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Ola Kvernberg : ce nom ne vous dit peut-être rien. Et pourtant, le musicien norvégien avait sorti il y a quatre ans Steamdome, un album alliant jazz progressif et électronique devenu l'un des vinyles les plus vendus en Norvège en 2017, en plus d’être unanimement salué par la critique internationale.
Une suite ? Pas vraiment. Car ici, la palette jazz du compositeur et violoniste s’enrichit avec des incursions bien au-delà de l’électro. Prenez "Arpy" par exemple. Les pistes sont brouillées pour ce premier morceau de 9 minutes 32 commençant comme un cantique religieux dans des sons d’harmonium avant de s’émanciper vers des univers parallèles, du côté de l’électronique période Kraftwerk.
Pour son nouvel album, Ola Kvernberg s’est entouré des meilleurs musiciens de la scène jazz et pop de Norvège. Sans délaisser complètement son instrument fétiche, le musicien a remplacé son violon par une boîte à rythmes et un synthétiseur basse. Parmi ses compagnons, le bassiste Nikolai Hængsle (Band of Ogold, Bigbang, Møster) prend la guitare et Daniel Buner Formo (Trondheim Jazzorchester, Kobert) délaisse son orgue Hammond pour enflammer le paysage sonore avec des machines faites maison.
Des compositions rythmées et à forte densité
Steamdome c'est aussi le batteur percussionniste Erik Nylander (Monoswezi, Liarbird, Mechanical Fair), le batteur Olaf Olsen (Bigband, Fra Det Onde) et le percussionniste Martin Windstad (Kurt Nilsen, Todd Terje).
Ola Kvernberg se surpasse dans des compositions rythmées et à forte densité. Le musicien norvégien cache bien son jeu (le court "Vault") et sait alterner à merveille jazz, pop-rock, électro, contemporain ou musique électronique, à l’instar de "Get Down" formidable maestria de sons de plus de 10 minutes dans un morceau ouvragé aux petits oignons.
Pour "Carbonado", Ola Kvernberg redevient violoniste – électronique – et fait de son instrument le véritable héros d’un morceau d’électro-pop scintillant. Tout aussi complexe, le jazzy "Hypogean" est entièrement rhabillé par l’électro inventive et rythmée du musicien norvégien.
Voilà qui fait une transition impeccable avec le morceau suivant, "Devil Worm" à la rythmique rap. Un son très actuel qui, au fur et à mesure, s’aventure sur des terres peu familières, comme enflammées, pour devenir fun, sinon funk.
L’auditeur devra absolument s’arrêter sur le magnifique "Diamondiferous", époustouflant morceau virtuose au violon, porté par des vagues romantiques et comme d’un autre monde. Celui d’Ola Kvernberg, justement.
L'Ensemble Emoción c’est cinq musiciens et musiciennes de cinq pays différents : Joris Laenen, pianiste, trompettiste et arrangeur belge, Christoph Schmitz, violoncelliste vénézuélien, Patrizia Portz, violoniste germano-péruvienne et Ferdinand Schaefer percussionniste allemand. Toutes et tous sont membres de l'Orchestre philharmonique du Qatar. Il faut ajouter à ces instrumentistes la chanteuse de jazz franco-libanaise Sevine Abi Aad.
Emoción vient de sortir l’album Open your eyes consacré essentiellement au tango, qu’ils revisitent avec flamme. Cette année marque les 100 ans d’Astor Piazzolla : l’occasion était trop bonne pour le groupe de lui rendre hommage à travers plusieurs reprises ("Escualo", "Détresse", "Yo Soy Maria", "Vuelvo Al Sur" et le mélancolique "Oblivion" en bonus).
Nous parlions de Sevine Abi Aad. La chanteuse franco-libanaise étincelle littéralement dans cet opus. Pour "Open Your Eyes", l’interprète venue du pays du cèdre se fait crooneuse dans ce titre écrit par Joris Lanenen et qui mêle le jazz, la pop et la musique de chambre.
La chanteuse franco-libanaise étincelle littéralement dans cet opus
Avec le morceau "Milonga Para Sonja", on est au cœur du projet musical du groupe avec cette entrée dans un tango, inédit là encore, composé par Joris Laenen mais qui marche ici sur les traces d’Astor Piazzolla.
