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Musiques - Page 4

  • Fauré, cent ans après toujours jeune

    Peu d’instruments sont aussi à la fois élégants et humains que le violoncelle. Et si vous ajoutez à cela un répertoire aussi de la classe de Gabriel Fauré, voilà qui devrait définitivement vous convaincre de découvrir l’album que Pauline Bartissol – au violoncelle, donc – et le pianiste Laurent Wagschal consacrent à l’auteur du fameux Requiem.

    En cette année Fauré (le compositeur est mort en 1924), Laurent Wagschal consacre une intégrale de ses œuvres pour piano. Pauline Bartissol le rejoint dans ses enregistrements consacrés au violoncelle et au piano. Au programme, les deux Sonates op. 109 et 117 pour violoncelle et piano et des pièces de musiques de chambre devenues universelles, à savoir la Sérénade op. 98, la célèbre Élégie op. 24, la Romance op. 69, la naturaliste pièce intitulée Papillon op. 77 et la délicieuse Sicilienne op. 78.

    Honneur donc à sa Première Sonate, dont l’"Allegro" vient démontrer que Gabriel Fauré, tout classique qu’il soit, vient prendre au vol la modernité qui est en train de révolutionner la musique. Nous sommes en 1917. L’auguste compositeur français, déjà atteint d’une surdité partielle (et oui, comme Beethoven !), propose un opus dont la vigueur et la jeunesse frappent d’emblée dans le premier mouvement "Allegretto". Rythmes, densité musicale, recherches sonores, mais sans jamais sacrifier ses talents mélodiques, prouvent que Fauré est toujours en pleine possession de ses qualités de compositeur. Le violoncelle de Pauline Bartissol prend toute sa mesure et son ampleur, avec au piano un Laurent Wagschal au jeu capable de toutes les gymnastiques et de toutes les nuances, et sans jamais se laisser dépasser. L’auditeur sera charmé par le languissant "Andante". Les cordes du violoncelle vibrent comme jamais, aidées par une prise de son impeccable. Le piano se fait plus discret, presque en retrait dans cette lente marche contemplative et non sans mélancolie.

    Plus encore que dans les deux premières parties, le troisième mouvement "Allegro commodo" est à écouter comme un dialogue entre violoncelle et piano. Pauline Bartissol et Laurent Wagschal s’engagent avec passion dans ce qui ressemble à une série d’arabesques musicales. Fauré se dévoile ici comme un compositeur à la fois retors et passionnant dans son expressivité et son travail sur les matières sonores. 

     "Ah, tu as de la veine de rester jeune comme ça !"

    L’auditeur sera sans nul doute happé par les courtes pièces proposées (courtes si l’on excepte l’Élégie, longue de plus de 6 minutes mais qui en paraissent beaucoup moins). Voilà une Sérénade (l'opus 98) d’une vigueur et d’un mystère sans égal. Composée en 1908, elle est jouée avec légèreté par les deux interprètes, décidément au diapason.

    Nous évoquions l’Élégie. Magnifique et grandiose pièce, devenue un must au fil des années. Il y a cette ligne mélodique incroyable, ce rythme lancinant et le son déchirant du violoncelle, rendant cette Élégie en ut mineur d’une beauté poignante. La pièce a au départ été composée en 1880 pour une future sonate, avant de devenir un morceau autonome au succès critique et public jamais démenti.  

    Deux autres morceaux viennent compléter ces brèves pièces. Il y a Papillon op. 77, composé en 1898. L’auditeur se laissera charmé par le lyrisme et la volupté de cette œuvre à la fois romantique et naturaliste, aussi légère et insaisissable qu’un vol de papillon. Parlons ensuite de la Sicilienne op. 78, de la même année que Papillon, bien qu’elle ait fait l’objet d’un premier traitement cinq ans plus tôt sous la forme d’une pièce orchestrale destinée au théâtre. Ici, Pauline Bartissol et Laurent Wagschal s’harmonisent avec délicatesse dans une rêverie onirique. Le talent mélodique de Fauré est à l’œuvre dans cette pièce envoûtante qu’il inclura quelques années plus tard dans sa suite orchestrale Pelléas et Mélisande, certes moins connue que l’opéra de Debussy.

    Pour compléter le programme de cet album de Fauré, Pauline Bartissol et Laurent Wagschal s’attaquent à la Deuxième Sonate pour violoncelle et piano en sol mineur op. 117. Le mouvement "Allegro" a ce je ne sais quoi d’émotions retenues mais aussi d’une sombre menace. Laurent Wagschal est impérial dans sa manière de structurer au piano cette œuvre à la fois complexe et séduisante. Quant à Pauline Bartissol, elle fait de son violoncelle un authentique être vivant aux mille aspirations et émotions.

