album ("I wouldn’t change this life of mine / Not even for the gold of Solomon’s mines", Unnamed Road).

Les routes – inconnues – le baluchon à l’épaule, le premier train du matin, un vieux pick-up. Nous sommes dans un album largement dominé par les grands espaces et le goût de l’aventure, avec l’horizon comme objectif (The Horizon), même si ce fil rouge qu’est le voyage peut avoir son lot de mélancolie et de douleurs (Road Of Sorrow) mais tellement nécessaire pour être libre ("A long way to go / For us to be free / So won’t you take me to all / All of our wild destinations?",  All of Our Wild Destinations).

Nous sommes dans un album largement dominé par les grands espaces et le goût de l’aventure

Il y a du Nick Drake dans la délicatesse déchirante d’un morceau comme "M. & Mrs D". Ici, le folk est mâtiné de pop, mais avec toujours le choix de l’acoustique. Acoustique encore avec le joli duo blues Holy Waters.

L’album se termine avec In My Heart Grows A Tree, singulier et déchirant titre mêlant folk, pop et sons traditionnels indiens. Mélancolique, Louis Durdek y chante la tristesse, la mémoire, les racines mais aussi la recherche d’une terre promise.

Unnamed Road signe l’arrivée d’un artiste dont il faudra absolument suivre la carrière. Toute la question est de savoir quelle route il prendra. Folk, pop ou autre chose ?  

Louis Durdek, Unnamed Road, 2024
https://www.facebook.com/louisdurdekmusic
https://www.instagram.com/louisdurdek

Voir aussi : "On ne meurt pas deux fois"
"Un sacre pour Bobbie"

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