Emoción ne se contente pas de reprendre des standards du tango : il les transforme avec enthousiasme, talent et audace : "Détresse" de Piazzolla devient un jazz cool autant qu’un tango à l’étrangeté lunaire. Parlons aussi de "Vuelvo Al Sur" interprétée avec délicatesse par Sevine Abi Aad. Parlons aussi de "La Cumparsita", le classique de Gerardo Matos Rodríguez. Pas du tout impressionné, le groupe choisit de le proposer dans une version enlevée et légère : une danse virtuose, joyeuse et festive.
Prouvant qu’Emoción ne se contente pas d’un seul registre, "November" s’écoute comme une authentique création contemporaine (Joris Laenen en est l’auteur) alors que "Lullaby" est porté par la chanteuse franco-libanaise aux magnifiques envolées qui ne sont pas sans rappeler la BO de Dancing in the Dark.
"Open your eyes", annonce Emoción avec ce premier album. Disons plutôt que c’est à une ouverture des oreilles et des esprits que nous invite ce séduisant groupe sans frontière.
Lioness Shape est d’abord un trio de trois musiciennes : Manon Chevalier au chant et aux compositions, Maya Cros aux claviers et Ophélie Luminati à la batterie. Les trois musiciennes ont sorti ce printemps leur premier album Impermanence, un opus de jazz au caractère bien trempé.
Impermanence revendique son message féministe, "pour que les femmes soient plus que beauté et tranquillité. Pour qu’elles expriment leur art, et développent leur créativité. Pour qu’elles se rendent compte de cette force incroyable qu’elles ont en elles. Force qu’elles s’efforcent de réprimer chaque jour au nom de la beauté". C’est ce qu’exprime à sa manière le premier morceau "Somos tantas" ("Nous sommes nombreuses"), un jazz à la fois méditatif et rythmé – oui, c’est possible ! – et en espagnol s’il vous plaît…
Tout aussi voyageur, "El Canto de mi deseo" voit le jazz se teindre là encore d’accents latins, avec un naturel désarmant. Le groupe Lioness Shape s’aventure sur des terres mariant pop, rock, world et jazz, bien entendu, à l’image de "Self-reliance", au cool porté par la voix chaleureuse, veloutée et chaloupée de Manon Chevalier.
Audacieux, fou et intelligent
Audacieux, fou et intelligent, le trio joue de l’alternance dans un album qui ne cesse d’alterner passages complètement dingues et respirations bienvenues, quand elles ne sont pas zen ("Blue Wooden Chair"). Les musiciennes savent tout aussi bien alterner les langues : l’anglais, l’espagnol et le français et même l’irlandais ("Tóg go bog é").
Je parlais d’audace. Elle est bien présente dans le titre "L’origine". Ce morceau, d’abord très lent, s’emballe grâce à une singulière composition contemporaine que l’on peut rapprocher du "sauvage" morceau mystérieusement intitulé "Tóg go bog é" dont le titre signifie : "détendez-vous". Tout un programme.
Parlons également de "My Tame Bird" qui peut se définir comme un morceau jazz dopé aux percussions et aux sons électro, avec la voix incroyable de Manon Chevalier s’envolant tel un oiseau. Tout aussi enthousiasmant, "Sand World" est enthousiasmant grâce encore à son interprétation aux accents faisant penser à la chanteuse pop islandaise Björk. La chanteuse de Lioness Shape se surpasse encore dans "The Last Lullaby", un titre dans lequel elle se fait crooneuse.
Au final, Impermanence frappe par son étrangeté omniprésente, à l’instar de "Water" qui vient clôturer cet album étonnant de créativité, de folie et d’enthousiasme grâce à trois filles formidables.
C’est en toute liberté, en nomades pour reprendre le titre de leur album (Nomad, Laborie Jazz/Socadisc), que Simon Denizart et Elli Miller Maboungou arpentent les terres du jazz dans leur court opus de huit titres.
Nomad est le fruit de trois ans de collaboration entre le français Simon Denizart et le pianiste et percussionniste canadien Elli Miller Maboungou qui met en vedette principalement la calebasse (percussion d’Afrique de l’Ouest) dans cet album fin et subtil.