    Voilà qui nous entraîne vers le sombre "Andante" qui s’écoute comme une marche funèbre. Il a été composé en 1921 à l'occasion des célébrations aux Invalides du centenaire de la mort de Napoléon 1er. Encore une histoire de commémoration et de centenaire. Le violoncelle est en vedette dans cette lamentation à la fois noble et pathétique, avec un piano tout aussi sombre. Les deux interprètes complètent cette sonate joyeusement avec un  "Allegro vivo" endiablé, pour ne pas dire joueur. Pauline Bartissol et Laurent Wagschal semblent s’amuser dans ce dernier mouvement. Qui aurait dit que Gabriel Fauré était capable d’une telle légèreté ? Vincent d’Indy lui-même s’en étonna à l’époque dans une lettre à la fois enthousiaste et admirative : "Ah, tu as de la veine de rester jeune comme ça !"

    Pauline Bartissol & Laurent Wagschal, Fauré, Complete Works for Cello and Piano, Indésens Calliope Records, 2024
    https://laurentwagschal.com
    https://www.facebook.com/laurentwagschal
    https://indesenscalliope.com 
    https://pauline-bartissol.com
    https://www.facebook.com/pauline.bartissol

    Voir aussi : "Fauré 2024"
    "Des papillons dans l’estomac"

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  • Nosonic, plus qu’assez bien

    Allez, un peu d’électro-rock et du bon, avec une découverte en la présence du groupe franco-irlandais Nosonic. "Je ne serai jamais assez bien" clament d’entrée les têtes chantantes du duo dans un titre envoyé sans complexe. Mélodie entêtante, rythmique enlevée et son électro impeccable ("Assez bien").

    Pour leur troisième album, La nuit et le jour, Nosonic choisit de ne pas choisir entre chanson, pop-rock et électro. Le mélange des couleurs leur va très bien, à l’instar du "Monde à l’envers" à la facture eighties.

    Il y a sans nul doute de la fraîcheur chez le duo pour qui la liberté, l’optimisme et le lâcher-prise sont une vraie philosophie : "Le temps n’a plus d’importance quand on y pense", chantent-ils ("Oublie le temps"). L’amour n’est pas oublié dans ce dialogue musical à deux. C’est "Encore et encore", l’aveu d’un couple soudé envers et contre tous et se connaissant par cœur : "Tu lis toujours en moi comme un livre aux trésors qu’on ne retrouve pas".

    L’auditeur goûtera avec plaisir le titre d’électro-pop "Le quart d’heure de gloire" voguant entre amour et désamour, reproches et considération. C’est l’histoire d’un couple s’auscultant mutuellement, avec tendresse mais aussi lucidité ni cruauté ("J’ai appris à te regarder / J’ai appris aussi à te désaimer / Te déshabiller ça m’a fait toujours peur / Je suis un enfant / Qu’en as-tu fais, malheur".

    Pour leur troisième album, Nosonic choisit de ne pas choisir entre chanson, pop-rock et électro

    "Le dialogue" se fait plus rock, un rock dans lequel le duo s’interroge sur ce qui fait l’humanité, la la vie en société comme la vie en couple : "Si le dialogue s’en va / Dis-moi il reste quoi / Peut-être un  peu les restes / D’un amour brisé". La question est là. Ira-t-on mieux si le dialogue s’en va ? Les Nosonic ne répondent pas à la question. Pourra-t-on faire la fête ? "Bon débarras peut-être" ? Cependant, "Mais qu’est-ce qu’il restera ? / De la haine ou de la joie ?" Finalement, c’est une ode au rapprochement entre nous qui est au cœur de ce titre à l’humanisme bienvenu. Quant à "Parler dans le vent", le groupe choisit la pop sur un thème similaire, la communication ("Échanger les idées / Et ça devrait aller").

    "La nuit et le jour", le titre qui donne son nom à l’album est sans doute le plus représentatif de l’album. L’électro-rock est au service d’un morceau sombre, cruel et à la belle densité. On peut parler ici d’un éternel retour, ces erreurs que l’on fait et refait et qui font souffrir, "Encore une histoire, entre la nuit et le jour, entre nous et le jour".

    Le groupe reprend "Debout", un de leur titre emblématique dans une nouvelle version. Nous voilà dans du rock rugueux au service d’un titre plein de nostalgie. La chaleur d’une boîte de nuit c’est "le bruit du bonheur", la musique, la danse, les cris l’amour, la folie et l’insouciance. Bonheur passé, nostalgie ou souvenir amer ? Le temps a passé et il semble les Nosonic portent un regard désabusé sur ces nuits "à dormir debout".

    Une déclaration d’amour vient conclure l’opus. "Aller haut" est un dialogue à deux dans lequel le couple se promet d’avancer ensemble, sans cacher pour autant cacher les écueils : les silences, les malentendus et les incompréhensions. "Des fois on se saoule / Après on boit". De là à dire que tout est perdu, non ("Je voudrais aller haut, si haut, pour toi").

    Et si Nosonic était l’un des meilleurs ambassadeurs du dialogue entre les peuples, les couples et les individus, pour la paix, la tolérance ou l’amour ? Au choix. Mais sans illusion.    

    Nosonic, La nuit et le jour, Le Son Des Villes / Believe, 2024
    https://www.nosonic.fr
    https://www.facebook.com/Nosonic
    https://www.instagram.com/nosonicworld
    En concert le 25 octobre 2024 au Cork Jazz Festival (Cork, Irlande)

    Voir aussi : "Kamas, décalée sans caler"
    "Sorcières, magiciennes et incendiaires"

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  • La Pléiade avec Outre Mesure

    La Pléiade en musique, le double album proposé par la Compagnie Outre Mesure a la particularité d’être autant une compilation de musiques Renaissance, un aperçu littéraire de cette époque – Du Bellay Ronsard ou Tyard – qu’un projet de recherche musicale.

    Voilà un singulier programme artistique, passionnant tout autant que revigorant intellectuellement. Il donne à voir et surtout écouter une période – le XVIe siècle – au cours de laquelle la langue française s’est définitivement imposée dans notre pays. Le livret de l’album rappelle qu’en 1539 l’Ordonnance de Villers-Cotterêts entérine un usage du XIIIe siècle. Le français s’impose officiellement dans les actes officielles et se normalise.

    Dans cette mouvance, un cercle littéraire s’attaque à la défense et à l’illustration du français. C’est La Pléiade, entrée pour toujours dans l’histoire. Ses membres se nomment Joachim du Bellay (1522-1560), qui tient une place importante dans l’opus, Pierre de Ronsard dont nous fêtons cette année les 500 ans (1524-1580), mais aussi Pontus de Tyard (1521-1582), Jean Bastier de la Péruse (1529-1554), Guillaume des Austels (1529-1580), Étienne Jodelle (1532-1573), Jean-Antoine de Baïf (1532-1589), puis Rémy Belleau (1528-1577), Jacques Peletier du Mans (1517-1582) et Jean Dorat (1508-1588).

    L’album de la Compagnie Outre Mesure propose un choix de textes, parfois très connus ("Heureux qui, comme Ulysse, a fait un beau voyage" de Du Bellay, "Quand vous serez bien vieille" ou "Mignonne allon voir si la rose" (sic) de Ronsard), parfois des découvertes de Jean-Antoine de Baïf ("O roze reine des fleurs"), de Pontus de Tyard ("Mon œil aux traits de ta beauté") ou de Jodelle ("Je me trouve et me pers, je m’assure et m’effroye").

    Si le récitatif est régulièrement utilisé, c’est sous forme de déclamation respectant la prononciation archaïque jusqu’aux roulements de "r" ("Quand à ceulx, qui ne voudroient recevoir ce genre d’escripre" de Du Bellay, "Recherche qui voudra cet Amour qui domine" de Jodelle, "O Roy, Le grand moteur du tout" de Jean Dorat ou "Comme on voit sur la branche" de Ronsard). L’auditeur trouvera, bien entendu, des adaptations musicales, sous forme de polyphonies que l’on redécouvre. C’est Claude Le Jeune et la polyphonie d’"O roze reine des fleurs" ou "Une puce j’ay dedans l’oreille helas", polyphonie de Fabrice-Marin Caietain d’après un texte de Jean-Antoine de Baïf.

    Une vraie jolie découverte à enseigner dans les écoles de France et de Navarre

    L’auditeur sera frappé par la modernité autant que l’inventivité humoristique de "Dame de beauté positive" de Pontus de Tyard. Une vraie belle découverte à enseigner dans les écoles de France et de Navarre. Pour le reste, nous voilà dans une époque ancienne, dans cette Renaissance souvent fantasmée et derrière laquelle on devine les lointains échos du Moyen Âge ("Sur un luth").