Les deux musiciens font du piano le vrai héros de cette déambulation à la fois riche, élégante et lyrique, mêlant jazz ("Lost In Chegaga"), world music ("Nomad", "Zoha"), minimalisme contemporain ("Last Night In Houston") et même pop ("Manon"). C'est un univers métissé que proposent Simon Denizart et Elli Miller Maboungou, à l’exemple de "Zoha". Pour ce titre, les musiciens ont insufflé des mélodies et des rythmes venus d’Orient, donnant à ce morceau une immédiate connivence, pour ne pas dire familiarité.
Dépaysant et nostalgique
Tout aussi dépaysant et nostalgique, "Oldfield 2.0" est une respiration apaisante aux accents orientaux, avant une seconde partie plus world que jazz.
Le duo parvient à sortir le jazz de ses derniers retranchements, non sans malice si l’on pense à "Square Viger, un morceau plus nerveux et enrichi d’improvisations enlevées. Pour "Last Night In Houston", les musiciens se font expérimentateurs en lorgnant vers le courant répétitif américain.
Bien différent, "Manon", plus posé, plus pop et plus nostalgique, c’est du jazz comme on l’aime, attachant et contemplatif, avant qu’il ne se déploie avec générosité.
"Lost In Chegaga" revient, lui, aux fondamentaux avec rythme et chaleur mais non sans des percussions d’une singulière richesse.
L’album se termine avec l’étonnant "Outro" : 37 secondes seulement d’une ponctuation enchantée par deux amis décidément osés et aventuriers.
Titre énigmatique, Derrière Les Paupières se présente comme un envoûtant, magnétique et étonnant album de jazz proposé par le trio Rouge. Madeleine Cazenave, à la composition et au piano, est accompagnée de Sylvain Didou à la contrebasse et Boris Louvet à la batterie.
Le jazz de Derrière Les Paupières, composé de seulement six titres de 6 à 9 minutes, se déploie avec un luxe de couleurs et de densité, tel le premier morceau, "Petit jour". Faussement simple, il commence sur la pointe des pieds avant de se déployer dans des vagues mélodiques et orientales.
Ces accents orientaux sont plus présents encore dans "Étincelles", dans une fusion entre jazz cool et musique world et métissée traversée par un mouvement nostalgique absolument bouleversant.
Une invitation au dépaysement
C’est une invitation au dépaysement que propose le trio Rouge, à l’instar du morceau de près de 8 minutes, "Abysses". Ce titre, toujours dominé par le piano de Madeleine Cazenave, peut s’écouter comme un voyage vers nulle part. L’auditeur est invité à s’aventurer dans des contrées musicales mêlant jazz, électro et contemporain, avec ce je ne sais quoi de sons zen dominés par la contrebasse proprement métaphysique de Sylvain Didou. Elle est la véritable héroïne de cette piste passionnante et envoûtante.
Derrière Les Paupières n’est pas sans rappeler l’album Music for Egon Schiele qu’avait sorti le groupe Rachel’s en 1996. Il y a à la fois du lyrisme et de la modernité dans cette manière d’aborder le jazz ("Brumaire"). Le trio ne le quitte cependant jamais complètement, à l’exemple de "4 %", qui nous ramène à un son plus familier. Ce jazz cool est impeccablement servi par des interprètes à l’unisson, non sans des décrochages mélodiques au piano.
"Cavale", le morceau qui clôt l’album, avance doucement avant de s’élancer, mais non sans une forme de mélancolie comme s’il y avait encore beaucoup à dire et à partager.
L'actualité récente de la jazzwoman Sarah Lancman est marquée par le projet musical Inspiration et Vie : un ensemble de duos issus du label Jazz Eleven. Ce programme avec quelques noms de la scène jazz est vraiment passionnant, dans la mesure où la musicienne, accompagnée de Giovanni Mirabassi, prend le pari d'un répertoire ne se limitant pas aux standards de jazz. Sarah Lancman a bien voulu se prêter au jeu des questions de Bruno Chiron.
Bla Bla Blog – Bonjour Sarah. Inspiration et vie est un concept musical que vous avez mis en place avec Giovanni Mirabassi pour votre label de jazz Jazz Eleven. Il s’agit de duos enregistrés et disponibles sur Internet. Pouvez-vous nous en dire plus ? Sarah Lancman – Cher Bruno, bonjour et merci pour votre soutien depuis le début... Ce projet est venu suite à mon premier album Inspiring Love enregistré à New York en 2015. Nous avions déjà pensé par la suite au concept des Inspiring Live avec Giovanni, même avant la crise sanitaire. Le concept étant d’inviter un artiste pour créer une rencontre le temps d’une chanson filmée en plan séquence dans un lieu intime, comme à la maison. A défaut de pouvoir toujours enregistrer en studio, nous aimions l’idée du moment fugace de la vidéo. Mais cela pourrait être un autre concept maintenant que j’y pense : de tourner en studio... Cette fois-ci nous voulions trouver un lieu inédit comme le Sunside jazz club. A un moment où tous les lieux du spectacle sont fermés, prendre le contre-pied et aller chanter là-bas et retrouver les sensations de la scène.
BBB – Pouvez-vous nous parler des artistes de Jazz Eleven qui vous accompagnent dans la série Inspiration et vie ? SL – L’idée était de choisir des artistes avec des univers complètement différents mais avec qui nous avions toujours voulu jouer. C’était l’occasion de créer la rencontre : Guillaume Perret et ses multiples facettes qui peut se dédoubler à l’infini et sait écrire autant des arrangements de standard de jazz façon big band stratosphérique, Tatiana Eva-Marie et son ton vintage pour partir dans un espace hors du temps, Walter Ricci et le charme à l’italienne avec une reprise d’une chanson de Fame et Anne Sila tout en douceur et sensibilité à fleur de peau. Des artistes différents et uniques pour des duos inédits, c’était ce que nous voulions. Se (re)connecter de manière différente en s’inspirant les uns et les autres.
BBB – Un tel projet aurait-il pu être possible sans la crise sanitaire ? Comment d’ailleurs se porte la scène jazz, d’autant plus touchée avec la fermeture des nombreux clubs de jazz ? SL – Nous avions pensé ces vidéos avant la crise sanitaire mais il est vrai que cette période nous a permis de remettre ce projet en allant plus loin cette fois. Nous voulions également filmer en plan séquence avec une caméra mouvante, comme une mouche qui vole sur scène, au plus près des artistes. C’est une manière de voir un concert, de vivre la musique différemment. Le spectateur peut faire l’expérience de voir et d’écouter de façon immersive et plus intime qu’en étant assis dans la salle avec un unique point de vue. L’idée de rentrer dans un club "fantôme" était une expérience incroyable ! Nous avions l’impression d’être "hors la loi", de rentrer dans un lieu fermé au public et à la fois on renouait avec des sensations, une vie d’avant, avec des réflexes.
BBB – Vous même, comment avez-vous vécu ce Grand Confinement et la crise sanitaire ? SL – Je dois avouer avoir fait un burn-out qui a été avec le recul un véritable cadeau de la vie. Le confinement m’a permis de m’accorder une véritable pause, chose que je ne me serai jamais autorisée à prendre en temps normal. J’ai pu ainsi me reconnecter à mon essentiel et me remettre à écrire et travailler à nouveau ma technique vocale et mon souffle en reprenant l’exercice physique et l’entraînement. On se rend compte souvent, emporté par le tourbillon de la vie que l’on existe dans un quotidien la tête hors de l’eau et à moitié en apnée en se disant souvent : on verra plus tard, passant ainsi à côté de notre essentiel, au lieu de prendre le temps pour savourer des moments simples avec ceux que l’on aime, et de se ressourcer pour nourrir son art. Je ne regrette rien mais cela a été une grande leçon de vie pour moi.
"Je dois avouer avoir fait un burn-out qui a été avec le recul un véritable cadeau de la vie"
BBB – On sent chez vous de l’appétence pour un jazz qui sortirait de ses frontières traditionnelles. C’était visible dans vos précédents albums et ça l’est plus encore avec le programme Inspiration et vie. On y croise Thelonious Monk, John Coltrane, mais aussi Jacques Brel ou Marie Laforêt. Comment s’est fait le choix des titres ? SL – Merci ! On doute souvent lorsque l’on ne rentre pas forcément dans le moule d’un genre mais j’aime mélanger mes inspirations et écrire tout simplement des chansons. Concernant le choix des chansons pour les duos, pour Guillaume Perret il était intéressant de revenir à un morceau traditionnel jazz pour aller explorer le morceau avec des sons plus modernes. Pour Anne Sila, c’était le contre-pied de chanter cette chanson, qui habituellement demande de performer vocalement, en toute sobriété et émotion, presque à l’unisson. Deux voix qui n’en deviennent qu’une seule : c’était très émouvant de pouvoir ainsi jouer face à face avec un texte aussi fort que celui-là. Pour Tatiana Eva-Marie, c’était une envie de chanter en français. La tendresse qui est un texte d’une si grande puissance qu’il résonne encore de nos jours sans avoir pris une ride. Pour finir, je trouvais cela intéressant de choisir cette chanson issue du film Fame, qui n’est pas le titre phare, mais qui change. Walter Ricci a des capacités vocales qui lui permettent de jouer au caméléon selon l’univers de la chanson autant jazz, que pop, que Motown,… c’était également une rencontre magique.