    La polyphonie domine en Occident l’histoire musicale depuis le IXe siècle. Durant ce siècle de la Pléiade, elle vit ses derniers instants de gloire. L’adaptation chorale de "Rozette pour un temps d’absence" (Philippe Desportes) en est un brillant exemple, tout comme l’élégant "Cigne je suis de candeur" composé par Claude Le Jeune sur un texte de Jean-Antoine de Baïf. Il convient cependant de préciser que la Compagnie Outre Mesure a confié à plusieurs contemporains actuels le soin de mettre en musique plusieurs mélodies, que ce soit "O pucelle plus tendre" de Ronsard ou cette "Rozette…" dont la polyphonie en quatre parties a été adaptée par Marc Busnel. Ce dernier restitue avec talent et profondeur les mélodies de Pierre Certon pour le poème de Du Bellay "En ce moys delicieux".  Il est encore à l’œuvre dans la polyphonie "L’amour qui me tourmente", poème écrit par Jean-Antoine de Baïf, sur des airs de Fabrice-Martin Caietain. Citons encore le "Chant des nymphes de la Seine" et "Comme la Corne argentine" de Remy Belleau. Parlons encore de cette délicate et consolante pavane de Jean-Paul Paladin sur un poème de Du Bellay, "A son luth".

    Disons-le. Ce double-album est une vraie expérience musicale issue d’un véritable laboratoire artistique qu’est l’ensemble de la compagnie vendéenne Outre Mesure. Une véritable magie opère lorsque la polyphonie prend vie, à l’instar des délicieux "Puis que les yeux qui tout mon bon heur portent" de Jean-Bastier de La Péruse ou "Si vous regardez madame" de Du Bellay – encore lui. L’auditeur sera sans doute frappé par cette chanson à l’étonnante modernité qu’est "Puis qu’il vous plaist de moy estre servie" sur un poème de Jacques Peletier. Elle a été mise en musique par le compositeur Renaissance Dominique Phinot. Une contemporain nous apprend qu’en 1560, il a été brûlé en place publique pour homosexualité. On sera tout autant touché par la polyphonie a capella "Souspirs ardens".

    Le morceau le plus long de l’opus est l’impressionnante et lyrique "Déploration du bel Adonis" de Mellin de Saint-Gelais composée d’une déclamation, d’une mélodie recueillie par Jehan Chardavoine et d’une polyphonie d’Adrian Le Roy.

    Le double album se termine par le charmant, archaïque et attirant "Je veux aimer quoy qu’on en veuille dire", dont on pourra lire un message féministe avant l’heure.  

    Le dernier mot de cette chronique sera pour Joachim Du Bellay : "J’ay toujours estimé la poësie comme ung somptueux banquet". Alors, bonne écoute… et bonne ripaille.  

    La Pléiade en musique & autres Voix de Ville, Compagnie Outre Mesure, Label COM, 2024
    https://www.compagnie-outre-mesure.com

    Voir aussi : "1, 2, 3 Leïla !" 
    "Éternelle et musicale Norvège"
    "Fauré 2024"

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  • 1, 2, 3 Leïla !

    On retrouve Leïla Huissoud avec bonheur, telle une copine ou une petite sœur, avec sa sensibilité, ses blessures mais aussi une joie de vivre teintée de mélancolie.

    La maladresse, son dernier opus, écrit et composé après la crise sanitaire, est un voyage intime d’une musicienne attachante et lucide sur les difficultés du métier d'artiste. En parlant de voyage, l’auditeur sera cueilli dès le début de l’album avec le périple en train qu’est "Avant Nantes". On imagine Leïla Huissoud en passagère d’un TER en direction de la Loire-Atlantique. C’est avec tendresse que la musicienne slame sur ses voisins et voisines dont elle imagine la vie et le quotidien : "Les collégiens, les salariés, les lycéens, les habitués quotidiens du train… Les Bouchers, des médecins, des techniciens spécialisés, des gens biens qui vont au travail. C’est un beau début de journée".

    Si un seul terme convient le mieux à Leïla Huissoud c’est bien celui d’humaniste. La chanteuse le prouve avec la tendre et triste "Lettre aux paumés". Elle offre un  hommage aux gens de peu, aussi discrets que pudiques dans leur malheur : "Quand ils s’offrent c’est à la nuit / Ils ont lâché la rancœur / Leur douceur ne vient pas du joli / Mais de béances à l’intérieur".

    Avec "Jolies frangines", un titre de son précédent album Auguste, Leïla Huissoud avait prouvé qu’elle était une chroniqueuse incroyable de l’enfance. Elle le prouve encore avec "L’ascenseur" et, mieux, avec le diptyque que forment "Soleil 1, 2, 3…" et "1, 2, 3 Soleil !" Ce jeu des cours de récréation est un joli fil conducteur pour parler d’amour, de séduction, d’attachement et d’espérance ("Soleil 1, 2, 3…"). Est-ce une bonne idée que de tomber amoureux, se demande-t-elle ? N’est-ce pas risquer de souffrir ? "1, 2, 3 Soleil !" y répond par une déclaration enlevée jazzy : "Si vous saviez comme je vous aime quand je mets mes lunettes de sans-gêne / On dira que je vous surveille / 1, 2, 3 Soleil ! / Messieurs, dans mes bras !" Décidément, les jeux de l’amour et du hasard restent un sujet éternel d’inspiration.  

    Accompagnée de sa seule guitare, Leïla Huissoud fait de "Mon spectacle s’appelle…" se veut une confession sur la difficulté de se livrer au public et d’être l’objet d’une critique : "En haut de la bio, on lit ‘grosse merde’ ou ‘la moisie’, j’hésite encore". Introspective, l’ex-candidate de The Voice (nous sommes en 2014) revendique sa liberté et sa force de caractère : "Mon credo c’est d’en faire le moins / L’errance c’est un beau chemin". 

    La qualité d’écriture de Leïla Huissoud est non seulement évidente mais en plus insolente

    La qualité d’écriture de Leïla Huissoud est non seulement évidente mais en plus insolente. Il faut bien écouter ses paroles, à l’instar de "La ligue des justiciers", avec Théo Bonneville en featuring, le touchant portrait d’un homme heureux, libre, léger ("Ouais j’me sens bien"), mais aussi hymne à l’amitié et au bonheur.  

    L’auditeur sera sans nul doute touché par l’un des meilleurs titres de l’opus, "À tes amours". Ce morceau a été écrit comme une adresse à toutes ces femmes, ces "demoiselles, ces amantes, ces amours et ces chagrins",  qui ont changé à jamais l’homme qu’elles ont aimé - d'un amour certes éphémère. "Derrière un grand homme, il y a ces drames et ils ressemblent à vos prénoms" chante-t-elle. Nostalgie ? Non, plutôt un hommage aux histoires d’amour passées qui forment, construisent et rendent meilleur. "Si vous saviez comme il est beau à se cramponner à demain". Merci qui ? Voilà qui rend les ruptures moins douloureuses.

    À l’instar de PR2B et sa superbe "Lettre à P." (Rayons Gamma), la jeune chanteuse propose une jolie déclaration à son père ("Lettre au père") avec piano et voix. Au milieu de la chanson, elle lui lance une invitation à remonter la pente et reprendre le chemin de la vie ("Mais bordel qu’est-ce que ça fait mal de voir son héros s’effondrer / Putain, papa, tu peux tomber / Putain, papa tu sais être con et même des fois t’as pas raison / Merci de nous avoir tout tombé… / Allez, le daron, c’est pas trop tard".

    Il est encore question d’enfance dans "Chanson éducation" dans lequel la musicienne dit merci à ses professeurs, en dépit de son caractère brouillon et de son talent artistique que des enseignants et enseignantes ont su voir. Mais il est aussi question de ces autres professeurs, ces "éducateurs par l'impudeur", qu'ils s'appellent Ferré, Brassens ou leprest. Et là, la magie opère. En quelques mots, Leïla Huissoud parvient à travers un portrait d’elle-même, elle, l’artiste attachante, la "chianteuse", comme elle s'est surnommée elle-même : "Éducation par l’impudeur / Et pas plus balèze qu’un loser / je reprendrais bien un petit bout de cœur / Inadaptée, inarrêtable, indispensable, incapable / Habilement abîmée / Violemment  emportée par les vents détournés / Par les tourments des gens."

    Leïla Huissoud chante pour ces autres femmes, ses sœurs, celles qui semblent être "une déception déguisée en fille" et dont la maison devient, hélas, un refuge ("Déguisée en fille"). Dans une langue poétique, dense et toujours subtile, l’artiste parle de ces femmes invisibles, mises de côté, alors qu’elles devraient avoir accès à leur place, aux mouvements, à la liberté et sans être la cible de clichés (fragilité, hystérie, folie). Bref, à la violence.