BBB – Pouvez-vous nous parler des autres projets de Jazz Eleven, et peut-être des découvertes que vous avez faites ? SL – Giovanni Mirabassi va sortir un album qui s’intitule Pensieri Isolati ("Pensées isolées") qu’il a enregistré en piano solo durant le premier confinement. Il s’est associé à un artiste vidéo qui va créer une matière visuelle à partir de pensées poétiques reçues de la part du public sur leur vécu du confinement et de la solitude en général. C’est un projet inédit qu’il dévoilera bientôt. Il sera d’ailleurs en résidence au Théâtre du Châtelet prochainement et un partenariat avec l’école d’art Estienne est en cours. Pour ma part, j’ai réalisé que j’adorais également écrire pour les autres. Mes arrières grand-parents étaient tailleurs et j’ai l’impression que je perpétue d’une certaine manière une tradition à ma façon. J’aime écrire des chansons sur-mesure pour des artistes qui m’inspirent.
BBB – Votre actualité musicale invite au voyage : la France de Michel Legrand, Broadway ou l’Italie avec Intermezzo. Comment d’ailleurs ce titre peut-il se lire ? Comme d’une étape ? SL – Complètement. Intermezzo c’était un intermède dans ma vie, une étape qui m’a permis d’explorer autre chose, d’aller plus loin vocalement, de faire une pause dans l’écriture mais je crois au fond que chaque album est une étape. C’est un peu comme une photo, on fixe un moment précis de notre vie, à savoir qui l’on est maintenant. Il y a cette envie de marquer ce moment clé, mais au final on évolue, on est en constante mutation et c’est cela qui est magique. Se dire que tout cela n’est qu’une expérience de ce que l’on vit aujourd’hui mais ne définit pas qui on sera demain. C’est la liberté de la créativité et d’oser oser !
BBB – Quels sont vos futurs projets discographiques ? SL – J’écris mon nouvel album et je me laisse cette année pour bien le travailler et savoir dans quelle direction je souhaiterai aller, avec quelle formation, quels musiciens jouer… Pour l’instant j’en suis au stade de l’écriture encore mais quelques chansons sont nées déjà !
Pondicergy Airlines : derrière ce titre en forme de boutade se cache un opus étonnant à la musique pop et world éclatante de fraîcheur et de rythmes. Pour être plus explicite sur le nom de l’album, ce dernier nous transporte entre Pondichéry d'où vient la famille de Stéphane Edouard et Cergy où a grandi le musicien. L’instrumental éponyme qui ouvre l’opus offre une belle entrée en matière, avec un morceau faisant appel à la tabla, au kanjira, à la flûte mais aussi aux guitares.
L'artiste témoigne ainsi : "Cet album est le fruit de mon histoire symbolisée par les rencontres, les voyages, les destins. Au départ, Pondichéry, cet ancien comptoir français du sud de l’Inde d’où sont originaires mes parents, pour arriver à Cergy, la ville de mon enfance. L’Inde, à travers ses senteurs et sa musique, a marqué ma jeunesse et représente le noyau de cet album autour duquel orbitent des inspirations musicales venues de tous les continents. Cergy représente une autre part de mon enfance vécue en parallèle : le rock, le jazz, la world m'ont ouvert de nouveaux horizons totalement exaltants. Mon cœur a trouvé la juste mesure entre ces deux cultures".
Pour le clip de "Pondicergy Airlines", le musicien a fait le choix d’images colorée et d’une mise en scène fluide et ébouriffante d’inventivité.