    "La maladresse", qui donne son titre à l’opus, est une confession sous forme de slam. Le désenchantement est là. Leïla Huissoud s’y dévoile sans fard. C’est le morceau d’une jeune femme parlant de son "intérieur de carcasse, une colocation sans terrasse". Qu’est-ce qu’un artiste, s’interroge la chanteuse ? Comment se construire face au public ? Comment recevoir ce qu’il offre ? Comment aimer sans maladresse ? Leïla Huissoud se livre avec une lucidité d’autant plus désarmante lorsque sa voix fragile se brise. "Je me suis pas calmée / Je me suis juste cramée".  

    Et si l’on disait que La maladresse s’écoute comme un album de consolation ? Un opus qui se termine par "Les chansons tristes" qui ne le sont finalement jamais complètement. La chanson : un sujet qui est un grand classique de la chanson française, justement. Voilà qui pose d’emblée Leïla Huissoud comme une des grandes artistes de la scène actuelle. 

    Leïla Huissoud, La maladresse, French Flair, 2024
    https://www.leilahuissoud.com
    https://www.facebook.com/LeilaHuissoudofficiel
    https://www.frenchflairmusic.com/product-page/le%C3%AFla-huissoud-la-maladresse
    https://www.youtube.com/watch?v=fVHwatwxrJw
    https://tinyurl.com/4arx9h7v

    Voir aussi : "Comme un ouragan"
    "Une certaine PR2B"

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  • Positive attitude

    On aime le titre du premier single de Florence Béa, Une Floraison.

    "Cette chanson est pour tout ceux qui en ont assez de la violence de notre société et qui rêvent de plus de douceur et d'empathie". L’artiste ne pouvait pas être plus explicite. De la chanson positive, donc, servie par une musique puisant largement dans le répertoire Disney.

    On ne peut pas enlever la maîtrise vocale de Florence Béa. Et dire qu’il s’agit de son premier single. Prometteur ! 

    Florence Béa, Une floraison, 2024
    https://www.florencebea.fr
    https://www.facebook.com/profile.php?id=61560014545363&locale=fr_FR
    https://www.instagram.com/florence__bea
    https://www.tiktok.com/@florence__bea

    Voir aussi : "LaureM, invin-sensible"

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  • Dynah, entre acide et acidulé

    Partons à la découverte de Dynah, de son premier album L’eau monte et de sa chanson française teintée d’électro. Le morceau qui donne son nom à l’opus laisse à voir un engagement pour l’environnement autant que les l’évocation des tourments et des questionnements d’une femme et "l’eau trouble des sentiments".

    L’ex du groupe rock Why Elephant propose un album sincère et biographique. "Je ferais le clown dehors / Si je pouvais je lâcherais prise", constate-t-elle dans "La fille à la coquille". Être vraie, ne pas faire semblant. Voilà ce qui motive Dynah, une femme d’aujourd’hui, simple, pas une fille à histoires en somme. Voilà qui rend cette autrice-compositrice-interprète touchante.

    Dans le morceau "Découpée", l’auditeur sera frappé par le son électro-pop mâtiné de sons hip-hop donnant à cette chanson féministe, dénonçant l’utilisation dans les magazines de l’image du corps des femmes artificialisé ("Découpé / Redimensionné / Détouré / Détourné"), une facture hyper moderne. Sans doute le titre le plus pertinent et carrément le meilleur de l’opus.

    Il est encore question de féminisme et des femmes cette fois inspirante, dans "Reste encore". Le deuil, l’absence et le manque marquent une artiste dont la fragilité affleure dans chaque titre de l’album. C’est encore à cœur ouvert que Dynah se livre sans fard et sans illusion dans le sobre et délicat piano-voix "Toute petite" : "Mais je suis toute petite / Toute petite / Rien du tout / Minuscule / Une virgule / Un caillou". De là à s’en plaindre, sûrement pas : "Pas si mal d’être petite / Si je peux me cacher dans ton cou" !

    Pas une fille à histoires

    Dynah revendique une nouvelle fois sa sensibilité, son hypersensibilité et sa douceur dans le délicieux et acidulé titre "La douceur". Dynah, là encore, assume sa douceur ("Il n’y a rien de meilleur"). Paradoxalement, c’est une vraie arme pour se rendre "invincible" et résister à ceux qui voudraient que l’on s’endurcisse. La douceur doit prendre sa "revanche" assène-t-elle. Voilà qui est dit et bien dit.

    Dans "Fous à lier", à la facture eighties, la musicienne propose la folie comme moyen de renouer avec l’être aimé et de lier ou relier ses "pages volantes" avant qu’elles ne se perdent, voire de les écrire. "Ça fait mille et une nuits qu’on ne rêve plus… qu’on ne danse plus", déplore-t-elle. Dynah refuse le repli sur soi. Revenir vers l’autre, oui, mais avec la folie comme remède.

    Il est question d’amour encore avec "Ton nom". Dynah chante l’obsession d’un simple nom, telle une "incantation", une évidence quoi. "Je fais tourner ton nom dans le silence / Je fais tourner ton nom comme un non-sens". Plus qu’une déclaration d’amour, cette chanson sonne comme une prière païenne, vaudou et obsessionnelle.

    L’eau monte s’écoute comme le panorama personnel d’une musicienne confiant mine de rien ses états d’âmes tout comme ses souvenirs personnels, à l’instar de "Nouvelle" sur le débarquement en classe d’une "nouvelle meuf", fascinante et perdue qui "vient d’arriver". Un vrai coup de cœur que ce titre jouant à merveille avec le texte, l’interprétation et des sons électro-rock.  

    Dans "Pas encore l’heure", Dynah parle de ses derniers moments de sommeil et d’un lever impossible. Pas impatiente de retrouver le monde et les autres visages, elle pose la question d’être dans le monde ("Je gagne du temps / Je fais semblant / D’avoir encore des plans / Pas encore l’heure / Pas encore / Je me rendors").  

    L’opus se termine avec le titre "Sel", aliment à la fois simple et complexe. Complexe comme cette femme et artiste : "Je me morcelle souvent comme ça / je me m’ensorcelle souvent comme ça". Ensorcelant en effet, comme cet album à la douceur acidulée.

    Dynah, L’eau monte, Musigamy, 2024
    https://www.dynah.fr
    https://www.facebook.com/Dynah.fr
    https://www.instagram.com/dynah_dy_nah

    Voir aussi : "Nosonic, plus qu’assez bien"

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  • Marie Ythier, sans l’ombre d’un doute

    C’est avec un violoncelle riche, endiablé et passionné que Marie Ythier propose une sélection de créations contemporaines signées de jeunes compositeurs : Matteo Gualandi (né en 1995), Augustin Brand (né en 1994) et Bastien David (né en 1990, le plus "âgé" donc).

    Le violoncelle en partage, paru chez b•records, est un ensemble d’instants de communions et d’échanges passionnants avec l’Orchestre national Auvergne-Rhône-Alpes, l’ensemble Sillages et Arne Deforce, violoncelliste familier de compositeurs aussi complexes et déroutants que Iannis Xenakis, Richard Barrett ou John Cage. Voilà qui situe d’emblée l’univers proposé dans l’opus.

    La musique contemporaine mérite largement qu’on parle d’elle, elle qui secoue régulièrement le cocotier des musiques académiques et traditionnelles pour amener les sons dans ses derniers retranchements. Cela donne, à plus d’un égard, la couleur et la densité de l’album imaginé et mené par Marie Ythier.

    Grâce à elle, le violoncelle s’impose comme un instrument soliste à part entière, chose relativement rare comme le souligne la musicienne dans la présentation de l’album. Fotografie rarissime di angeli de Matteo Gualandi, une commande la Fondation Royaumont, s’apparente à une suite, un genre musical tombé en désuétude mais revigoré ici grâce à des sons tour à tour primaires ("La fille, le feu"), minimalistes et méditatifs ("La chute d’Icare") ou s’inspirant du baroque ("Chanson de l’oiseau dans la lumière").

    Il est encore question de baroque dans la quatrième partie "Toccata", savant mélange de sons renvoyant à Bach autant qu’aux trouvailles musicales du XXe siècle. La "Passacaille", le plus long mouvement de cette œuvre de Matteo Gualandi, a une facture à la fois archaïque et contemporaine. Marie Ythier prend à bras le corps ce morceau dans lequel les silences et les suspensions prennent autant de valeur que les notes, jusqu’aux dernières mesures déchirantes.