Une rare ambition musicale
Dans l'album de Stéphane Edouard, les influences indiennes du musicien sont là ("Bada Khana", "Radjai Kanigal", "Salt March"), influences donnant à l’album une très grande richesse musicale. Ainsi, "Satya & Sohane" est un chant d’amour en hindou, digne de figurer dans un film de Bollywood grâce à un mariage entre la word music, la pop et le rock.
Dans ce grand voyage musical proposé par Stéphane Edouard, il ne faut pas oublier les haltes dépaysantes du côté du jazz contemporain ("A Song For Sara"). Le jazz : voilà aussi l’autre affaire du musicien multi-instrumentiste qui ne se prive pas de montrer que le cool est aussi à l’aise du côté de Londres, New York ou Paris que de Delhi ("Full Metal" ou le luxuriant "Appa")
Pop, world et jazz viennent donc se mêler avec une singulière évidence ("One Last Time"). L’auditeur sera amené dans un périple incroyable mêlant sons et rythmes ("Oh My Ghosh!", "Ondine" avec la sitar de Michel Guay), donnant au jazz un nouveau lustre et des sensations rarement entendues ("Rue du haut lieu").
Né en France, Stéphane Edouard n’oublie pas le pays où il est né, avec le merveilleux chant d’amour à sa mère, "Mother’s Love (Amma)", un pur joyau aussi bouleversant et tendre que coloré et syncrétique.
"Xol Naleu", un titre pop aux teintes jazzy et hindoues, écrit et interprété par Julia Sarr, vient clôturer un album d’une rare ambition musicale.
Dans la sphère classique, c’est la trompette qu’a choisie Lucienne Renaudin Vary. Un instrument moins courant que le piano, le violon ou le violoncelle dans le répertoire solo mais qui porte chance à la jeune musicienne. Ses tournées dans le monde entier lui permettent de faire découvrir un répertoire moins connu mais passionnant, grâce à un instrument au timbre coloré et éclatant.
Pour Piazzolla Stories, son dernier album, Lucienne Renaudin Vary rend un hommage appuyé au compositeur argentin qui a su non seulement dépoussiéré le tango mais a surtout su lui donner ses lettres de noblesse. Cette année, le compositeur aurait eu 100 ans. La musicienne donne à ces morceaux choisis une lecture pleine de relief et de sensualité, à l’exemple de "Chin Chin" et d’"Oblivion", autant jazz que tango. Lucienne Renaudin Vary sait transporter l’auditeur dans des paysages lointains, évidemment d’abord du côté la pampa.
À côté de morceaux de tango mélancoliques et nostalgiques ("Chau Paris", "Ave Maria"Tanti anni prima" ou encore "Chiquilín de Bachín", avec Thibaut Garcia à la guitare), Piazzolla apparaît comme un authentique compositeur classique : celui par exemple de María de Buenos Aires. La musicienne française propose un extrait éponyme de son opéra sur un livret d’Horacio Ferrer. Accompagnée par l’Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo dirigé par Sascha Goetzel, la trompettiste déploie 12 minutes d’un air lyrique et enlevé comme une comédie musicale.
Éclectisme
Il faut aussi absolument évoquer le superbe "Tango pour Claude", l’adaptation majestueuse et bouleversante par Richard Galliano de "Vie violence" qu’il avait composé pour le regretté Claude Nougaro.
Il est également question de jazz avec les titres "Years of Solitude" et "Close Your Eyes and Listen". Ces fusions étonnantes et passionnantes de tango et de jazz cool sont adaptés de l’album Summit (1974) d’Astor Piazzolla et du jazzman et saxophoniste Gerry Mulligan.
Lucienne Renaudin Vary fait également une incursion dans l’univers classique qu’elle connaît bien avec le célèbre Caprice n°24 de Nicccolo Paganini et la Sonate n° 1 en sol mineur BWV 1001 de Bach, adaptée pour l’occasion à la trompette. Toujours férue éclectisme, l'instrumentiste s’attaque également à Nadia Boulanger et à son "Lux aeterna", un cantique de 1909, dans une version solo.
Les fans de tango ne seront pas surpris par le dernier morceau de l’album, qui est un standard incontournable du tango : le "Volver" de Carlos Gardel. Il ne pouvait en être autrement.