    Comme "des nuées d’oiseaux"

    Le deuxième compositeur qui a les honneurs de ce passionnant album est Augustin Braud. De l’un, l’autre est une œuvre concertante pour violoncelle et ensemble. Nous sommes là dans une création audacieuse, pleinement contemporaine, dans laquelle s’installe un ensemble de dialogues sauvages entre l’instrument soliste de Marie Ythier et l’ensemble Sillages dirigé par Gonzalo Bustos. Ajoutons que c’est l’Ensemble Sillage qui a lui-même commandé cette œuvre au compositeur. La nature semble être au cœur de ce que la musicienne appelle un "concerto grosso". Mais il s’agirait d’un concerto grosso de notre époque, audacieux, moderne, tourmenté mais aussi singulièrement primaire. Comme "des nuées d’oiseaux" ajoute Marie Ythier. Mais des nuées comme folles et perdues dans un ciel menaçant. Bouleversant.

    En 2022, Le Printemps des Arts de Monaco a commandé à Bastien David L’Ombre d’un doute, une œuvre pour deux violoncelles et orchestre. Pour cet enregistrement public à l’abbaye de Royaumont en septembre 2023, Marie Ythier était accompagnée du violoncelliste Arne Deforce et de l’Orchestre national Auvergne-Rhône-Alpes dirigé par Thomas Zehetmair.

    C’est par une pluie de notes ravageuses que commence cette création contemporaine dans laquelle Marie Ythier a trouvé son alter ego en la personne d’Arne Deforce, jamais plus à l’aise que lorsqu’il met à rude épreuve son violoncelle à la recherche d'inattendus. Et de l’inattendu, il y en a dans ces plus de quinze minutes d’un concerto au service de sonorités puissantes et de rythmes singuliers. Il semble que l’Orchestre national Auvergne-Rhône-Alpes a trouvé ses adversaires avec les violoncelles de Marie Ythier et Arne Deforce.

    Puissance, gravité, sombres dangers et attentes inquiétantes sont exprimés dans des passages qui n’ont rien d’improvisés. Les coups d’archers se succèdent dans une œuvre pleinement inscrite dans le XXIe siècle. L’auditeur pourra y lire l’influence de la musique concrète, celle du courant répétitif américain dans des passages minimalistes mais aussi, dans une certaine mesure, l’apport de l’électro dans des vagues sonores presque spectrales. Marie Ythier et Arne Deforce, armés de leur violoncelle, s’y livrent comme jamais, habités par cette œuvre incroyable s’élevant jusqu’à des sommets, telle une nuée… d’insectes – et non plus d’oiseaux.     

    Marie Ythier, Le Violoncelle en partage, Marie Ythier (violoncelle), Arne Deforce (violoncelle), Orchestre national Auvergne-Rhône-Alpes dirigé par Thomas Zehetmair, Ensemble Sillages dirigé par Gonzalo Bustos, b•records, 2024
    https://www.b-records.fr/marie-ythier-le-violoncelle-en-partage
    https://www.marie-ythier.com
    https://www.facebook.com/marieythiercellist/?locale=fr_FR
    https://www.arnedeforce.com
    https://onauvergne.com
    https://www.ensemblesillages.com
    https://www.bastiendavid.com
    https://augustinbraud.com
    https://www.matteogualandi.com

    Voir aussi : "Schumann et la petite bande des Fouchenneret"

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  • Nouvelle vague

    Véritable révélation pop du moment, Osinaël a un pedigree impressionnant. Actrice, juriste, avocate, influenceuse (son média engagé The Sages) et maintenant musicienne, elle présente cet été son premier single, J'adore, avant un premier album bien nommé, La Grande Vague, annoncé pour la fin de l’année.

    Qu’on ne s’y trompe pas. Derrière sa facture pop à l’efficacité diablement redoutable et son chant d’amour irrésistible ("J’adore ton Moi / Qui comme une croix / Me fait tenir droit"), J’adore porte aussi quelques messages qu’il faut bien écouter : "Je connais une île blanche / On peut y aller par une porte battante du siècle dernier / Que l’on emprunte sur le tapis ancien d’un destin commun".

    Osinaël est une artiste d’aujourd’hui, femme engagée mais aussi bien décidée à mettre la beauté au service de ses engagements sociétaux, féministes et environnementaux. Fort, bon et beau. Envoûtant, même.    

    J’oubliais. L’artiste multi-talentueuse prépare son premier livre, La Maison Des Secrets et une série télévisée, La Traversée Des Mondes qui sera distribuée par Cannes TV à l’automne 2024. 

    Osinaël, J'adore, 2024
    https://www.instagram.com/osinael_official
    https://www.youtube.com/channel/UCIfKmjGWGf9ikWrZ3nOJruQ
    https://www.the-sages.com

    Voir aussi : "La promesse Jade"

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